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Stable Diffusion Forge e GIMP

2025-12-15T23:29:00+00:00

Ti ricordi quando spiegavo che l’AI non era assolutamente all’altezza?

Forse allora ricordi anche quando feci pubblica ammenda dicendo che l’AI va tenuta seriamente in considerazione!

Bene, oggi sono qui per spiegarti come installare un’AI generativa sul tuo PC e integrarla in GIMP.

Premetto che per avere risultati apprezzabili (in termini di tempo di generazione) servirebbe un PC non troppo datato e con una scheda grafica con GPU. Se non hai un hardware di questo tipo va bene anche un PC normale: semplicemente la generazione dell’immagine impiegherà un tempo che potrebbe anche essere decisamente lungo…

Tutto ciò che ti servirà si trova su GitHub.

Stable Diffusion Webui Forge si trova QUI

Si tratta di un’AI non troppo esosa in termini di risorse, utilizzabile con una certa facilità anche da un principiante, modulare e - molto importante - semplice da installare.

Prima di arrivare qui ne ho provate diverse con risultati più o meno soddisfacenti ma il punto debole di tutti i progetti era la difficoltà di installazione!

Questo progetto, al contrario, ha uno script di installazione che si occupa anche di fare due passi fondamentali e che possono risultare ostici ad un principiante ovvero la creazione di un ambiente virtuale Python e l’installazione di tutte le dipendenze.

Faccio una piccola premessa: se stai utilizzando Linux avrai probabilmente un ambiente Python già installato e funzionante mentre se usi Windows dovrai scaricarlo QUI.

Forge viene decisamente incontro agli utilizzatori Windows (solitamente meno avvezzi all’installazione di certi pacchetti software) fornendo addirittura un pacchetto già completo di tutto il necessario, Python incluso!

Quindi l’installazione si risolve facilmente scaricando il pacchetto corretto e avviandolo.

Per chi usa Linux suggerisco invece di clonare il repo con git (per poterlo poi facilmente aggiornare).

Una volta scaricato il pacchetto software occorre solo eseguire webui.bat (se usi Windows) oppure webui.sh se usi Linux.

Al termine dell’installazione l’AI avvierà il browser e sarà raggiungibile da http://127.0.0.1:7860.

Successivamente all’installazione potrai avviare l’AI con il comando launch.py (da eseguire in Python).

Questo comando permette di passare alcuni argomenti all’interprete Python. Il più interessante per te è sicuramente —api che chiede a Forge di rendere disponibili le proprie API e che - quindi - permetterà l’utilizzo dell’AI da parte di altri software: nel nostro caso GIMP.

Un’altra opzione interessante è —listen che indica all’AI di non avviare il browser ma di restare in ascolto. Se decidi di utilizzare Forge attraverso GIMP ti conviene quindi avviarlo con quest’ultima opzione così da evitare l’apertura inutile del browser.

Per riassumere e concludere, il comando da utilizzare sarà il seguente: python launch.py —api —listen

Passiamo ora al nostro GIMP.

Ti occorrerà un apposito plugin che trovi QUI.

Do per scontato che tu stia utilizzando l’ultima versione di GIMP ovvero la 3.

Nel caso in cui tu stessi ancora usando GIMP 2.x (che ti invito comunque ad aggiornare) trovi un plugin molto simile QUI.

Le istruzioni di installazione sono disponibili sulla pagina del progetto e sono molto chiare e semplici: praticamente si tratta di copiare nella cartella dei plug-ins di GIMP (verifica quale in base al tuo sistema operativo) una serie di script Python.

Fatto questo dovresti essere pronto.

Ricorda solo di avviare Forge prima di GIMP e il gioco è fatto!

Il menu GimpFusion compare tra i menu di GIMP

Come lavorare con Ansel

2025-09-19T22:42:00+00:00

In questo mio precedente articolo avevo spiegato perché ho abbandonato il progetto darktable per passare ad Ansel.

Dal momento che a me piace sperimentare, mi compilo il software partendo dai sorgenti in modo da avere sempre l’ultima versione disponibile. Questo anche perché - curando la traduzione italiana - voglio che le nuove etichette siano sempre tradotte tempestivamente.

Sebbene Ansel funzioni bene e sia tranquillamente utilizzabile, si tratta sempre di un software ancora in una fase di forte sviluppo. Ciò significa che potresti ritrovarti con qualcosa di non funzionante. A volte, come sta accadendo nel momento in cui scrivo, quel qualcosa potrebbe essere un problema serio che impedisce l’utilizzo di diversi moduli.

Per ovviare a questo ti suggerisco quindi di agire come segue:

Non compilare Ansel partendo dai sorgenti. Se non sei uno sviluppatore direttamente coinvolto nel progetto sicuramente non ti interessa avere l’ultimissima versione del programma che - quasi sicuramente - avrà minime differenze rispetto a quella precedente.
Utilizza, invece, i pacchetti rilasciati ufficialmente e che trovi sullla pagina principale del sito web.
Nel caso in cui dovessi trovare un problema bloccante anche sul pacchetto ufficiale (può accadere! ricorda sempre che stiamo parlando di un software in via di sviluppo) allora puoi scaricare un pacchetto precedente direttamente dal progetto su GitHub.

Tutto questo è estremamente semplice!

Vai su GitHub nella pagina del progetto Ansel.

Sulla destra troverai una sezione che si chiama Releases.

Fai click sul titolo.

Verrai portato su una nuova pagina con una breve introduzione e, sotto, una sezione che si chiama Assets.

Fai click su Assets per espandere la pagina e vedrai tutti i rilasci ufficiali di Ansel ordinati dal più vecchio al più recente.

Dovrai pertanto scorrere fino in fondo alla pagina e - se stai usando i rilasci ufficiali come ti ho consigliato qui sopra - vedrai in fondo del tutto quello che stai usando tu.

Trattandosi di pacchetti sperimentali vedrai che la versione è sempre la 0.0.0 e, dopo di questa, troverai un segno + seguito dall’identificativo assegnato da GitHub.

Seleziona e scarica il pacchetto precedente a quello che stai utilizzando e installalo. Installando una versione vecchia non soffrirai più del problema introdotto nell’ultimo rilascio.

Se non sei sicuro della versione di Ansel che stai utilizzando allora apri il software e fai click sul menu Aiuto quindi su Informazioni

La versione installata di Ansel

Fai attenzione perché il problema potrebbe essere stato introdotto non nell’ultima versione del software ma in una versione precedente. Magari riguarda una funzione che non utilizzi spesso e te ne sei accorto solo ora…

La logice rimane, comunquue, sempre la stessa: scarica la versione immediatamente precedente e installala.

Mi sembra inutile precisarlo ma per ogni versione del software troverai più di un file:

.exe se utilizzi Windows
.AppImage se utilizzi Linux

Buon divertimento!

Propositi per il nuovo anno

2024-12-30T10:42:00+00:00

Un altro anno sta finendo.

L’anno nuovo è alle porte.

Sebbene questo momento sia solamente un evento registrato sul calendario e uguale a qualsiasi altro passaggio oggi/domani, rimane una cosa che ci porta a fare dei bilanci.

Ci aspettiamo sempre che l’anno nuovo sia migliore dell’anno vecchio sebbene questa cosa non possa essere, ovviamente, un fatto scontato:

Il tempo è buono o meno buono solamente in base a come ognuno di noi lo vive. Ci sono persone alle quali la vita ha riservato prove durissime che riescono comunque a sorridere. Dovremmo imparare da loro. Abbiamo tanto da imparare anche dai bambini: la spensieratezza, l’accontentarsi di poco, la fantasia, la gioia di un’amicizia.
Non esiste la crescita infinita. L’economia ce lo ha spiegato in modo abbastanza brutale ma dovremmo averlo tutti molto chiaro. Oggi va bene, domani meno ed è giusto che sia così: non possiamo sempre essere sulla cresta dell’onda ma potremo anche trovarci in una valle di lacrime.
Dovremmo essere meno competitivi. Non ha un gran senso confrontarci continuamente con gli altri… molto meglio guardare come eravamo ieri e osservare come siamo migliorati. La competizione non porta da nessuna parte, il miglioramento individuale sì.
Di conseguenza cerchiamo di cambiare anzichè accampare delle scuse. Quante polemiche… quante critiche… iniziamo noi stessi a cambiare e qualcosa cambierà. Non è una cosa facile ma faticosa e difficile eppure è l’unica strada che vale la pena percorrere.

Per me stesso ho messo sul tavolo diverse cose da fare.

Vorrei che il 2025 fosse un anno nuovo sotto diversi punti di vista e vedrò come fare affinché questa cosa accada.

Mi sto preparando: ho elaborato qualche strategia e ho intenzione di imparare cose nuove, comportamenti diversi, osservare le cose da punti di vista non convenzionali.

Mi auguro buona fortuna e dato che la fortuna aiuta gli audaci aggiungo un punto ulteriore all’elenco qui sopra: una cosa che fa molto bene al morale e che permette di cambiare le cose è prendere delle decisioni. L’inerzia non produce niente, occorre far sì che le cose non accadano e basta.

Quindi buon anno a me e buon anno a tutti voi.

In equilibrio tra vette e valli

Un fallimento memorabile

2024-10-23T19:42:00+00:00

La nostra vita intera - e quindi anche la nostra storia come fotografi - ci mette davanti ad una serie di fallimenti.

Il fallimento ci farà soffrire ma ci permetterà anche di crescere.

Io non sono un tifoso della sofferenza, intendiamoci bene… non sono uno di quelli che dicono che attraverso il dolore si cresce! Attraverso il dolore si soffre e si sta male e io cerco di evitarlo per quanto possibile ma è vero che anche il dolore può insegnarci qualcosa.

Veniamo alla nostra storia.

Sto digitalizzando una serie di vecchie diapositive (eh… quando inizi a masticare fotografie la fame aumenterà sempre più) e ho trovato una piccola serie di scatti che hanno riportato a galla un vecchio ricordo.

Il ricordo di un fallimento memorabile!

Agosto 1993

Allora avevo 24 anni compiuti da qualche mese.

L’autunno precedente era finita improvvisamente ed in malo modo una storia d’amore importante (sì, lo so che è un classico visto e rivisto ma continua a leggere, per favore).

Io facevo molta fatica a digerire la cosa e - dal momento che ho un livello di socialità da fare a gara con un ghiro in letargo - avevo programmato per quell’estate di percorrere il Sentiero dei Ducati in solitaria.

Potresti pensare subito ad una bella camminata rilassante non fosse che questo sentiero scavalla l’Appennino reggiano e arriva in Lunigiana… circa 200 km da percorrere in una dozzina di tappe.

Ma io ho poco più di 20 anni e sono incosciente come un ventenne! Che problema c’è?!

Pronto per la partenza!

Dopo una preparazione fisica ridicola eccomi pronto a partire!

Questa foto mi ritrae ai margini del piazzale della chiesa di S. Antonino martire a Quattro Castella (RE).

Potenza della fotografia! Tutto questo era praticamente sepolto in chissà quale meandro poco frequentato del mio cervello ma, quando ho trovato le diapositive, tutto è tornato limpido e chiaro.

Sento ancora l’afa dell’estate e lo scricchiolio della ghiaia sotto la suola rigida degli scarponi da montagna.

La foto l’aveva scattata mia madre che mi aveva accompagnato in auto. Poveretta… aveva ceduto alla mia testardaggine ma - oggi che anche io sono genitore - credo fosse enormemente preoccupata.

Il telefono cellulare non esisteva! Avrei potuto chiamare a casa ogni tanto dai telefoni pubblici che avrei - forse - trovato lungo il percorso.

Avevo in spalla uno zaino ricolmo e pesante ed ero senza un adeguato allenamento.

A volte capita di viaggiare a tutto gas verso un muro di cemento armato senza riuscire a vederlo…

Un paese fantasma trovato durante il percorso.

Il sentiero si inerpica abbastanza ripidamente lungo i fianchi delle colline. Spesso si costeggiano i calanchi che in questa zona sono numerosi e piuttosto profondi.

Non avevo, ovviamente, come me un GPS quindi dovevo per forza affidarmi ad una cartina che mi ero fotocopiato da un libro preso in biblioteca, la bussola e i segni bianco-rossi disseminati lungo il percorso.

Il paesaggio è molto bello e il silenzio è notevole.

C’è una certa pace che inizia, finalmente, ad invadermi non fosse che gli spallacci dello zaino mi provocano un certo dolore e i miei muscoli, poco allenati, iniziano molto presto a dare segni di stanchezza.

In questo paese fantasma avrei dovuto trovare una fonte (o, perlomeno, così dice la mia cartina fotocopiata in biblioteca) ma questo necessario incontro non si realizza.

La borraccia, intanto, è già stata svuotata. Il caldo del pomeriggio è notevole.

Non sono stato in grado di capire dove si trovi questo gruppo di case. Sinceramente non lo ricordo e anche guardando le mappe satellitari non riesco a localizzarlo. Peccato.

Per fortuna lunghi tratti di cammino si effettuano all’ombra del bosco. Qui la temperatura è più accettabile e…

Un giovane cervo spunta dal fitto del bosco

… si possono fare incontri molto particolari.

Ricordo benissimo il rumore di zoccoli in rincorsa che sentivo molto vicino a me e il cuore che batteva a mille!

Quando il cervo è sbucato dal bosco mi ha visto e si è fermato. Non so dire chi dei due fosse più stupito o spaventato.

Io ho avuto qualche secondo di tempo e ho potuto scattare la fotografia qui sopra. Poi l’animale si è dileguato.

Era circa metà pomeriggio. Avevo caldo, sete e il battito accelerato dallo spavento.

Ricordo che ad un certo punto ho trovato dell’acqua dove la cartina non segnava nulla e sono riuscito almeno a dissetarmi e riempire di nuovo la borraccia.

Poi ho ripreso il cammino. Sempre più lento, sempre più dolorante.

Ecco, bisogna anche capire quando arriva il momento di mettere da parte le idee di vittoria e l’orgoglio e alzare la bandiera bianca.

Avevo le anche praticamente bloccate dal dolore. Il peso dello zaino era troppo. Non potevo farcela. Non potevo andare oltre.

Oppure no… DOVEVO andare oltre. Avrei dovuto raggiungere un posto abitato per poter telefonare a casa.

Incrocio una strada, mi oriento e proseguo lungo l’asfalto fino ad arrivare al primo paese.

Entro in un piccolo bar e chiedo di telefonare.

A casa sono stupiti di sentirmi così presto ma - dalla voce - capisco subito che sono decisamente sollevati. Il mio fallimento per i miei genitori significa la tranquillità di riavermi a casa.

La resa finale davanti al cimitero di Canossa

Eccoci arrivati alla fine della storia.

Sulla sinistra si vede parte dell’auto di mio papà al quale ho chiesto di scattare la fotografia che testimonia senza nessuna pietà la mia resa.

Questa foto, senza volere, è emblematica.

Il muro alle mie spalle, infatti, cinge il piccolo cimitero di Canossa.

Quante chiavi di lettura ha una foto del genere?

Numerose.

Il pessimista direbbe: ho le spalle al muro. Sono seduto - vinto - davanti ad un cimitero. Peggio di così non poteva andare.

L’ottimista: il cimitero evidenzia il fatto che io sia vivo ed è, comunque, un luogo di pace. La pace che stavo cercando.

Anche in questo caso posso affermare senza dubbi che la lettura di una fotografia non è mai semplice ed immediata e questa foto testimonia quanto sia difficile per un fotografo comunicare al pubblico il suo pensiero.

Ognuno di noi vede nella fotografia che ha di fronte qualcosa di personale, filtrato dalle proprie esperienze, dalle proprie aspettative, dalla sua cultura, le sue credenze, i suoi sentimenti più intimi.

In fin dei conti è solo il fotografo che sa veramente perché ha scattato proprio quella foto.

Triste ma vero!

Quindi - ti starai chiedendo - ora devi dirmi che cosa significa questa immagine per te!

Questa foto ritrae un fallimento. Un fallimento annunciato e facilmente prevedibile e che io avevo sottovalutato.

Non mi sono fatto del male. Questa è una cosa molto importante.

Mi sono messo alla prova. Ho fatto un tentativo e ho rinunciato quando ho capito che non sarei potuto andare oltre.

Ho reagito ad una situazione dolorosa dopo mesi di apatia totale. Diciamo che non è stata proprio un’idea geniale ma ho agito e questa è la cosa che conta.

Quando ho visto le fotografie il ricordo si è materializzato davanti ai miei occhi in modo chiarissimo sebbene siano passati così tanti anni.

Non ho avuto nessun ricordo doloroso. Mi ha fatto piacere vederle. Mi ha fatto piacere ricordare.

Un fallimento memorabile!

Perché dovresti acquistare un drone

2024-08-19T22:42:00+00:00

Sono almeno un paio d’anni che ragiono sulla possibilità di acquistare un drone.

Mi sono sempre arenato su alcune questioni non di poco conto:

un drone che faccia belle foto ha un prezzo importante
quante volte lo userò? ne vale veramente la pena?
le foto fatte con i droni sono tutte uguali

Se anche tu ti sei posto questi dubbi, ti spiego come io li ho sbrogliati dall’ultimo… al primo!

Le foto fatte con i droni sono tutte uguali

Anche quelle fatte con il cellulare, anche quelle fatte con la macchina fotografica, anche quelle fatte con…

Se non ci metti del tuo ma ti limiti a fare quello che fanno gli altri ogni foto sarà uguale ad altri milioni di foto.

Il risultato dipende da te: il drone (come la fotocamera) è semplicemente uno strumento. Per quanto possa essere sofisticato il software che lo controlla - e io sono rimasto veramente stupito in questo senso - l’intelligenza che muove il tutto sarà sempre e solo la tua.

Quante volte lo userò? Ne vale veramente la pena?

Quando ne avrai uno, lo userai.

Oggi cerchi la fotocamera quando vedi qualcosa di interessante: quando avrai un drone lo cercherai per lo stesso identico motivo. Se oggi usi la fotocamera una volta al giorno o una volta alla settimana o una volta al mese, farai la stessa cosa con il tuo drone.

La frequenza non ha molta importanza, l’importante sarà portare a casa qualcosa di interessante.

Un drone che faccia belle foto ha un prezzo importante

Su questo non ci piove… se vuoi spendere poco ti porterai a casa poco più di un giocattolo e avrai, di conseguenza, risultati MOLTO amatoriali…

Il drone si alza in volo sotto lo sguardo attento e un po’ ansioso del pilota

Con un po’ di pazienza e di fortuna si possono trovare delle buonissime occasioni spulciando le offerte di materiale usato.

Io ho scovato un Mavic AIR (prima serie, ormai fuori produzione) con ben tre batterie incluse.

Il Mavic Air ha un ottimo sistema GPS e un gimbal fantastico (entrambi sono fondamentali per ottenere foto e video perfettamente stabilizzati) e le due batterie aggiuntive mi permettono di poter volare per quasi un’ora.

Inoltre ha un sistema ‘visivo’ di volo che gli permette di evitare gli ostacoli.

Questa non è una cosa da poco per un principiante che ha tutto da imparare!

Il Mavic AIR ha un peso al decollo di circa 440 grammi quindi occorre il patentino per poterlo pilotare. Qualche ora di studio, un esame online e anche questo problema è stato risolto.

Che cosa puoi fare con il drone?

La cosa che mi ha sbloccato e che mi ha fatto decidere per l’acquisto è la curiosità di poter guardare le cose da un nuovo punto di vista.

Quante volte ti sei sentito dire che il punto di vista per un fotografo è una cosa fondamentale?

Come cambia una scena semplicemente mettendoti in ginocchio? Come stravolgere una prospettiva sdraiandoti per terra? Come si allarga l’orizzonte scattando da un punto più elevato?

Bene, qui parliamo di VOLO!

Quante occasioni avrai di poter scattare una foto dal punto di vista di un uccello? Pochissime!

Una torre, un belvedere, la cima di una montagna.

Anche la foto più banale fatta durante un viaggio di svago (te ne metto una qui sotto) può diventare unica!

Rocca Calascio immortalata da una posizione impossibile

Questo punto di vista per un umano semplicemente non esiste dal momento che sotto i piedi del fotografo si apre un vuoto di diverse decine di metri.

In questo modo una banalissima fotografia (molto semplice nella sua composizione) è entrata a far parte del mio archivio e dei miei ricordi.

Nessun altro fotografo (o quasi nessun altro) avrà mai una vista del famoso castello come questa.

Quindi, a parte l’amor di statistica o la voglia di poter esibire uno scatto unico, il volo permette di esplorare volti sconosciuti del soggetto che ti ritroverai davanti.

Non solo lo scatto sarà unicamente tuo ma sarà unico anche dal punto di vista!

Prima ho parlato di uccelli.

Il volo è sempre stato qualcosa di affascinante per l’uomo. Il fatto di poter volare permette loro di raggiungere luoghi per noi impossibili e permette loro di avere una visione dell’ambiente che noi possiamo avere solo nelle nostre fantasie.

Oppure no?!

A pochi metri da tante spiagge italiane è possibile vedere questi scogli artificiali con la funzione di frangi-flutti. Impediscono alle maree di erodere i litorali e portare la sabbia al largo.

Sono oggetti assai comuni e semplici che ognuno di noi conosce.

Eppure, fotografati dall’altro (qui sopra a circa 50 metri dal pelo dell’acqua) assumono una forma completamente diversa.

Per un gabbiano è una cosa normale ma per me no.

Se non in questo modo io non avrò mai e poi mai la possibilità di un simile punto di vista.

Lo scoglio - con tutta la sua parte sommersa - diventa un oggetto quasi alieno e, sicuramente, più interessante di ciò che vedi dalla spiaggia e che ti impedisce di spaziare verso l’orizzonte.

Per me l’esplorazione è appena iniziate!

Non fotografare!

2024-05-31T15:29:00+00:00

Sabato 24 maggio rimarrà impresso nella mente dei reggiani veramente a lungo.

Non solo dei reggiani - a dire la verità - ma per una città tutto sommato piccola e provinciale come la nostra l’evento di sabato 24 maggio è stato qualcosa di storico.

Considerando che la nostra città conta circa 170.000 abitanti, ospitare un concerto da 105.000 spettatori significa raddoppiare la popolazione concentrandola in un punto solo: la RCF Arena.

Gli AC/DC hanno tenuto proprio qui l’unica data italiana di un tour europeo che potrebbe anche essere l’ultimo della loro lunga carriera.

Però non voglio parlare del concerto (comunque MERAVIGLIOSO!) ma di fotografia.

L’evento, non esagero, è stato epocale eppure tantissime persone se lo sono vissuto guardandolo attraverso lo schermo del loro telefono!

Fermiamoci un attimo a riflettere…

Paghi una discreta somma di denaro per andare a vedere un evento che rimarrà, probabilmente, nella storia della musica leggera.

Ti sorbisci una trasferta più o meno lunga in auto, treno o in pullman.

Cammini dal parcheggio fino all’arena insieme ad altre migliaia di persone stile “esodo da fine del mondo”.

Fai la fila ai cancelli, ti fai perquisire, entri con in mano - bella diritta - la tua bottiglietta da mezzo litro senza il pericolosissimo tappo di plastica.

Cerchi un posto sul prato e stai, magari, in piedi per qualche ora.

Ti bevi una birra che costa come una bottiglia di vino per non collassare dalla sete.

Guardi spazientito il gruppo di supporto finchè… lo spettacolo che aspetti da mesi… INIZIA!!

Finalmente! Non vedevo l’ora! Eccoli!!!

E tiri fuori lo smartphone.

Ecco la mia UNICA foto dell’evento. L’ho fatta per mandarla a casa ai figli e comunicare loro che eravamo arrivati e avevamo trovato un buon posto.

Perché ti costringi a guardare un evento del genere attraverso lo schermo del telefono?

Per dovere di cronaca? Lascia perdere! Il giorno dopo avresti trovato decine - se non centinaia - di video tutti ugualmente traballanti e con un audio pessimo, tutti con la medesima, statica, noiosissima inquadratura.

Per portare a casa un ricordo? Vedi sopra.

Per dire agli amici: io c’ero! E poi? Sei così poco credibile che devi presentarti con le prove del misfatto perché la gente ti creda?

In questi giorni sta partendo anche il tour di Vasco Rossi.

Sui social imperano foto come questa:

Le prove del palco del tour 2024 di Vasco Rossi. Fonte: il web intero!

Il testo di accompagnamento che leggo più spesso è da brividi: Sua Maestà il Palco.

No scusate… spiegatemi, per favore… chi è che spende un centone per andare a vedere un palco!?

Sua Maestà il palco?

Guarda… è stata una serata bellissima. C’era un palco meraviglioso! Mai visto niente di simile. Per il prossimo anno devo fare in modo di trovare un posto che mi permetta di vedere Sua Maestà il palco da una diversa angolatura. Non vedo l’ora! Questo palco è veramente fantastico.

Forse mi sto perdendo qualcosa. Assisto ad uno spettacolo dal vivo e lo guardo attraverso il telefono oppure vado ad uno spettacolo e la cosa più importante è come sarà il palco.

C’è una cosa che diventa sempre più necessario ribadire: non è obbligatorio fare fotografie.

Per favore NON FOTOGRAFATE.

Lo dico sempre anche a chi mi chiede qualche consiglio per iniziare: è importante capire quando serve scattare e quando non va fatto.

Tralascio l’aspetto tecnico delle fotografie fatte in queste occasioni con il telefonino: FANNO SCHIFO ma non lo vedete!

Dietro di me c’era uno che fotografava con il flash!

Eravamo a circa 200 metri da un palco illuminato da qualche mille mila watt di luci e lui usava il telefono con il flash!

(promemoria: scrivere un corso base di utilizzo del flash)

Davanti a me c’era una coppia che ha filmato TUTTI gli INIZI di TUTTE le canzoni.

Quando iniziava una canzone io perdevo di vista lo spettacolo per circa mezzo minuto perché avevo due cazzo di telefoni che si alzavano e filmavano - appunto - circa 30 secondi di performance.

Che cosa avranno fatto il mattino dopo i due piccioncini? Avranno verificato su entrambi i telefoni quale moncone di canzone fosse stato filmato nel migliore dei modi?

Non serve fotografare sempre. Spesso è meglio non farlo.

La pellicola ci limitava per motivi di costo e di spazio (nessuno andava in giro con una borsata di rullini) mentre il digitale ci ha aperto le porte del consumismo.

Il digitale non occupa spazio e non costa nulla. Quando sono a casa posso buttare via ciò che non mi soddisfa quindi… fuoco alle polveri! Scatto come un forsennato tutto ciò che vedo: un piatto di pasta, un mare piatto a mezzogiorno, 20 secondi di una canzone, un sorriso falso, una persona che non conosco, un gruppo di amicissimi conosciuti un’ora prima.

Pistoleri!

Riponete le armi e la voglia di vendetta.

Non siete fotografi. Non siete artisti. Siete solo fastidiosi.

Belletti e cosmetici

2024-02-26T19:42:00+00:00

Oggi voglio fare outing.

Anche io ho passato un periodo durante il quale pensavo che la fotografia non dovesse subire nessun tipo di manipolazione (post-produzione)

Ricordo una volta che seguivo una persona su FB e sono arrivato a chiedere - con un subdolo inganno - di mandarmi il jpeg di una foto che aveva pubblicato.

Il jpeg è arrivato e il mio giudizio anche!

Eh… vedi che schifo… a post produrre sono capaci tutti!

Se ci penso oggi mi corre un brivido giù per la schiena: che violenza… che arroganza…

No, non è così. Le fotografie vanno post-prodotte.

Poco o tanto ma devi farlo.

Ecco il mio outing di oggi in tre immagini. A sinistra il file originale (quello per i duri e puri), a destra quello manipolato.

Qui sotto un immagine scattata nel buio di un capannone abbandonato da anni.

Una ventola di areazione sul soffitto di un capannone in rovina

Niente effetti speciali se non che dal buio sono emersi tantissimi dettagli.

Uno dei meriti della post-produzione, infatti, è quello di poter recuperare dettagli nascosti nel buio o nella luce più accecante. Spesso il nostro sensore registra molto più di quello che pensiamo.

La foto originale non ha alcun senso ed è decisamente sottoesposta nel senso più brutto del termine.

La foto di destra, invece, è sempre sottoesposta ma acquista un suo significato. Le travi e le tavelle del soffitto sono perfettamente leggibili seppur immerse nell’ombra e guidano lo sguardo verso il cielo al di là della ventola.

Andiamo ora con la seconda fotografia. Una colonna del tempio di Segesta in Sicilia.

La base di una colonna di pietra con timidi fiori gialli

Prima di tutto vorrei farti notare quanto è storta la foto originale.

La rotazione e il ritaglio delle fotografie sono operazioni semplici ma che - spesso - andrebbero fatte. Il nostro occhio nota immediatamente un orizzonte in discesa o una linea verticale che sembra pronta a cadere al suolo.

Rotazione e ritaglio sono operazioni di post-produzione…

Qui ho anche convertito l’immagine in bianco e nero lasciando il giallo dei fiori che nell’immagine originale non si notano affatto venendo impastati nei toni giallastri dell’intera fotografia.

La tecnica del bianco e nero con una piccola nota di colore è additata da tanti come kitsch, una tecnica fuori moda, un già visto, qualcosa da evitare. A me piace molto - se usata con parsimonia - quindi non mi vergogno a proporla.

Avanti ora con la terza e ultima immagine!

Qui facciamo sul serio: la silhouette di una montagna e un pino marittimo con la città di Trapani sullo sfondo.

La città di Trapani ripresa da Erice

A parte la particolare tecnica di ripresa (per la quale ho impiegato un filtro ottico ND) la foto di sinistra è ben esposta ma non particolarmente attraente.

Il sole si preparava a tramontare ma c’era ancora tanta luce in cielo. La luce mi serviva per poter catturare qualche dettaglio della roccia in primo piano.

Davanti al PC ho scurito parecchio la montagna conservando, però, i bei dettagli della roccia in primo piano. Il rosso del tramonto è stato accentuato drammaticamente così come il colore del cielo a fare da contrasto.

I dettagli della città e del mare sono stati esaltati e il tutto è stato virato su toni rossi per accentuare l’illuminazione del tramonto.

Anche in questo caso - come per le colonne - il risultato NON è certo una foto da reportage ma piuttosto ricorda il dipinto di un pittore che ama usare il rosso e il blu.

Perché tutto questo bel discorso?

E, soprattutto, perché far vedere così platealmente i files originali e decisamente bruttini?

Perché non vorrei che tu facessi gli errori che ho fatto io.

Non è un delitto post-produrre le tue fotografie. Anzi, direi che è quasi un dovere!

I difetti vanno assolutamente corretti.

Orizzonte storto (o linee verticali cadenti) sono inguardabili. Un piccolo ritaglio, a volte, aiuta a focalizzare l’attenzione dell’osservatore oppure può servire per togliere qualcosa che entra nell’inquadratura in primo piano e che non avevamo visto al momento dello scatto…

Poi c’è tutto il resto, e il resto sei tu!

Ricorda che la TUA fotografia parla di TE quindi pubblicala solamente quando sarai assolutamente sicuro di avere tra le mani la versione giusta.

Non lasciare che la tua foto venga sviluppata dal software scritto da uno sconosciuto ingegnere!

In fin dei conti è come parlare di una ragazza acqua e sapone ma alla quale piace uscire con un po’ di trucco.

Sicuramente - se così si sente a suo agio - sarà ancora più bella!

Autotune sì o no?

2024-02-10T10:09:00+00:00

Anche per quest’anno il festival di Sanremo è finito… finalmente!

Non tanto per l’evento in sè quanto per l’immancabile contorno di polemiche, scandali (?) e gente che deve per forza far sapere la propria fondamentale opinione.

Tra i mille pareri dei mille esperti di turno compare ancora il famigerato autotune

Eh, vorrei proprio sentirlo/a senza autotune…

Facciamo insieme l’esercizio di applicare l’autotune ad una fotografia. Vediamo se ne vale veramente la pena, se è un orpello inutile o se - invece - è proprio vero che “senza autotune saresti un cane stonato”!

Diciamo che il negativo digitale (il file raw, per intenderci) è la versione acqua e sapone della nostra fotografia.

Dovrebbe quindi essere, nell’intenzione dei grandi saggi, l’idea prima del fotografo, la sua visione, il suo messaggio da comunicare.

Usiamo una fotografia che ho scattato a Palma di Maiorca passeggiando sulle mura difensive che si trovano tra il mare e la meravigliosa cattedrale gotica.

Eccola!

Una garitta sulle mura difensive di Palma

Vi descrivo l’immagine come me la vedo davanti:

Colori non corrispondenti alla realtà
Aspetto piuttosto slavato
Generale sovra-esposizione
La foto è leggermente storta (l’orizzonte non è perfettamente orizzontale)
Servirebbe un piccolo ritaglio

Insomma… per iniziare andiamo maluccio… qualcuno direbbe che questa è una foto da buttare!

Questa non è affatto la mia idea, la mia visione, il mio messaggio da comunicare.

La mia idea riguarda la porta vandalizzata che dovrebbe essere molto più in evidenza.

Mi piace paragonare la fotografia agli attori di teatro.

Gli attori teatrali hanno sempre in faccia un trucco estremamente esagerato. Serve perché anche gli spettatori delle ultime file - molto lontani - possano vederlo.

Guardandoli da vicino appaiono invece come della maschere.

Ecco, la foto è proprio così. Per portare l’attenzione dell’osservatore su un particolare occorre renderlo particolarmente evidente.

Inizio quindi correggendo la linea dell’orizzonte e applicando un ritaglio molto leggero.

Aggiusto la nitidezza, i colori e calibro un po’ l’esposizione. Applico poi una LUT con colori cinematografici.

Ecco il risultato.

La garitta sviluppata con colori cinematografici

Decisamente un’altra cosa!

Ora la porta è decisamente ben evidente e attira subito l’attenzione. Pur essendo fuori luogo (perché contrasta decisamente con la pietra della costruzione e non ha niente a che vedere con il resto dell’immagine) rimane coerente con il resto giustificata dalla lattina abbandonata in terra.

Nella foto originale la lattina si vede a fatica e non viene quindi neppure percepita.

Devo ammettere che qui c’è autotune a non finire!

Però posso riprendere la foto originale e fare questo:

La garitta sviluppata in bianco e nero

Togliamo tutto il colore e lasciamo che la superficie ruvida della pietra e la porta di legno si prendano l’intera attenzione.

In questo caso la porta risalta ancora di più perché è decisamente scura sulla superficie della pietra quasi completamente bianca (ricordi che uno dei difetti della foto era la sovra-esposizone? o forse non era un difetto?). In questa immagine la lattina non serve più, anche se si trova ancora lì. La porta è talmente evidente che si prende tutta l’attenzione.

Dal mio punto di vista anche questo sviluppo ha un suo senso e non mi sento di dire che sia meglio o che sia peggio di quello precedente: semplicemente è diverso.

Per esprimere qualcosa occorre poterlo comunicare.

Posso comunicarlo a parole, con una fotografia, una danza, una pennellata di colore…

Se canto con l’autotune la mia voce diventa caratteristica. Se tolgo l’autotune la mia voce non sarà più la stessa quindi non potrò più comunicare come ho sempre fatto fino ad oggi.

Non è una questione di dimostrare se sei capace, è proprio una questione di comunicare sì o no!

Chiunque è capace di fare una fotografia ma poche sono le fotografie in grado di comunicare qualcosa.

Io ho avuto la fortuna di essere giovane negli anni 80 dove non esisteva il politically correct ma nessuno ne ha mai sentito la mancanza. Dove potevi vestirti e pettinarti come ti pareva. Dove nessuno criticava i gusti sessuali di un cantante ma - se ti piaceva - lo ascoltavi. Dove le arti in generale potevano sperimentare qualsiasi cosa perché gli artisti si sentivano liberi di esprimersi.

Sai chi sono i Rockets?

Se sei uno che parla male dell’autotune sappi che è solo uno strumento, non rende nessuno capace o meno di comunicare. Quello viene da dentro.

E se non sai chi sono i Rockets alza il volume e guardati questo video! Autotune spostati proprio!!

NO alla violenza sulle donne

2023-11-25T12:42:00+00:00

Il 25 Novembre 2023 ho partecipato alla Camminata in rosso, una manifestazione contro la violenza sulle donne.

L’argomento è quanto mai di attualità ma - sono sincero - la partecipazione della popolazione reggiana mi ha colpito.

Erano ANNI che non vedevo più una piazza così gremita di persone. E quando la piazza non è più stata in grado di accogliere nessuno la gente ha iniziato a riempire tutte le strade vicine..

La folla era quanto mai eterogenea: uomini e donne, bambini e anziani, giovanissimi ed ex-giovani (tra i quali, il sottoscritto).

Non voglio fare la sterile telecronaca della mattinata ma raccontarvi un episodio che mi è accaduto qualche sera prima.

Ero in macchina con mia moglie. Lei guidava. L’autostrada dritta e liscia - e il traffico quasi inesistente - lasciava ampio spazio alle chiacchiere.

Il volantino della manifestazione

L’argomento va alla manifestazione che si sarebbe tenuta da lì a qualche giorno…

Comunque viviamo in un mondo molto diverso da quello che c’era anche solo pochi anni fa… Pensa solo ai nostri genitori: la parità di genere non era neppure contemplata. Era normale che la donna dovesse fare la donna e l’uomo fosse il capofamiglia. Noi non siamo più quel tipo di persone! Oggi tantissimi uomini fanno i lavori di casa, seguono i figli, vanno a fare la spesa, permettono alle loro mogli e fidanzate di uscire la sera senza dover chiedere.

Mia moglie mi guarda.

Aspetta qualche secondo e poi mi dice:

Verissimo! Però vedi che hai usato il verbo permettere? Una donna deve essere libera di uscire la sera senza dover chiedere il permesso.

Io ci rimango un po’ male (sono anche permaloso e l’età che avanza non sta migliorando le cose…) ma è vero: ho detto “permettono”!

Non l’ho detto nel senso negativo della frase (devono chiedere il permesso) però devo ammettere che è il verbo sbagliato.

Questa la capiscono solo i reggiani! Mi dispiace…

Aspetto che il bruciore di questa figuraccia mi passi, rifletto con più lucidità, e poi mi confesso:

In effetti io ho detto che tanti uomini fanno anche i lavori di casa ma la primissima frase che mi era venuta in mente è aiutano in casa. Se un uomo aiuta in casa significa che quello non è compito suo ma della sua compagna e lui sta solo dando una mano (Grazie amore! come sei gentile! che bel regalo che mi stai facendo! sono davvero una donna fortunata!).

Ragionando a mente fredda mi rendo conto di quanto siamo tutti permeati di concetti basilarmente maschilisti.

Non era mia intenzione usare il verbo permettere in senso negativo ma ho usato quella parola. Allo stesso modo ho dovuto fare un passaggio mentale voluto riguardo i lavori di casa perché il mio cervello mi aveva proposto automaticamente il verbo aiutare (sbagliato).

Io mi ritengo uno molto avanti da questo punto di vista. Con le donne mi sento assolutamente paritario sia a casa che sul lavoro o nella vita di tutti i giorni.

Eppure…

Piazza Prampolini è quasi completamente piena!

Eppure non a tutti è noto che il reato di adulterio (ovviamente solo quello della donna nei confronti del marito) è stato abrogato nel 1968, un anno prima della mia nascita, e il delitto d’onore nell’agosto del 1981.

Non stiamo parlando di secoli fa… nell‘81 io avevo 12 anni!

Ecco perché è innegabile che siano stati fatti passi da gigante ma è anche altrettanto vero che occorre prestare molta attenzione perché tantissime persone sono nate e cresciute in un ambiente non proprio favorevole alle donne…

Alcuni cuori sono luminosi e brillano, altri restano in ombra e sono scuri e tristi

Credo che serva veramente una presa di coscienza seria da parte di tutti perché a volte anche comportamenti o parole a cui non diamo alcun valore potrebbero ferire o, comunque, mettere in difficoltà qualcuno.

Senza voler estremizzare la cosa (io non sono amico degli estremismi, anzi) serve davvero provare a guardarci dall’esterno per vedere l’effetto che fa.

L’esercizio del mettersi nei panni degli altri è sempre utile!

Sessualità… sicuri che il problema sia questo?

Più che alla sessualità io inizierei a pensare all’affettività.

E prima di pensare all’affettività inizierei a sondare il mistero più grande che la vita ci mette davanti: NOI STESSI.

Credo che oggi si faccia molta fatica a comprendere i propri sentimenti e le proprie sensazioni.

Oggi sembra quasi impossibile il poter parlare di ciò che si prova. Dobbiamo essere forti e performanti, non piagnucolosi.

Io stesso - prima di affrontare un percorso lungo e impegnativo con una psicoterapeuta - identificavo il 90% delle mie sensazioni negative con la rabbia.

Poi ho capito che la rabbia è UNA cosa e che di altre cose ce ne sono a decine.

Eppure capire e identificare i sentimenti che proviamo ci permette di conoscerci.

E se non siamo in grado di conoscere noi stessi come pensiamo di poter affrontare gli altri?

Un fotografo (in questo caso unA fotografA) all’interno della foto

Erano tanti i fotografi che hanno partecipato alla camminata per cercare lo scatto giusto. D’altra parte, anche se non amo fotografare le persone, c’ero anche io.

Tra i tanti ho scelto una donna.

Perché era donna e noi eravamo qui per loro, perché era in piedi su qualcosa e spiccava tra la folla e perché (cosa più importante) stava fotografando contro-corrente.

Non le interessava la processione: le interessavano le facce.

E di facce ne ho catturata una anche io!

Come si fa ad avere paura di un sorriso come questo?

Giovanissima, il suo sorriso contrasta con i segni di guerra che si è dipinta sul viso.

Chi può mai avere paura di un viso così?

Chi può arrivare a fare del male ad un viso così?

I mostri non esistono. Esistono solo le persone.

Come diventare un fotografo di successo

2023-11-20T19:47:00+00:00

Tanti pensano che diventare un fotografo famoso o di successo significhi la stessa cosa.

Non è vero!

L’essere famosi presuppone un riconoscimento dato da altri mentre il successo è qualcosa che ci riconosciamo da soli.

Io non so come si faccia a diventare famosi MA so come fare per essere un fotografo di successo.

Alcuni concetti sono già stati spiegati nel mio corso gratuito Foto IMperfette ma qui voglio riassumerteli tutti insieme.

Bene, iniziamo!

Primo passo: impara la tecnica e conosci il mezzo

Sarò molto chiaro e diretto: se non ti impegni a studiare e ad imparare la tecnica non potrai mai fare foto degne di nota.

Per poter comunicare con efficacia è necessario imparare a farlo e per farlo dovrai partire dalle basi.

Pensi di essere un artista incompreso? Credi che il tuo genio colmerà le lacune tecniche? Ti stai ingannando da solo. Probabilmente sei solo un ignorante che pensa di prendere in mano la fotocamera e iniziare a fare grandi fotografie perché questa è una cosa che hai nel sangue, oppure perché te lo senti proprio o per altri mille motivi.

Guarda meno talent show e studia.

Il manuale di istruzioni della macchina fotografica dovrebbe essere la tua prima lettura!

Secondo passo: definisci il campo e le regole del gioco

Può sembrare banale ma se non decidiamo fin da subito che cosa vorremmo fare, non potremo mai essere soddisfatti di ciò che facciamo.

Questa lampadina me l’ha accesa inconsapevolmente un giorno mia moglie.

Eravamo in giro insieme e io cercavo la foto perfetta.

Scusa ma non sei capace di fare le foto delle vacanze come fanno tutti?

Come ho scritto anche qui sopra banale ma non scontato…

Se sei in giro per una gita con altre persone puoi fare qualche foto per documentare la giornata senza sentirti un fotografo incapace. Stai documentando una gita con lo scopo di portare a casa qualche ricordo. Obiettivo definito con chiarezza e risultato raggiunto.

Tua mamma ti chiede di scattare delle foto alla fioritura dei suoi gerani a cui tiene tanto. Quando guarda le foto si emoziona, ti ringrazia, le fa vedere con orgoglio alle amiche. Risultato raggiunto.

Tuo figlio compie 5 anni e festeggia con gli amichetti. Foto dei bimbi, del taglio della torta, dell’apertura dei regali. Una bella giornata da ricordare. Pensa quanto sarà felice lui - anni dopo - quando potrà rivedere queste immagini! Risultato raggiunto.

Un pezzo di pellicola inserita nello scanner…

Questi sono tutti esempi banali ma la cosa funziona anche per progetti più complessi.

In quest’ultimo caso, però, potrebbe facilmente entrare in gioco anche il punto successivo ovvero

Terzo passo: accettare gli insuccessi

Ci sono due cose che un fotografo non vorrebbe mai dover affrontare al termine di una seduta fotografica:

Ritrovarsi con foto scadenti/deludenti/inutilizzabili o
Non aver scattato affatto

In entrambi i casi abbiamo impiegato ore del nostro tempo per ritrovarci con un pugno di mosche.

Eppure questa è una cosa normale. Se ci pensi bene è abbastanza pretenzioso pensare di realizzare qualche scatto veramente ben riuscito ogni volta che prendiamo in mano la macchina fotografica!

Diverse volte potremmo ritrovarci a tornare a casa con decine o centinaia di foto praticamente da buttare (per fortuna che uno scatto in digitale non costa nulla!) e alcune volte avremo la nostra scheda di memoria completamente vuota.

Nessuna paura. Tutto sotto controllo. Andrà meglio la volta successiva.

Non rammaricarti se una foto che avevi pensato interessante si rivela assolutamente insignificante. Saprai fare meglio la prossima volta.

Quarto passo: la foto perfetta, semplicemente, non esiste

Vorresti fare uno scatto incredibile come questo?

La storica copertina del National Geographic con una delle foto più belle di tutti i tempi

Lui è Steve McCurry, non l’ultimo arrivato. Lui ha viaggiato per anni (ben pagato) in luoghi ostili rischiando la vita più volte.

Forse devi abbassare un po’ l’asticella e rassegnarti al fatto che una foto del genere non la farai mai.

Forse devi riguardare i tuoi obiettivi e capire se certe potenzialità le hai oppure no. Non siamo tutti in grado di raggiungere i medesimi obiettivi, se vuoi puoi è una falsità bestiale: dimenticala!

La tua foto perfetta sarà molto diversa da questa. Forse la tua foto perfetta non arriverà mai oppure pensa che

La tua foto migliore è quella che devi ancora fare

Io, che non amo fare ritratti ma che ammiro molto McCurry, penso che questa sia una mia foto molto significativa

Un ritratto fatto in occasione di un compleanno. Situazione banale ma risultato degno di nota

Quinto passo: prova a raccontare piuttosto che cercare di stupire

Per rimanere sull’argomento McCurry e la sua ragazza afghana è veramente molto difficile ottenere una foto così iconica da poterla mostrare da sola e ottenere stupore e ammirazione.

Per lo stesso McCurry (e per qualsiasi altro fotografo famoso) non esistono libri o mostre dove viene mostrata una foto soltanto. La nostra ragazza afghana verrà sempre mostrata insieme ad altri ritratti simili: forse lei rimarrà la più bella ma non sarà mai sola.

Una fotografia ha senso e acquista più valore quando viene inserita tra altre immagini. Una fotografia aumenta il suo valore quando è in grado di raccontare qualcosa e raccontare qualcosa con un’immagine soltanto è praticamente impossibile.

Smetti di cercare LA foto iconica e impara a fare una buona selezione dei tuoi scatti. Non è comunque una cosa alla portata di chiunque.

Tutti noi sappiamo scrivere ma non tutti saremmo in grado di scrivere qualcosa come

Si sta come d’autunno sugli alberi le foglie

e lo stesso Ungaretti, nella grandezza di queste poche e semplici parole, non avrebbe potuto esprimere le stesse emozioni usandone una sola.

Una serie di foto tutte potenzialmente buone ma non eccezionali, acquistano valore se mostrate all’interno di un contesto

Sesto passo: sii compassionevole con te stesso

Saresti in grado di sgridare severamente un bambino perché non è in grado di guidare un’auto?

Eppure molto spesso noi siamo severissimi verso noi stessi.

Questo serve soltanto a demoralizzarci e farci sentire non all’altezza.

Cerchiamo di essere obiettivi. Che cosa possiamo e che cosa NON possiamo fare?

Non siamo professionisti ma scattiamo a tempo perso quindi - anche solo per questo motivo - non potremmo mai raggiungere certi risultati.

Teniamo i piedi per terra. Diamoci degli obiettivi raggiungibili. Riconosciamo e perdoniamo i nostri errori.

Niente di nuovo

2023-06-21T22:42:00+00:00

Oggi non ho veramente niente da dire…

AI in fotografia

2023-05-29T18:26:00+00:00

Con tutto il clamore che si sta facendo riguardo l’Intelligenza Artificiale ho voluto provarla personalmente.

Volevo vedere se questa Intelligenza è intelligente davvero e se dobbiamo veramente preoccuparci…

Per i miei esperimenti ho usato Craiyon che è un servizio in parte gratuito di generazione di immagini a partire da un testo (descrivo ciò che voglio ottenere e il software produce un’immagine).

Vediamo - immagini alla mano - che cosa sono riuscito a fare.

La prima prova consiste nel generare un paesaggio fotograficamente irrealizzabile.

L’idea è quella di imitare la fotografia che segue MA con un tramonto come sfondo.

Data la posizione del centro abitato di Tellaro non è, ovviamente, possibile ottenere questo scatto al tramonto.

Il testo che decido di dare in pasto al motore di Craiyon è il seguente:

Sunset behind Tellaro village

Chiedo a Craiyon di restituirmi un’immagine con qualità fotografica e lancio l’elaborazione.

Il risultato è questo.

Sebbene l’immagine di Tellaro che io ho scattato sia puttosto iconica e appare in migliaia di scatti in rete, il risultato non mi soddisfa granchè…

Questo è il meglio che sono riuscito a fare.

La cosa che mi lascia più perplesso è che il paese ritratto non ha niente a che fare con quello vero. Non ci somiglia neppure lontanamente.

Eppure leggevo articoli catastrofici di come le immagini realizzate con l’intelligenza artificiale potrebbero sempre più essere utilizzate per realizzare fake-news…

Mah, proviamo a fare qualcosa di più semplice.

Partiamo da questa immagine (originale) piuttosto scarna.

Immagine semplicissima, lineare, in bianco e nero, con nessun elemento di contorno.

Mi aspetto un risultato egregio!

La stringa di testo che inserisco per l’elaborazione è questa:

A solitary old oak in the middle of a field

Distrattamente dimentico di menzionare la nebbia (che è un elemento molto caratterizzante della fotografia originale) e clicco il pulsante di elaborazione.

Devo dire che questa mi soddisfa molto di più.

L’immagine è resa in bianco e nero anche se io non l’ho richiesto e l’assenza di un qualsiasi particolare di contorno può far ricordare un paesaggio nebbioso.

La forma dell’albero è credibile (si tratta dello stereotipo classico dell’albero solitario) e non poteva certo ricalcare quella dell’albero che ho fotografato io che è, invece, abbastanza atipica.

Compare una decisa (e brutta) vignettatura che non avevo richiesto.

Che cosa posso concludere?

Intelligenza Artificiale alla conquista del mondo?

Non sono esperto in materia ma sono pieno di dubbi.

Immagini false per diffondere fake-news? Famosissime quelle relative al presunto arresto di Donald Trump che rivelano comunque - se guardate con una minima attenzione - decine di difetti e artefatti.

Il problema non è l’Intelligenza Artificiale ma forse il problema vero sta in quella Naturale ovvero ACCENDIAMO IL CERVELLO che è sempre utile!

E poi qualcuno potrà partire con la solita storia della fotografia che è morta, che i fotografi se ne andranno tutti a passeggio perché non c’è più bisogno di loro, ecc.

Io penso invece che questo sia l’ennesimo momento d’oro.

Siamo arrivati ad infrangere una barriera eretta nel momento stesso in cui la fotografia è nata.

Finalmente l’eterna opposizione fotografia/pittura potrebbe essere del tutto risolta.

Il pittore può dipingere una scena totalmente inventata mentre il fotografo è costretto a ritrarre la realtà. Artista il primo, reporter il secondo.

Ecco… ora questo assunto non è oggettivamente più vero.

(in realtà non è mai stato vero ma voglio semplificare le cose).

Probabilmente l’Intelligenza Artificiale potrebbe segnare l’inizio dell’ennesima evoluzione confermando che la fotografia è vivissima e che è tanto più viva ogni volta che se ne dichiara la morte.

Cosa posso quindi aggiungere?

Fotografi di tutto il mondo avete uno strumento in più! Usatelo, provatelo, piegatelo alla vostra volontà come solo chi fotografa sa fare.

E, mi raccomando, tenete il cervello acceso!

Buon divertimento.

La fine del topo

2023-01-28T11:41:00+00:00

Fare la fine del topo significa - metaforicamente - restare intrappolati e morire.

Morire in trappola non è mai una dolce morte.

Per prendere un topo che si infila in casa e si nasconde in cucina, e prenderlo velocemente prima che inizi a fare danni, io conosco un solo metodo infallibile: la colla.

Il topo annusa l’esca e si avvicina rimanendo invischiato con le zampette anteriori.

Nel tentativo di liberarsi rimane sempre più preso nella morsa.

Più si agita (nel vano tentativo di scappare) e più rimane incollato.

Presto si troverà con l’intero corpo immobilizzato e la forza della colla è tale che ogni movimento gli verrà precluso: anche il respiro.

Avrei potuto finirlo rapidamente (per non farlo soffrire, intendo) ma sarei stato il suo assassino così ho lasciato che la natura facesse il suo corso e che, dopo un’agonia di qualche ora, il topo morisse da solo.

Sei rimasto indifferente a questa spiegazione? Sei scandalizzato? Schifato?

Ognuno di noi interpreta questa cosa in modo diverso.

Povero topolino!

oppure…

In fondo si tratta solamente di un topo!

E se al suo posto ci fosse stato un gattino?

Oppure un tenero cucciolo di cane?

Sicuramente le reazioni sarebbero state unanimemente a favore dell’animale.

Ma torniamo al nostro topo.

Contenuto sensibile! Scorri con il mouse per visualizzarlo!

Avrei dovuto ucciderlo e terminare così la sua sofferenza?

Oppure ho fatto bene a lasciare che la Natura facesse il suo corso?

La Natura con la N maiuscola. Oppure Madre Natura come poeticamente dicono in tanti.

Quella Madre Natura che fa sì che gli animali si mangiano tra di loro.

Un serpente stritola la sua preda soffocandola e spezzandole le ossa prima di ingoiarla intera.

Un varano avvelena il suo futuro pasto e poi lo segue per giorni interi prima che questo cada a terra febbricitante e venga quindi mangiato vivo.

Non mi sembra che una madre possa veramente fare questo, eppure per tanti di noi la natura si esprime con un tramonto o un paesaggio mozzafiato e mai con un rapace che smembra i pulcini nel loro nido…

Quando guardi una fotografia tu fai esattamente la stessa cosa.

La guardi attraverso i tuoi occhi, la tua educazione, le tue tradizioni. I tuoi filtri.

Per un orientale non c’è nessun problema nell’avere un cane da compagnia e un cane che diventa la sua cena.

Per te è inconcepibile.

La morte altro non è che l’ultimo atto della vita. Una cosa normale. Naturale.

Perché non fotografarla?

Conosci la tradizione vittoriana che prevedeva di fotografare i cadaveri delle persone amate?

Prova a fare qualche ricerca sul web.

Oggi questa cosa verrebbe considerata un abominio mentre allora era una cosa normale. Naturale. Farsi una fotografia non era una pratica semplice come oggi e qualcuno non aveva di sè alcuna immagine se non quella del suo corpo morto.

Per assurdo oggi è proprio la fotografia che sembra debba fare la fine del topo soffocata dalle mode, dal già visto, dalle buone [troppe] regole, dal politically correct.

Eppure io credo che la fotografia abbia ancora tantissimo da dire.

Non è la fotografia che sta soffocando ma sono, a mio parere, i fotografi.

Sono i fotografi che non sanno più che cosa dire. Oppure che si adeguano alle mode perché vogliono emergere, essere notati.

Nella colla ci finisci solo se annusi il profumo dell’esca ma l’esca è lì solamente per catturarti e farti finire in trappola.

L’occhio nerissimo e vispo del topo (luminoso e acceso anche da morto) non è bastato a salvarlo.

L’esca lo ha invogliato e la colla lo ha catturato, avvolto e ucciso.

Gestione automatizzata delle etichette

2022-10-31T00:00:00+00:00

Ora che abbiamo installato i due principali moduli aggiuntivi per la gestine agevole dei plugins andiamo ad installare il primo plugin per la gestione vera e propria delle immagini.

Photils è un interessante progetto per l’etichettatura delle immagini con l’aiuto dell’intelligenza artificiale.

Puoi trovare il client su Github QUI che dovrai scaricare e rendere eseguibile come da istruzioni che troverai sulla pagina di Photils stesso.

Il plugin per darktable e il relativo file di traduzione sono disponibili in fondo alla pagina come al solito e - oltre a questi - ti condivido il file delle etichette tradotte in italiano (se non lo installi il programma ti proporrà le etichette in inglese).

Per utilizzarlo dovrai semplicemente scaricarlo e posizionarlo in un’apposita cartella (anche queste istruzioni sono ben esplicate su Github).

Ti chiedo solamente una cortesia: il file delle traduzioni contiene circa 3.700 termini. Non è stato facile tradurle tutte sia per la quantità sia - soprattutto - perché fare una traduzione secca di una parola in inglese fuori da ogni contesto non è facile! Se abbey può essere solo e soltanto abbazia, converrai con me che fan può avere più di un significato. Per questo motivo ho fatto decine e decine di prove per rendere le traduzioni il più possibile affidabili e vicine alla lingua italiana (così backyard è diventato giardino dietro alla casa).

Il file delle etichette tradotte è stato condiviso con l’autore di Photils e pubblicato sulla pagina del progetto. Nel caso tu abbia dei suggerimenti per favore condividimeli così che io possa continuare a migliorare il file disponibile per tutti!

Ora passiamo al lato operativo!

Quando il plugin sarà stato installato (utilizza lo Script Manager mi raccomando!) lo troverai nella modalità Tavolo Luminoso nella colonna a destra.

Come puoi vedere l’interfaccia è semplicissima.

Occorre regolare il valore minimo di affidabilità per evitare che vengano proposte etichette non pertinenti.

Un valore del 100% produrrà pochissimi risultati (sicuramente attendibili ma potresti perderti qualcosa) mentre valori via via più bassi aumentano la quantità di etichette proposte al prezzo di una minore affidabilità.

Come puoi vedere dalla schermata io ho impostato il mio valore a 98. Photils lo imposta di default a 95 ma - dal mio punto di vista - è un po’ troppo basso e mi sono accorto che perdevo troppo tempo per valutare etichette assolutamente non pertinenti.

Comunque, fatto questo, occorrerà selezionare UN’IMMAGINE (mi raccomando UNA soltanto oppure riceverai un messaggio di errore) e fare click sul pulsante Crea Etichette.

In pochi istanti Photils ti restituirà una certa quantità di etichette.

Come puoi vedere con il 98% di precisione Photils ha restituito ben 4 pagine di risultati (alcuni pertinanti come Bokeh oppure Sfocatura e altri meno come Ramo).

Seleziona le etichette che ti interessano (spostandoti da una pagina all’altra dei risultati, se necessario): vedrai apparire un pulsante Collega xx etichette.

Fai click sul pulsante per attaccare le etichette selezionate alla tua foto!

Questo è tutto! Semplice no?

Ovviamente puoi provare a selezionare diversi valori di affidablità per vedere di trovare il livello che più ti soddisfa.

Se apriamo il modulo standard Etichettatura di darktable troviamo tutte le etichette che abbiamo appena applicato.

Ovviamente Photils non sostituisce il modulo Etichettatura ma lo integra soltanto! Ritengo comunque sia una bella comodità poter scegliere le etichette più adatte alla situazione piuttosto che doverle pensare ogni volta.

Inoltre - da non sottovalutare - Photils ti proporrà le etichette sempre scritte alla stessa maniera: è fastidioso scoprire nel tempo di aver usato delle etichette leggermente diverse per identificare la stessa cosa!

Come promesso ti lascio qui sotto

Il file .lua del plugin per darktable

Il file di localizzazione del plugin in italiano

E il file per la localizzazione in italiano delle etichette!

Il volo dell’angelo

2022-08-20T12:12:00+00:00

N.B. Questa volta sono stato costretto - per forza di cose - ad utilizzare una foto non mia!

Io temo molto le altezze.

Provo un certo disagio anche per il semplice cambio di una lampadina bruciata in casa.

Per questo non sapevo che cosa sarebbe successo al momento della partenza del volo dell’angelo.

Come sempre mi ero informato su ogni dettaglio:

due lanci
lunghezza del cavo poco inferiore ad 1,5 Km
120 Km/h di velocità
800 mt. di altezza nel punto massimo

Letti così, freddamente, sul loro sito internet non impressionano più di tanto ma quando ti ritrovi sulla piattaforma metallica e, seguendo il cavo con lo sguardo, non riesci a vedere l’arrivo iniziano a girarti in testa diversi pensieri.

Sei già imbragato come un tonno con il tuo caschetto in testa e dai le spalle ad un ragazzone che assicura i moschettoni alla grossa carrucola.

Le istruzioni sono scandite in modo secco e chiaro

Girati di spalle… Ora chinati… Allunga le gambe… Afferra con le mani qui

Mia moglie mi chiama più volte per sapere come va ad un paio di metri dalla mia testa ma io non la sento se non dopo diverso tempo e dopo che altre due persone vicino a lei l’aiutano ad attirare la mia attenzione.

Direi che va bene…

Torno a guardare in basso la pedana di lancio ad una trentina di centimetri dalla mia faccia.

Il ragazzone comunica a valle il mio peso e aggancia dietro la mia schiena un paracadute colorato per limitare la mia velocità a 110/120Km/h

Poi mi dice qualcosa ma afferro solo l’ultima parte

Buon volo!

Sento un leggero strattone e la pedana metallica inizia lentamente a sfuggirmi da sotto.

Dopo solo un metro vedo già l’erba della montagna e sento la velocità che aumenta.

Sotto di me il prato diventa un bosco ma io sono già molto più in alto e cerco di seguire la mia ombra sulla cima degli alberi che vuoi per la velocità, vuoi per l’altezza notevole presto perdo e non ritrovo più.

Stupito mi accorgo che tutti i miei pensieri sono rimasti fermi in piedi sulla piattaforma. Li sento che mi guardano mentre mi allontano. Loro hanno avuto paura e non sono venuti con me.

Ma non c’è più posto per loro, ora.

Alzo lo sguardo.

Mi guardo intorno.

Il vento mi colpisce il viso e il fischio dell’aria nasconde il rumore della carrucola che scorre velocissima dietro di me.

La distanza da terra è talmente tanta che l’impressione è quella di rallentare mentre so benissimo di sfrecciare come una macchina in autostrada!

Sono lassù.

Sono da solo con il vento sulla faccia.

Ecco cosa provano le aquile!

STO VOLANDO!

Gestione delle lingue

2022-07-16T00:00:00+00:00

Non sto a spiegarti come darktable - e altre migliaia di progetti software - gestiscono le lingue perché puoi trovare abbondante documentazione in rete.

A te basterà sapere che i files per tradurre le stringhe degli script lua vanno salvati nella cartella $HOME/.config/darktable/lua/locale/it_IT/ e che questi files hanno estensione .po

I files .po sono dei semplici file di testo che contengono la stringa di origine (solitamente in inglese) e la stringa di destinazione che, nel nostro caso, è in italiano.

PO significa Portable Object ed il file .po, infatti, è quell’entità che l’utente può modificare a suo piacimento utilizzando un apposito software (ad esempio il famosissimo PoEdit).

I programmi non sono però in grado di utilizzare il file .po direttamente ma devono rivolgersi ad un suo stretto parente che ha estensione .mo (Machine Object).

Ogni volta, quindi, che un file .po viene modificato deve poi essere rielaborato per ottenerne uno .mo che è utilizzabile direttamente dal software.

Per quanto riguarda gli script lua questa funzione è svolta dallo script gen_i18n_mo.lua che trovi sempre nella cartella tools (oppure in fondo a questa pagina).

Non devi fare altro che copiarlo al suo posto e attivarlo con lo Script Manager.

Ad ogni avvio di darktable questo script verificherà se ci sono files .po nuovi o modificati e, in questo caso, li ricompila ottenendo il relativo file .mo

Tutto qui!

Assicurati quindi di aver copiato il file al posto giusto e di averlo attivato.

Scarica il file .lua

Script manager

2022-07-12T00:00:00+00:00

Il primo plugin che andremo ad installare è il plugin che ti permetterà di gestire con estrema facilità… tutti gli altri plugin!

Lo trovi nella cartella tools degli script lua.

Si tratta dello Script Manager

Copia il file script_manager.lua in $HOME/.config/darktable/lua/tools/

Apri quindi il file di testo $HOME/.config/darktable/luarc e inserisci questa istruzione

require “tools/script_manager”

In questo modo, all’avvio di darktable, verrà richiamato anche lo Script Manager che troverai in modalità Tavolo Luminoso nella colonna di sinistra in fondo al tuo schermo.

Come per ogni altro modulo anche Script Manager si presenterà compresso (vedrai solo il titolo) ma basterà fare click sulla freccia per espanderlo.

Il modulo e il suo utilizzo sono semplicissimi, vediamolo.

Click sulla freccia per espandere/nascondere i parametri del modulo
Scegli la modalità da utilizzare (configura, aggiorna o gestisci)
Seleziona la cartella con i moduli da gestire
Se i moduli sono tanti potresti aver bisogno del paginatore per vederli tutti
Click sul nome del modulo per attivarlo/disattivarlo

Molto semplice, non trovi?

I due moduli che vedi nell’immagine qui sopra sono quelli che andremo ad installare subito dopo e che ci serviranno prima dell’installazione del moduli operativi veri e propri.

Come promesso trovi qui sotto (alla fine dell’articolo) una copia del modulo Script Manager e il relativo file di traduzione italiano.

Possiamo procedere con l’installazione del prossimo modulo: il Gestore dei File di Traduzione

Scarica il file .lua

Scarica il file .po

darktable extended

2022-07-10T00:00:00+00:00

Con questa breve serie di articoli ti voglio presentare qualche plugin per darktable.

Tante funzioni di darktable possono essere estese o completate con l’utilizzo del linguaggio di programmazione lua (maggiori informazioni sul sito ufficiale) e nel repo ufficiale si trova qualcosa che vale la pena provare.

Tutti i plugin che ti illustro in questa breve guida sono stati tradotti in italiano e, per comodità, al termine di ogni argomento ti lascerò il collegamento allo script e al suo file di traduzione.

Nella cartella di configurazione di darktable ($HOME/.config/darktable) dovrai avere una sotto-cartella che si chiama lua e un file di testo chiamato luarc (per Windows e Mac prego riferirsi alla documentazione ufficiale).

luarc è il file di configurazione dei vari script mentre la cartella lua contiene gli script veri e propri.

La struttura completa per la gestione degli script lua sarà la seguente:

$HOME/.config/darktable/luarc
                  |
                  -> lua/
                     |
                     -> tools/
                     |
                     -> lib/
                     |
                     -> contrib/
                     |
                     -> locale/
                           |
                           -> it_IT/

Il repo ufficiale dei plugin lua è disponibile su Github a questo link e nel README hai a disposizione l’elenco degli script con una breve descrizione per ognuno di essi.

La cartella $HOME/.config/darktable/lua/locale/it_IT/ dovrà contenere unicamente i files .po con le traduzioni in italiano.

Il repo di Github ti da anche l’idea chiara dell’organizzazione delle cartelle nel caso in cui il mio schema qui sopra non fosse del tutto chiaro.

Iniziamo quindi la nostra breve carrellata!

Che cosa fotografi?

2022-04-25T22:42:00+00:00

Che cosa ti piace fotografare?

Ti emozioni quando scatti?

Che cosa provi quando riguardi le tue fotografie dopo qualche tempo?

Vignola (MO) è famosa per la produzione delle ciliegie.

Partendo da Vignola è possibile percorrere a piedi o in bici un percorso che costeggia il fiume Panaro e che si chiama Percorso Sole o Percorso Natura.

Quando lo abbiamo percorso noi era il momento della fioritura e tanti partecipanti del nostro gruppo erano ben forniti di macchine fotografiche all’avanguardia con obiettivi degni di un’impegnativa caccia fotografica.

Quando esci a fotografare e non sei solo vale la pena di osservare ciò che fanno gli altri e portarsi a casa anche qualche foto ispirata da altri fotografi. In fin dei conti se tutti (ma proprio tutti…) fanno quella fotografia forse c’è qualcosa che ti sfugge quindi falla anche tu! Portatela a casa e guardatela con calma. Studiala. Analizzala e impara!

Signore e Signori ecco la foto che tutti (ma proprio tutti…) hanno fatto quel pomeriggio!

Un grappolo di fiori di ciliegio

Fermo lì! Non criticare!

L’inquadratura più ricercata è stata questa.

Io ci ho messo dentro una forte sfocatura dello sfondo e ho cercato di dare una certa concretezza ai petali bianchi e delicatissimi facendoli colpire dalla luce del sole (risultato, a mio avviso, non proprio raggiunto). Ho incluso una parte di cielo per dare luminosità e per aggiungere una fetta di colore allo sfondo. In questo modo, inoltre, la fotografia è stata localizzata all’interno di un ambiente.

Soddisfatto? Assolutamente no! Nè dal punto di vista artistico e neppure da quello tecnico.

Una fotografia inutile, insipida, da buttare.

Ovviamente di foto ne ho fatte altre. Tutte imitando i miei compagni di passeggiata. Tutte uguali e tutte ugualmente da buttare.

Poi, finalmente, i miei compagni si accorgono che stiamo camminando in un ambiente vasto e che non contiene esclusivamente fiori di ciliegio!

Ecco un altro soggetto interessantissimo.

Un mega cantiere che sta sistemando (ho scritto sistemando ma la prima parola che avevo scritto era devastando) le sponde del fiume Panaro.

Tutti a fotografare le sponde spoglie, le macchine operatrici e gli altri abbellimenti che accompagnano i cantieri!

Loro, evidentemente, avevano intenzione di fare il mio stesso esercizio: osservare gli altri e fare la medesima fotografia.

Questa volta ho, però, deciso di non partecipare all’orgia (fotografica) ma di mantenere la mia posizione sul sentiero.

Ho atteso qualche minuto e ho immortalato la scena.

Tutti a fotografare il cantiere sul fiume!

Questa immagine, dal mio punto di vista, è la più rappresentativa della giornata.

Non foto di fiori. Non foto di natura, di acqua, di alberi, di persone che si godono il primo sole estivo passeggiando all’aperto.

Un’immagine di persone che si affannano a studiare la migliore inquadratura per portarsi a casa il ritratto di un grosso cantiere che sta modificando un tratto di fiume.

Quando mostri le tue fotografie a qualcuno ricordati sempre che ciò che fotografi racconta molto di te.

Non lasciarti tentare dalle fotografie troppo facili: sono le fotografie che raccontano storie di altri e se racconti storie vissute da altri non potrai mai essere interessante.

Racconta qualcosa di tuo: sempre.

Potrai essere interessante o simpatico o profondo ma, perlomeno, sarai sempre tu.

Sum, ergo communico

2022-04-02T16:34:00+00:00

Non so se la locuzione latina sia corretta o meno… mi sono voluto ispirare alla ben più famosa cogito, ergo sum penso, quindi sono.

Ho voluto ribaltare il punto di vista e ne è uscito un sono, quindi comunico.

Perché la fotografia è comunicazione.

Che ti piaccia o no, che tu ne sia consapevole o meno, quando fai una fotografia comunichi qualcosa.

Sebbene guardando il rete sembra di vedere fotografie tutte uguali anche queste comunicano.

Comunicano, ad esempio, il bisogno di appartenere ad un gruppo (io sono un fotografo paesaggista, io invece uno street photographer, ecc.). Comunicano il desiderio di uniformarsi (la stessa identica fotografia fatta dallo stesso identico punto di ripresa alla stessa identica ora del giorno). Comunicano il desiderio di emergere (le foto dei nostri viaggi in luoghi speciali, la macchina nuova, un vestito particolare, una pietanza gourmet). Comunicano un crescente e problematico culto della propria persona (selfie, selfie, selfie, selfie…).

Il risultato di tutto ciò è una comunicazione piuttosto semplice e vuota ma identifica questo momento storico di incertezza, di voglia di riscatto ma neppure tanta (non importa se faccio una vita di merda: mi importa di avere il mio riscatto il fine settimana oppure durante una sempre più breve vacanza).

Io non sono assolutamente contrario alle foto delle vacanze ma che cosa succederebbe se ti sforzassi un po’ di più? Andando ad osservare con meno superficialità la scena? Cercando di comunicare qualcosa di leggermente diverso dal solito?

Basta poco per cambiare completamente le carte in tavola (e per cambiare completamente il messaggio!).

Posso dire che la seconda immagine comunica non solo qualcosa di diverso ma qualcosa IN PIU’ della prima?

Ovviamente sì, perché non si limita a registrare ciò che ho davanti agli occhi ma inizia ad interpretarlo.

Il colore azzurro del cielo e del mare, la superficie increspata dell’acqua, le nuvole estive e il molo decentrato della prima fotografia sono tutti elementi riconoscibili e facilmente interpretabili: si tratta di una fotografia ripresa da una spiaggia o da un piccolo porto. Tutto qui. L’unico dubbio che potrebbe venire al nostro osservatore è, appunto, il luogo dello scatto ma nient’altro.

La seconda immagine è totalmente diversa. Il colore sparisce (mattino? sera? estate? inverno?). Il lungo tempo di scatto trasfigura le nuvole (estive o temporalesche?) e la superficie dell’acqua (mare o lago?). Se tutta la scena si muove, grazie all’esposizione prolungata, il molo posizionato al centro dell’inquadratura la rende invece assolutamente statica, quasi ipnotica.

Non potrebbe essere una fotografia scattata su di un pianeta alieno?

Il vero passaggio comunicativo lo si raggiunge nel momento in cui si abbandona il modus comune (non me ne frega più niente di fare le foto che fanno gli altri). Per forza di cose - in questo momento - inizieranno a scarseggiare i pollici alzati e gli WOW ma accadrà un mezzo miracolo perché libero dalle costrizioni di compiacere gli altri alla ricerca di piccole soddisfazioni, potrai iniziare a parlare la tua lingua.

Quando sono uscito per fare questa fotografia non avevo in mente un progetto preciso. Volevo andare in quel posto in un periodo preciso e particolare (la vigilia di Natale).

Di questa passeggiata ho già raccontato QUI ma ora voglio concentrarmi su questa singola immagine.

Durante questa passeggiata del tutto particolare ho voluto ritrarre il luogo di un assassinio perpetrato dai nazi-fascisti nel paese in cui vivo.

Il cippo di marmo posato alla memoria si vede a malapena, sulla destra, sopra l’argine del torrente. La nebbia, l’erba secca, gli alberi spogli sono tutti elementi che caratterizzano la scena che i ragazzi fucilati in quel luogo avranno, molto probabilmente, visto prima di chiudere per sempre gli occhi. Il freddo pungente e umido è percepibile. Il palo in primo piano richiama il palo a cui, nella memoria comune, veniva legato il condannato alla fucilazione ma anche un muto testimone che osserva la scena.

La fotografia è leggermente sfocata (giusto per rimarcare la differenza, in rete non troverai MAI foto tecnicamente imperfette!) per simulare la vista attraverso gli occhi gonfi di lacrime dell’osservatore (la madre di uno dei ragazzi?).

I fili dell’alta tensione sono stati lasciati lì dove sono. Avrei potuto toglierli con poca fatica e qualche minuto di post-produzione ma è ormai da tempo che lascio nelle mie fotografie anche questi elementi di disturbo proprio per caratterizzarle. Non volevo scattare un’immagine che sembrasse ripresa quel giorno ma riprendere la scena in questo preciso istante perché, oltre 70 anni dopo, ci sia ancora memoria di questi luoghi e ci siano ancora lacrime da piangere.

Solamente guardandosi un po’ di più dentro è possibile iniziare a comunicare qualcosa di personale e non di standardizzato e di approvato dalla comunità.

Inizierai a fare qualche foto strana? Sì, certamente.

Ci saranno diverse foto da buttare? Anche…

Ma, non scoraggiarti.

Pensando di comunicare qualcosa di personale e di unico, qualcosa che scaturisce dal mio cervello, dal mio vissuto quindi totalmente intimo sono arrivato a fare questa fotografia.

Questo non è un rettangolo nero ma una fotografia sottoposta ad una post-produzione con l’obiettivo di renderla così.

Ma che razza di foto è?! Che cosa comunica?

Potrebbe essere il modo di interpretare un momento degno di essere ricordato di un ipovedente?

La scena è praticamente nera ma le luci di un lampadario (forse) vengono registrate.

Oppure il fotografo si è divertito a scambiare i ruoli e ha reso ipovedenti tutti gli osservatori!

Se tu non potessi vedere e andassi a visitare una mostra fotografica vedresti foto come questa, non trovi?

Forse, invece, il fotografo vorrebbe condividere con te un momento bellissimo della propria vita che è riuscito ad immortalare ma si tratta di una cosa talmente intima e personale che non vuole sbandierarla ai quattro venti e la tiene per sè. Un piccolo segreto felice.

Lui sa perfettamente che cosa è stato registrato sul negativo digitale e vede benissimo attraverso i pixel neri. Addirittura si commuove!

Anche questo, in fondo, è un modo di comunicare.

filmic FAQ

2020-09-22T17:12:00+00:00

Aurélien Pierre, l’autore di filmic per darktable, ha pubblicato questa ottima filmic FAQ che ho il piacere di riportarvi qui sotto tradotta in italiano.

Buona lettura.

Introduzione

Che cos’è filmic?

Se aprite una fotografia raw lineare e la demosaicizzate e correggete il colore, poi la inviate al vostro schermo, noterete che ha un aspetto più scuro, più opaco e più piatto di quello che ricordate della scena originale.

Ciò che spiega questo è che il cervello migliora la luminosità e il contrasto in modi non lineari, il che significa che la visione non è solo un prodotto dei vostri occhi, ma soprattutto è costruita dal cervello.

Quindi dobbiamo abbellire in modo non lineare la lettura del sensore in modo da farla corrispondere a come ricordiamo i colori. Ogni software per la manipolazione delle immagini lo fa già, che ve lo mostri o meno, utilizzando una sorta di curva di tono, curva di base o LUT, che rientrano nella categoria più ampia degli operatori di mappatura dei toni.

La mappatura dei toni è un processo molto semplice che mappa le emissioni di luce a nuovi valori. L’obiettivo è di solito quello di schiarire i toni medi e le ombre, scurendo le alte luci e garantendo, al contempo, una transizione tonale fluida dal nero al bianco e conservando il maggior numero possibile di dettagli della scena.

Si dà il caso che la pellicola analogica della vecchia scuola lo faccia già come effetto collaterale della sua tecnologia. Ma non si ferma qui, perché anche la mappatura della gamma è coinvolta in questo processo.

Quindi filmic esegue la mappatura dei toni e della gamma in una volta sola, usando una strategia simile a quella della pellicola analogica (che è vicina, nel suo funzionamento, alla visione umana) e ponendo l’accento sulle transizioni tonali armoniche, a scapito del dettaglio nelle alte luci (che saranno compresse, come lo sono anche nella visione umana).

Notate che non è che facciamo la mappatura della gamma contemporaneamente a quella dei toni solo per rendere le cose più complicate… La mappatura dei toni senza gestire i colori spingerebbe questi ultimi al di fuori della gamma di destinazione per effetto collaterale. Quindi, mappatura dei toni e di gamma, sono due facce della stessa medaglia, e devono essere affrontati contemporaneamente. Sono due aspetti diversi di un’operazione generale: la conversione dello spazio di colore.

Che cos’è quel grigio medio che viene spesso nominato?

Beh, è per lo più una convenzione che usiamo, ma è conveniente perché è il centro della nostra gamma dinamica fisiologica (nell’occhio, prima che il cervello inizi a fare tutto il resto). Diversi fornitori forniscono cartoncini grigio medio che si possono inserire nei propri scatti per aiutare a impostare l’esposizione e il bilanciamento del bianco.

Vedi, qui sotto, in una scena impostata con impostazioni di esposizione statica (esposizione impostata per evitare il taglio delle alte luci), come appare una cartoncino del genere quando la nostra sexy modella si muove sotto gli alberi. Ogni set di immagini è così reso:

RAW senza correzioni (solo bilanciamento del bianco),
RAW + compensazione dell’esposizione per allineare il grigio del RAW a quello dello schermo
RAW + compensazione dell’esposizione + filmic per recuperare luminosità sullo sfondo

Grigio RAW = 11% :

Grigio = 6%

Grigio = 4%

Il grigio medio è sulla scheda (quello della scena) e sullo sfondo dell’anteprima di valutazione del colore (quello dello schermo). Nella stessa scena, la quantità di luce che il soggetto riceve dipende da dove si trova, da quanto è nascosto il cielo sopra di lui, e così via. Tuttavia, la scena rimane la stessa, e soprattutto il cielo luminoso e lo sfondo, per i quali abbiamo impostato l’esposizione della fotocamera per evitare il taglio delle alte luci.

Quindi, a seconda di dove si trova il nostro splendido soggetto, avremo bisogno di una correzione diversa per agganciare il suo grigio al grigio dello schermo. La correzione è una semplice regolazione dell’esposizione per illuminare la scena fino a quando entrambi i grigi (scena/schermo) non coincidono. Poi, facciamo il controllo dei danni sulle alte luci con filmic per preservare lo sfondo. Notate che, una volta che il grigio centrale è stato ancorato all’esposizione, filmic non lo cambia di una virgola.

Nella vita reale, raramente si porta con sé una carta grigia come questa, quindi si dovrà fare la correzione ad occhio. Ma il principio rimane lo stesso. Se nei vostri scatti ci fosse una vera carta grigia, questo è ciò che potreste fare per regolare molto rapidamente la vostra esposizione.

Il grigio RAW non è mai ancorato al grigio dello schermo, e anche su una scena che non cambia, quello che noi definiamo grigio può cambiare. Quindi questo passaggio non può essere automatizzato.

Perché è così difficile usare filmic?

Filmic ridefinisce il flusso di lavoro e la coda di elaborazione con nuovi presupposti e concetti ereditati dalla fisica e dalla luce reale, seguendo la tendenza introdotta dall’industria cinematografica, perché questi nuovi concetti lo rendono scalabile a qualsiasi gamma dinamica in entrata e in uscita (SDR e HDR).

I tipici flussi di lavoro sulle immagini risalgono agli anni ‘80, quando i computer si occupavano di immagini codificate come 8 bit interi perché erano efficienti sia dal punto di vista della memoria che del calcolo. Quindi avevano 256 valori di codici, tra 0 e 255 inclusi, ma non potevano rappresentare nulla al di fuori di questo intervallo, con il risultato di un netto taglio dei valori RGB. L’approccio scelto era stato quello di assegnare il significato “nero” al valore 0, e “bianco” al valore 255.

Quindi questi bianchi e neri erano per lo più intatti, e tutto accadeva nel mezzo, con operazioni non lineari per tutto il tempo. Ma poi, il nero non è stato stampato a 0 Cd/m², così che 0 = “nero” porta a problemi algoritmici, e le operazioni non lineari distruggono i rapporti tra le emissioni di luce RGB così questo modello ha dovuto staccarsi dalla fisica e non è riuscito ad emulare un’esperienza realistica di camera oscura.

Oggi, darktable e altri software utilizzano numeri a virgola mobile a 32 bit. Essi possono rappresentare valori tra virtualmente -infinito e +infinito. Il precedente 0 è codificato 0, ma il precedente 255 è codificato 1 (come 100%). Ciò implica che, nella parte interna del flusso di sviluppo, possiamo occuparci del superamento del range [0; 1]. Dobbiamo solo rimappare la gamma del flusso di sviluppo a 0-255 come ultimo passo prima di arrivare allo schermo. Nel mezzo siamo completamente liberi. Se in una pipeline a 32 bit c’è un taglio, questo è per scelta o perché lo sviluppatore ha cercato di riprodurre un comportamento di fatto superato.

Ma questo nuovo assunto ci permette di lavorare con operazioni lineari che preservano le proprietà fisiche delle emissioni di luce codificate dai valori RGB. Inoltre, non dobbiamo preoccuparci del significato di 0 o 1, non significano nulla da soli. Per ottenere comunque una sorta di riferimento, ci interessa solo il grigio medio, che è convenientemente definito come il centro della gamma dinamica della retina, e questo riferimento è stato preso per scalare il valore RGB in modo tale che questo tono venga (linearmente) mappato al 18,45%, perché è il valore standard ICC.

Questo flusso di lavoro, che si occupa principalmente di operazioni lineari (principalmente ma non solo) è chiamato riferito alla scena, perché i valori RGB, trattati come un codice per le emissioni di luce, sono conservati in una scala fisica che è collegata all’intensità della luce sulla scena. È magnifico perché si adatta a qualsiasi gamma dinamica si abbia in entrata e in uscita.

Il flusso di lavoro che si basa su un taglio drastico in qualsiasi fase del flusso di sviluppo, a causa della limitazione 0-255 di una volta (cioè, gamma 0-100%) è chiamato riferito allo schermo. È stato abbastanza buono per la maggior parte del tempo perché ingresso ed uscita erano SDR (immagini a bassa gamma dinamica). Il funzionamento riferito allo schermo per le immagini HDR è stato ottenuto con metodi contorti che hanno portato a colori strani, tempi di esecuzione lenti, aloni e risultati a dir poco discutibili. Il compositing alfa (ovvero il processo di sovrapporre un’immagine ad uno sfondo in modo da simulare una trasparenza N.d.T.) e le sfocature dell’obiettivo non possono funzionare correttamente con il funzionamento riferito allo schermo.

Filmic è concettualmente difficile perché non fa solo una mappatura dei toni, come una semplice curva di tono, ma opera anche sulla scena per visualizzare la scala della gamma dinamica, e come tale, deve fare una conversione tra un input riferito alla scena e un output riferito allo schermo.

Detto questo filmic può anche essere abbastanza semplice se si dimentica la teoria e ci si concentra sui risultati.

Le impostazioni della scena (esposizione del nero, esposizione del bianco e luminosità del grigio medio se si sceglie di visualizzarla) si comportano esattamente come quelle a cui si è abituati nel modulo dei livelli, tranne che i livelli consentono solo di restringere la gamma dinamica, mentre filmic consente di restringerla, ingrandirla o conservarla.

Poi, l’aspetto permette di scegliere quanto progressivamente si vuole degradare dal bianco al nero. La latitudine imposterà la tensione nella curva, costringendo le luminosità estreme a rientrare più o meno nei limiti, e la sua posizione definirà quali pixel saranno risaturati per l’abbellimento, o desaturati per aderire alla gamma.

Infine, le impostazioni di visualizza non dovrebbero cambiare fino a quando non renderemo darktable compatibile con gli schermi HDR. Ma sappiate che, il giorno in cui accadrà, dovrete impostare il display bianco al 400%.

Le vostre domande

Qual’è la differenza tra curva base e filmic?

Per quanto riguarda le caratteristiche generali, nessuna. Entrambi fanno la mappatura dei toni. Ok, forse filmic cerca anche di mappare la gamma, ma basilarmente fanno la stessa cosa.

A livello concettuale, la curva base funziona in modalità riferito allo schermo e mappa i canali RGB della fotocamera in [0% ; 100%] per visualizzare RGB in [0% ; 100%]. Quindi lo 0% viene solitamente mappato allo 0% e il 100% al 100%. Tutto avviene nel mezzo.

Filmic funziona in modalità riferita alla scena e vi permette di scegliere i limiti della vostra gamma dinamica. Così il 18% viene mappato al 18% (se non si modificano le impostazioni predefinite), ma tutto il resto è fluido, e la vostra curva S (l’aspetto) viene scalata a qualsiasi limite della gamma dinamica che avete definito nella scheda della scena.

In altre parole, filmic è una curva base dove i limiti delle ascisse sono fluidi e impostati dagli utenti, mentre curva base li imposta a 0-100% e questo è tutto.

Filmic taglia le alte luci?

Filmic non taglia nulla, a meno che non lo si richieda. L’esposizione del bianco relativa alla scena permette di definire i limiti di ritaglio a destra della gamma dinamica. Se pensate che i vostri bianchi siano stati ritagliati, aumentate semplicemente il suo valore.

Filmic taglia i neri?

Filmic utilizza un logaritmo per scalare la gamma dinamica. Se si hanno valori RGB uguali o molto vicini a 0, il loro logaritmo è -infinito, quindi vengono scuriti/tagliati parecchio. Se si ritiene che i neri siano stati tagliati, è sufficiente diminuire l’esposizione del nero relativa alla scena. Se non è sufficiente, diminuite anche il livello di nero nel modulo di esposizione.

Inoltre, molte persone confondono il taglio con la compressione. Quando il contrasto della tua scena è elevato, sia i neri che i bianchi vengono compressi molto di più, quindi i dettagli si appiattiscono e perdono il contrasto locale. Questo non è un taglio, dato che i valori effettivi del display (l’output di filmic) sono ancora compresi nella gamma valida, ma le persone associano le alte luci piatte al taglio. In realtà è diverso.

I colori delle alte luci sono bianchi/rosa/desaturati?

Filmic presuppone che qualunque siano i valori RGB della scena, l’esposizione relativa del bianco è bianca. Così li desatura, perché il bianco dovrebbe essere bianco, cioè acromatico, cioè incolore.

Se ritenete di avere dei colori, che dovrebbero essere saturi, ma che sono finiti nella gamma desaturata, significa semplicemente che l’impostazione dell’esposizione del bianco della scena è troppo bassa e, di conseguenza, i colori saturi sono mappati a circa il 100% di luminanza nella gamma di visualizzazione. Quindi, aumentare l’impostazione di esposizione del bianco della scena per dare più spazio a questi colori.

Semplicemente non è possibile visualizzare un colore al 100% di luminosità su qualsiasi schermo o stampa su carta, quindi i colori saturi devono essere limitati al massimo intorno al 90% di luminanza.

Filmic aggiunge troppo/poco contrasto?

Il contrasto può essere configurato a proprio piacimento nella scheda aspetto.

Cosa succede se voglio utilizzare il valore di grigio medio della scena?

Non farlo. Filmic può fare molte cose in molti modi diversi per ottenere essenzialmente lo stesso risultato, perché è molto configurabile. Questa caratteristica si è ritorta contro gli utenti rapidamente perché in genere loro sono abituati a spingere e tirare i cursori fino a quando non hanno un’intuizione di ciò che sta succedendo. Faticano ad affrontare una scatola aperta come questa: hanno bisogno di un percorso che li guidi naturalmente verso l’uscita.

Nel corso del tempo, il processo di impostazione consigliato, a prova di errore, si è evoluto in questo modo:

Ancorare il grigio medio (cioè la luminosità complessiva) dal valore della scena (dipendente da ogni immagine e dalle impostazioni di esposizione nella fotocamera) al valore del monitor (18,45%) nel modulo esposizione, senza preoccuparsi di eventuali tagli delle alte luci sullo schermo (non dimenticate che il taglio nello schermo non significa che il flusso di sviluppo abbia effettivamente tagliato le alte luci),
abbassare le alte luci relative allo schermo utilizzando l’esposizione relativa del bianco della scena in filmic.

Ma a me piace lavorare col bianco…

L’attuale flusso di lavoro proposto è quello di ancorare l’intero flusso di sviluppo al valore del grigio medio, che è del 18% su supporti conformi alle ICC, e di farlo nella prima parte del flusso di sviluppo. Alcuni utenti preferiscono ignorare le ipotesi lineari della scena per non rinunciare alle abitudini di visualizzazione riferito allo schermo, e ancorarlo dunque al valore del bianco, che però è al 100% su supporti ICC-compliant.

Il problema sono gli schermi HDR e varie uscite a video che sono al limite. E per un output HDR, il bianco al 100% non è lo stesso bianco di un SDR al 100%. In realtà, il bianco HDR a 10 bit è il 400% di riferimento ICC/SDR. Quindi, in un futuro prossimo, la definizione di bianco dipenderà dal tipo di monitor (lo è già, ma le specifiche ICC lo nascondono poiché gli schermi dovrebbero essere calibrati a 100 Cd/m², che è all’incirca la luminanza di un foglio di carta illuminato da una lampadina al tungsteno da 120 W non troppo lontano).

Quindi, in futuro, qualche punto di bianco non sarà necessariamente visualizzabile allo stesso modo su un diverso schermo. Tuttavia, il punto di grigio sarà sempre il medesimo sul vostro schermo, e utilizzarlo come riferimento assicura che la luminosità complessiva di ogni immagine esportata corrisponda a quella del file master, indipendentemente dal supporto di uscita e dalla mappatura tonale necessaria per forzare l’immagine DR in esso contenuta. Inoltre, sappiamo che la maggior parte dei dettagli si troverà intorno al grigio medio ± 2 EV, quindi sappiamo anche che la parte critica della gamma tonale sarà inviata così com’è a qualsiasi uscita, e questa è una gradita prevedibilità per noi. Quindi, l’intera questione sarà di comprimere i limiti del DR, al di fuori del grigio medio ± 2 EV, per regolare l’immagine sia per i punti di bianco e nero medi.

Come faccio a trovare il grigio medio nella mia scena?

Ti svelo un segreto: il valore del grigio medio non ci interessa affatto. Sappiamo che, per un display con profilo ICC, dovrebbe essere del 18,45%, ma può essere assolutamente qualsiasi cosa nella scena, quindi non ci interessa.

Concettualmente, il grigio medio della scena sarà abbinato al grigio medio dello schermo. Questo è l’obiettivo dell’algoritmo, ma non ha nulla a che fare con voi utenti.

Sappiamo dalle statistiche che circa il 50% - 80% dei dettagli (e probabilmente il soggetto stesso dell’immagine) si troveranno nella gamma tonale [grigio medio - 2 EV ; grigio medio + 2 EV]. Quindi, il vostro obiettivo, come utente, è piuttosto quello di bilanciare la luminosità media dell’immagine in modo che corrisponda ad un riferimento grigio.

Ad esempio…

Il colore di sfondo di questa interfaccia fa sembrare la vostra immagine a posto perché voi la vedete in contrasto con uno sfondo scuro.

Però ora…

Se lo sfondo diventa grigio medio (il grigio dell’interfaccia è veramente un po’ più scuro del grigio medio per permettervi di leggere meglio le etichette), l’immagine vi sembra più scura e, effettivamente, mediamente sembra davvero troppo scura.

Se attivate la valutazione dei colori:

vedrete che non solo è davvero troppo scura ma manca anche di bianchi brillanti e quindi di contrasto.

Quindi, la modalità di valutazione del colore è stata progettata, in combinazione con il tema del grigio, per fornire un riferimento visivo per la luminanza di picco del display (bordo bianco) e l’esatto grigio medio del display (sfondo). Il modo più affidabile per regolare il contrasto e la luminosità è quello di aumentare l’esposizione fino a quando la luminosità media dell’immagine non corrisponde alla luminosità dello sfondo, con l’immagine completamente visibile sullo schermo (o anche più piccola, ma mai ingrandita).

Anche rimpicciolita al massimo il problema è ancora più visibile:

Questo eviterà anche la maggior parte delle brutte sorprese che le persone ricevono quando stampano le loro foto e scoprono che la stampa è molto più scura di quanto non fosse l’anteprima. In questo caso, di solito danno la colpa ai loro profili ICC (stampante o display), mentre bisogna dare la colpa alle condizioni di valutazione del colore.

Filmic sembra fare tutto da solo?

Filmic non fa niente da solo, è troppo stupido per questo. Tutto ciò che accade al suo interno è configurabile con i controlli del modulo.

Filmic mappa semplicemente i valori delle scene in nero, grigio e bianco con i valori di visualizzazione in nero, grigio e bianco che il vostro output con profilo ICC si aspetta. Un comportamento inaspettato significa che avete regolato male qualche impostazione, niente è codificato all’interno e praticamente tutto può essere disabilitato.

Una cosa da ricordare è che le curve di base sono disponibili con diverse preimpostazioni, una per ogni marca di fotocamera. Queste preimpostazioni sono state perfezionate nel tempo e aggiunte a darktable. Filmic viene fornito con un solo set di impostazioni predefinite, che si adatta in qualche modo al valore di esposizione EXIF, ma questo è tutto. Quindi, non aspettatevi che le impostazioni predefinite funzionino così come sono nel 100% dei casi quando si tratta di emulare il vostro JPEG in camera.

Si può pre-impostare filmic?

In poche parole : no.

Per essere più chiari: non c’è modo di indovinare dove la vostra macchina fotografica fisserà il suo grigio medio. Se fossimo nel 2002, potremmo usare l’ipotesi, di cui si è detto, che il grigio medio = 18%. Ma nel 2020, con tutti i miglioramenti e le ottimizzazioni della gamma dinamica che le fotocamere fanno per spremere la gamma dinamica della scena all’interno dei limiti del sensore, è completamente impossibile indovinare programmaticamente cosa è cosa.

Solo tu, caro fotografo, puoi sapere e decidere e dire al software cosa deve essere considerato “grigio”.

Sì, potremmo analizzare l’istogramma dell’immagine e ipotizzare che la mediana dovrebbe essere solitamente il grigio medio, ma cosa succede se si scatta in High o in Low-Key? Come lo rileviamo?

Nelle alte luci perdo troppi dettagli

Per prima cosa, guarda un cielo luminoso e nuvoloso. Quanti dettagli percepisci? Non molto, perché a un certo punto si diventa ciechi. Ora, mettiti degli occhiali da sole polarizzati. Molto meglio, vero?

Quindi, per prima cosa, se volete dei cieli dettagliati, iniziate a usare un polarizzatore sulla fotocamera.

Poi, naturalmente, filmic trasforma alcune alte luci in mezzitoni più luminosi, ma lo stesso vale per il cervello. Viviamo in un mondo imperfetto. Ora, se siete abituati ai cieli HDR con molto contrasto locale, potreste considerare di aggiungere un modulo di contrasto locale e magari iniziare a scurire l’intero cielo con un modulo di esposizione mascherato o con l’equalizzatore di tono per ammorbidire un po’ i bordi della mappatura dei toni di filmic.

Filmic mi costringe ad andare avanti/indietro nel mio editing

La cosa negativa della maggior parte dei software per la manipolazione di immagini è che ti costringono a entrare in un flusso di lavoro “a tunnel”, mentre darktable è più simile a una valle aperta. Se vi trovate da qualche parte in una valle e volete andare da qualche altra parte, di solito ci sono molte opzioni, ma il percorso più breve può essere il più ripido, mentre il più pianeggiante può essere il più lungo. Quindi è necessario conoscere il terreno e prendere delle decisioni. Oppure pagare una guida. O chiedere a un ingegnere di costruire ponti e gallerie per andare dritti in piano. Ma ricordate questo: i fiori non crescono nei tunnel. E le applicazioni simili ai tunnel non ti danno molta libertà creativa, sei bloccato nel flusso di lavoro per il tuo bene.

Quindi dovrete sviluppare un metodo razionale in darktable, mentre altri software potrebbero correggere i vostri errori in silenzio, o addirittura impedirvi di farli, e in questo modo non imparate.

Filmic non dovrebbe costringervi a fare avanti e indietro se usato correttamente. Le schede vengono visualizzate nell’ordine in cui devono essere impostate. Seguite questo percorso e le cose dovrebbero andare bene. Gli utenti che applicano il flusso di lavoro raccomandato ottengono immagini correttamente esposte in un 1 minuto al massimo. Poi, all’interno di una serie di immagini, è possibile copiare-incollare la coda di sviluppo per poi adattare ad ogni singola immagine solamente il modulo di filmic (insieme all’esposizione, forse).

filmic è solo per immagini HDR? Se la mia scena è DR?

Filmic è stato progettato pensando all’HDR perché è più impegnativo dell’SDR e non perdona, ma in realtà viene fatta una mappatura tonale generale con un aspetto finale incorporato (cioè la curva di contrasto S).

Quindi filmic può fare qualsiasi cosa in SDR o HDR, è davvero solo una questione di parametri impostati nella scheda scena.

Cosa succede se utilizzo un modulo che opera in Lab (quindi riferito allo schermo)?

Ricordate che filmic è uno strumento di conversione dalla modalità riferito alla scena a quella riferito allo schermo. Tutti i moduli Lab possono comunque essere utilizzati in combinazione con filmic, anche se questa cosa non è ottimale.

Nitidezza, equalizzatore di contrasto, i filtri passa-alto e passa-basso funzionano in Lab ma eseguono operazioni locali, quindi non si basano su alcuna definizione di grigio o bianco. Come tali, dovrebbero agire prima di filmic (questo accade di default nel flusso di sviluppo 3.0).

Livelli, curva di tono, sistema zonale, ecc. hanno un’interfaccia grafica di riferimento per la visualizzazione (nella gamma 0-100%). Questi moduli si basano su un’ipotesi fissa di valori di grigio e bianco. Questi moduli dovrebbero quindi essere processati dopo filmic, dove il flusso è riferito allo schermo.

Contrasto locale è un’operazione locale che si basa su una definizione rigida di grigio e bianco. Per qualche ragione, a volte trovo che funzioni meglio prima di filmic e a volte no, mentre funziona sempre bene dopo filmic (com’è di default nel flusso 3.0).

Ricordate che i moduli basati sulla modalità riferita allo schermo non sono “a prova di futuro”. Quando arriveranno i display HDR, la definizione di bianco cambierà, mentre la definizione di grigio rimarrà la stessa. Quindi, i livelli, la curva di tono, il sistema zonale ecc. non saranno adeguati ad un output HDR.

Posso impostare i valori della scena di filmic (bianco e nero) in modo che corrispondano alla gamma dinamica del mio sensore?

In parole povere: no.

Spieghiamo meglio: non necessariamente. Filmic arriva abbastanza tardi nel flusso di sviluppo prima possono succedere tante cose. Le operazioni lineari (divisioni e moltiplicazioni) preservano la gamma dinamica del sensore lungo il flusso. Sfortunatamente, alcuni offset (aggiunte e sottrazioni) avvengono anche lì, come la compensazione del punto di nero raw, o la compensazione del nero nel modulo di esposizione, o anche l’offset nel bilanciamento del colore.

Anche se la gamma dinamica tipica del sensore della fotocamera sarà approssimativamente intorno a 10-12 EV a 100 ISO (che significa che il “nero” è registrato con un valore diverso da zero), una volta compensati i punti bianco e nero raw, i valori RGB sono ridimensionati tra 0 e 1, che è una gamma dinamica infinita. Ma questa è solo una codifica, e non ha nulla a che fare con l’effettiva emissione di luce.

Per risolvere questo problema, nel flusso di lavoro riferito alla scena, nel modulo di esposizione viene applicato di default un offset nero di -12 EV (cioè -0,000244140625). In questo modo, siamo sicuri che non ci sono valori RGB uguali a 0 e, se il punto di nero raw è stato adeguatamente compensato, sappiamo che il flusso di sviluppo inizia con una codifica che utilizza un range dinamico piatto di 12 EV.

Ma poi, se si applica un altro offset, più tardi, tra l’esposizione e filmic, beh il range dinamico del flusso di sviluppo può diventare assolutamente qualsiasi cosa. E filmic vede la gamma dinamica del flusso, non la gamma dinamica del sensore. Quindi, tutto sommato, non preoccupatevi troppo dei dati della gamma dinamica tabulata che otterrete da DxoMark.com 1 o PhotonsToPhotos.net 3. Potrebbero darvi un punto di partenza abbastanza giusto, o qualcosa di completamente sbagliato, a seconda di ciò che avete fatto prima nel vostro processo di sviluppo.

Filmic spiegato agli affezionati della foto analogica

filmic riproduce la curva sensitometrica di una pellicola virtuale che creiamo con il software, oltre ai dati digitali,
l’esposizione relativa del bianco della scena è il Dmin (ma in log2 invece di log10 - unità leggermente diversa, stesso significato),
l’esposizione del nero della scena è il Dmax (ma in log2 invece che in log10 - unità leggermente diversa, stesso significato),
il contrasto in aspetto è la gamma della pellicola,
la latitudine in aspetto è… beh la latitudine della pellicola,
tutto nella scheda visualizza è collegato ai display ICC, quindi non è necessario toccare nulla se si dispone di un profilo ICC regolare,
il flusso di lavoro con riferimento alla scena è come avere una macchina fotografica virtuale nel proprio computer, in cui è possibile rifare l’esposizione (nel modulo di esposizione) e costruire la propria emulsione di pellicola personalizzata partendo da zero.

Inoltre, il bilanciamento del colore vi aiuterà ad ottenere gli stessi risultati ottenuti con la calibrazione del colore e la temporizzazione, sotto l’ingranditore, e vi permetterà di gestire la sensitometria relativa di ogni canale RGB.

La stampa fotografica

2020-08-07T13:57:00+00:00

Oggi scrivo qualcosa relativo ad un argomento per il quale in tanti mi chiedono informazioni: la stampa fotografica dei files.

Io sono il primo a sostenere che le fotografie non vanno guardate sullo schermo ma devono essere stampate.

Anche in questo caso però, mi spiace dirlo, la maggior parte delle persone associa la qualità della stampa fotografica alle dimensioni del sensore.

Per quanto riguarda la mia piccola esperienza cadiamo di nuovo nel campo degli ‘inganni’ digitali…

Pixels, dpi, e chi più ne ha più ne metta!

Vorrei quindi spiegarti la stampa fotografica in modo semplice e, assolutamente, non tecnico anche se - come punto di partenza - sono costretto a darti giocoforza un canonico punto zero.

Facciamo finta di essere degli ignoranti totali e andiamo quindi a leggere le raccomandazioni (relative alla stampa fotografica) di un servizio qualunque online che offre un buon rapporto qualità/prezzo.

La maggior parte delle stampanti professionali fotografiche lavora con una precisione di 300 dpi

Io fotografo con una Nikon D7100 che ha un sensore da 24MP e produce, pertanto, dei files di 6000x4000 pixels (pixel più, pixel meno).

Ne apro uno con GIMP e vado a visualizzare le informazioni relative alla stampa dal menu Immagine -> Dimensione di stampa

Quindi - se mi dovessi fidare ciecamente del software - a 300 dpi io potrei fare una stampa di, circa, 50x30 cm.

Però, lo stesso servizio che afferma di avere delle stampanti che lavorano a 300 dpi, ammette che per una stampa fotografica bastano 150 dpi…

Quindi modifichiamo i dati relativi alla risoluzione nella finestra di GIMP.

Portando la risoluzione a 150 dpi le dimensioni dell’immagine arrivano ad essere - per quanto riguarda il lato lungo - poco superiore ad un metro!

Poi - per mia esperienza - ti dico che puoi tranquillamente abbassare la risoluzione fino a 120 dpi e chi guarderà la tua stampa fotografica non noterà nessun difetto!

Giusto per dovere di cronaca ti faccio notare che portando la risoluzione a 120 dpi GIMP mi dice che posso fare una stampa con il lato lungo vicino ad 1 metro e trenta centimetri.

Ma… non finisce qui!

Ora aumento le dimensioni dell’immagine al 150% di quelle originali ottenendo un file di 6000x9000 px (quindi VIRTUALMENTE sto simulando un sensore da 54MP!)

Utilizzo l’interpolazione cubica che è quella più gravosa, dal punto di vista del calcolo, ma mi garantisce la migliore qualità.

Fatto questo torno a verificare le dimensioni della mia stampa con una risoluzione di 120 dpi

Ora il lato lungo dell’immagine sfiora i 2 metri! ma ti assicuro che l’immagine finale stampata sarà assolutamente accettabile ad un osservatore normale (e con normale intendo una persona che guarda la fotografia da almeno un metro di distanza e non da due centimetri come amano fare quelli che io di fotografia me ne intendo!).

Non sei ancora soddisfatto?

Vuoi fare una stampa fotografica da appendere alla facciata del tuo condominio per dimostrare a tutti hai avete un’attrezzatura fenomenale e che, di conseguenza, sei un fotografo bravissimo?

Allora puoi sfruttare tutte le potenzialità del digitale e fare degli scatti multipli da unire in post-produzione.

A questo link puoi trovare un articolo che ti racconta di come ho scattato un panorama a Venezia dal campanile di San Marco.

Un panorama di Venezia fotografato dalla sommità del campanile di San Marco

In questo modo non avrai praticamente nessun limite!

La foto qui sopra è stata ottenuta unendo insieme 5 scatti moltiplicando, quindi, la densità del sensore per poco meno di 5 volte.

Buona stampa!!

Il foro stenopeico

2020-07-29T08:41:00+00:00

Tra le sperimentazioni che un fotografo dovrebbe necessariamente fare includo senza dubbi il foro stenopeico.

Potrei dire che il foro stenopeico è un po’ lo ZEN della fotografia dal momento che - mancando l’obiettivo - la luce colpisce direttamente il sensore (nel mio caso) o la pellicola generando quindi un’immagine purissima.

Il mio foro stenopeico

Creare un foro stenopeico per la tua macchina fotografica è relativamente semplice.

Non mi soffermo a spiegare cosa dovrai fare per costruirne uno dal momento che il web è pieno di guide più o meno dettagliate (anche in italiano).

Inoltre qualcuno ha anche pensato di realizzarne di pronti all’uso che puoi acquistare facilmente online.

Il mio l’ho costruito con un tappo per il corpo macchina e un pezzo di lattina per bibite.

La cosa strabiliante, dal mio punto di vista, è il fatto che la luce possa creare un’immagine così definita e chiara senza l’ausilio di alcuna lente!

Perché ho bisogno di un foro stenopeico?

Questo tipo di fotografia ti permette di sperimentare e di imparare molto.

Dovrai inquadrare l’immagine senza la possibilità di vederla (il foro è talmente piccolo che il tuo oculare risulterà completamente buio). Dovrai calcolare la corretta esposizione, a volte anche per tentativi.

Preoccupati di tenere gli ISO più bassi possibile perché i tempi di scatto saranno sempre piuttosto lunghi e il rischio di rumore digitale è elevato.

Attenzione anche al sensore che dovrà essere pulitissimo perché ogni singola microscopica impurità risulterà ben evidente sull’immagine finale (come si vede in questo ritaglio al 100% della foto originale).

Con il foro stenopeico ogni singola microscopica impurità sul sensore verrà esaltata e riportata nitidissima sull’immagine finale.

Sarai ovviamente costretto ad usare il treppiede a causa dei tempi di esposizione che - nella migliore delle ipotesi - saranno lunghi diversi secondi.

I bidoni della spazzatura appoggiati all’edicola votiva fotografati attraverso un foro stenopeico

E poi, dato che qui parliamo sempre del lato emozionale della fotografia, prova a pensare alle possibilità artistiche che potrai sfruttare!

Hai la possibilità di realizzare - con un corpo digitale modernissimo - un genere di fotografia molto antica, con immagini che sembreranno uscite da un banco ottico di inizio 900.

Prova a fotografare le persone! Farai dei ritratti molto particolari e i tuoi modelli - che dovranno rimanere immobili per diversi secondi - verranno riportati indietro di decenni, quando i miei nonni dovevano appoggiarsi ad un mobile per non muoversi troppo.

Insomma questa è l’occasione per avvicinarti ad un tipo di fotografia che non è certo quella che oggi va per la maggiore (estraggo lo smartphone dalla tasca e scatto) ma ti costringe a riflettere, a calcolare, a prenderti il tempo necessario, a scegliere i soggetti adatti, le giuste condizioni.

Le fotografie con il foro stenopeico possono essere accorpate ad una macro-categoria che potremmo simpaticamente chiamare Slow Photography.

Cosa ne pensi?

Prenditi il tuo tempo!

L’inganno del fattore di ritaglio

2020-07-19T11:35:00+00:00

Se la mistificazione primaria nel campo della fotografia digitale è quella dei Megapixel (che sostiene che più sono e meglio è), quella che segue subito a ruota è sicuramente quella del fattore di ritaglio e della focale equivalente.

Cosa significa esattamente?

Se la tua fotocamera non è full frame (ovvero non ha un sensore delle dimensioni fisiche uguali alla pellicola 35 mm.) allora significa che avrà un sensore più piccolo (fattore di ritaglio positivo) o più grande (fattore di ritaglio negativo).

Le dimensioni dei sensori sono ben codificate tra i produttori e troverai sempre un numerino maledetto (che si chiama appunto fattore di ritaglio o crop factor, in inglese) che ti indicherà il rapporto di dimensione tra il tuo sensore e quello di riferimento, ovvero il full frame.

In questo momento io sto usando una Nikon D7100 che monta un sensore APS-C e ha un fattore di ritaglio di 1,5

Quindi un sensore full frame è grande una volta e mezzo quello che io sto utilizzando.

Quindi - attenzione bene all’inganno - significa che se io montassi un sensore full frame potrei catturare un’area una volta e mezzo più grande di quella che posso catturare con il mio APS-C.

Il ragionamento non fa una piega, giusto?

Ma a questo punto a me sorge spontanea una domanda: e con questo??

Che cosa dovrei capire esattamente? A cosa mi serve questa informazione quando io non devo fare altro che usare il mirino per comporre l’inquadratura e scattare? Se per includere/escludere qualcosa nella mia inquadratura devo solamente retrocedere/avanzare verso il mio soggetto che cosa cambia l’avere un sensore piuttosto che un altro?

Secondo me non cambia assolutamente niente (dal punto di vista dell’area inquadrata e dell’angolo di ripresa, ovviamente).

Alcune macchine di fascia medio/bassa hanno un mirino che non inquadra neppure tutta la scena che comparirà nella foto ma ne escludono un bordo più o meno ampio. Ecco, QUESTA è un informazione importante perché può fare la differenza! Eppure non ne parla praticamente nessuno…

Ora però arriva la mistificazione vera e propria.

Il numerino demoniaco che rovina il sonno a frotte di fotoamatori che si sentono in dovere di improvvisarsi matematici prima di ogni scatto…

La focale equivalente!

Il ragionamento che affatica i neuroni di tanti è questo: dal momento che un sensore più piccolo inquadra un’area più piccola (relativamente ad un sensore pieno formato) ALLORA significa che l’angolo di ripresa è più stretto QUINDI l’obiettivo montato su una macchina con un sensore più piccolo corrisponde ad una focale più lunga!

Quando monto un 50 mm. sulla mia D7100 (che, vi ricordo, ha un sensore con un fattore di ritaglio di 1,5) dovrei pensare che 50x1,5=75 quindi, per qualcuno, starei - in realtà - utilizzando un obiettivo 75 mm.

C’è chi ci perde davvero il sonno… io non ho mai sentito un’assurdità più grossa di questa!

É vero che UNA delle caratteristiche di un obiettivo è l’angolo di ripresa (che è inversamente proporzionale alla lunghezza focale) ma è anche vero che l’angolo di ripresa cattura o esclude qualcosa semplicemente se la fotocamera si avvicina o si allontana dal nostro soggetto.

Dovete invece considerare il fatto che gli obiettivi hanno, dal mio punto di vista, altre DUE caratteristiche importantissime che sono influenzate dalla lunghezza focale:

La Profondità di Campo
La Distorsione Prospettica

Tutti dovreste sapere di che cosa sto parlando.

La Profondità di Campo

La Profondità di Campo è la zona nitida che si estende davanti e dietro il punto di messa a fuoco e che è strettamente legata alla lunghezza focale dell’obiettivo. La PdC è minima nei teleobiettivi ed è invece molto profonda nei grandangoli.

La profondità di campo dipende dalla lunghezza focale utilizzata, dall’apertura del diaframma e dalla distanza tra la fotocamera e il punto a fuoco.

E cosa c’entra il fattore di crop?

Appunto… non c’entra proprio niente!

La PdC di un certo obiettivo sarà sempre la stessa sia che l’immagine venga proiettata su un sensore grosso come un francobollo sia che venga usato un sensore grosso come un lenzuolo…

La Distorsione Prospettica

La Distorsione Prospettica è invece quel fenomeno che schiaccia i piani prospettici nelle ottiche lunghe e li dilata, invece, nelle ottiche corte.

La posizione di ripresa - molto bassa - accoppiata ad una corta focale amplifica i piani prospettici. Il Canal Grande diventa largo come un’autostrada!

Anche in questo caso - mi sembra chiaro - la distorsione prospettica NON può cambiare in base al sensore della macchina fotografica.

Quindi attenzione a questo inganno!

Se utilizzi un’ottica 105 mm. per i ritratti (una lunghezza focale perfetta per lo scopo dato che conserva inalterate le proporzioni del viso) potrai continuare ad utilizzarla! Il tuo obiettivo non si è affatto trasformato in un 158 mm. solo per il fatto di averlo montato su una fotocamera con sensore APS-C!

Se ti piace lo spazio che ha un paesaggio fotografato con un 15 mm. questo rimarrà invariato perché il tuo grandangolo rimarrà un 15 mm. montato su qualsiasi fotocamera! e rimarrà un 15 mm. anche tra vent’anni montato su una futura fotocamera con un sensore di chissà quali dimensioni!

Tecnica o coraggio?

2020-03-26T12:34:00+00:00

Stavo riordinando un po’ di fotografie quando mi è capitata tra le mani questa.

27 luglio 2018 - ore 20:32 (almeno questo è quello che mi dicono i dati EXIF). L’otturatore della mia Nikon D7100 cattura questo scatto.

Eravamo decine e decine di persone raccolte sulla cima della Pietra di Bismantova ad ammirare questo prodigio della natura.

Quella notte mi ero veramente esaltato nel vedere così tanta gente passare una serata senza TV, senza locali notturni, senza niente di niente se non una coperta stesa sull’erba e il naso rivolto al cielo.

Mi ero lasciato tanto andare che avevo anche scritto qualcosa sul mio profilo Facebook (cosa piuttosto rara) poi… il giorno dopo… la poesia mi è passata del tutto!

Io capisco l’evento eccezionale. Capisco che ognuno abbia voluto dire la sua. Capisco che - in un’epoca dove se non posti qualcosa vuol dire che non sei nessuno - ognuno abbia voluto condividere la sua personale immagine ma…

PER CARITA’

La sagra delle volgarità.

Una triste sfilata di immagini ritoccate, ritagliate, colorate, ultra-definite.

Ma scusate… ma che gusto avete nel postare tutte queste cose false? Magari rubate anche ad altri e poi copia-incollate su sfondi improbabili??

Volete far vedere che siete bravi?

Magari bravi ad utilizzare un programma di manipolazione delle immagini (che poi a fare ciò che fate voi, nello stesso orribile modo - ve lo dico tranquillamente - sono bravi TUTTI).

Ho preferito di gran lunga le foto fatte con il cellulare con la luna puntiforme e quasi invisibile ma almeno VERA.

Utilizzate la tecnica in un altro modo: prendete la foto di allora (come ho fatto io questa mattina) e sviluppatela da zero perché nel frattempo il software di sviluppo - nel mio caso darktable - è sicuramente migliorato parecchio e sono riuscito a togliere un po’ di rumore e a gestire meglio la transizione della luce tra il terreno ed il cielo.

Ma la foto è troppo buia!! Sì, in effetti è un po’ buia…

C’è ancora molto rumore!! Vero, non ho un sensore adeguato…

Ai bordi l’immagine è poco definita!! In effetti uso un obiettivo economico…

Però, caro amico, la foto è mia! In quel preciso momento io stavo ammirando questo spettacolo impagabile e ho fatto una fotografia che me lo ricorderà fino alla fine dei miei giorni.

La tua, ne sono sicuro, è già stata dimenticata sul fondo di qualche Hard Disk…

Gli esercizi tecnici sono altra cosa.

Crea un panorama con Hugin

2020-02-20T23:01:00+00:00

La realizzazione di una foto panoramica diventa necessità se abbiamo bisogno di un’immagine con una sufficiente risoluzione (ad esempio perché dobbiamo fare una stampa di dimensioni generose) e non possiamo quindi ricorrere al ritaglio.

L’unione di più immagini (panorama o meno) è l’alternativa povera allo scatto unico realizzato con attrezzatura dotata di costosissimi sensori iper-densi di fotositi.

Questo articolo completa il mio articolo precedente Una Città Magica nel quale spiego come applicare un effetto fiabesco ad una fotografia panoramica di Venezia ma non mi soffermo sulla realizzazione tecnica del panorama vero e proprio.

Ad onor del vero potrai trovare diverse foto panoramiche qui: una valle toscana alla fine dell’autunno, il tempio di Segesta a Trapani, e altre che puoi trovare sparpagliate tra vari progetti.

La fotografia panoramica viene spesso snobbata mentre è un genere, soprattutto per quanto riguarda il paesaggio, che si avvicina molto alla naturale visione umana quindi dovrebbe essere proposta - a mio avviso - molto più spesso.

Con Hugin l’operazione di cucitura delle varie immagini è veramente rapida e precisa.

Vediamo innanzitutto come procedere con gli scatti. Anche in questo caso non puoi pretendere di ottenere risultati eccezionali partendo da scatti mediocri…

Imposta la macchina in manuale: è importantissimo assicurarsi che l’esposizione non cambi mai da uno scatto all’altro.

Hugin è in grado di gestire piuttosto bene le variazioni di luminosità ma fornendo degli scatti omogenei (a livello di luminosità) ci garantiremo una luce molto naturale.

Inoltre sarà molto frequente trovarsi davanti una scena illuminata in modo non uniforme (se fotografi un paesaggio non potrai mai spostare la fonte di luce!) e questo influirà sempre un po’ sul risultato finale in special modo se ti appresti a fotografare un angolo molto ampio.

Guarda come il sole ha influito su questo panorama!

Gonfie nuvole estive si stagliano sull’orizzonte della salina

Per questo motivo (esposizione manuale fissa) dovresti sempre fare qualche misurazione preventiva prima di scattare perché non vorrai certo trovarti con qualche scatto sovra/sottoesposto, vero?

Il treppiedi non è strettamente necessario. Se il tempo di scatto te lo permette e hai la mano ferma potrai tranquillamente scattare a mano libera.

Unico accorgimento importante: non inclinare la fotocamera verso l’alto o verso il basso in modo da non far comparire linee cadenti! Mettere insieme gli scatti si potrebbe rivelare una dura battaglia che non sempre riuscirai a vincere.

Infine, fa in modo che un terzo circa di ogni scatto sia sovrapponibile a quello successivo.

Dico un terzo perché non c’è bisogno di applicare una complessa formula matematica. L’importante è che la sovrapposizione non sia troppo piccola perché il software potrebbe non riuscire a trovare sufficienti punti di controllo. Anche una sovrapposizione troppo abbondante - per assurdo - porta facilmente a risultati non perfetti soprattutto per quanto riguarda la fusione della luminosità e la cucitura di immagini scattate con la macchina non proprio in bolla…

Schema di sovrapposizione per la corretta ripresa di un’immagine panoramica con scatti in orizzontale

E poi ricorda che i panorami possono anche essere ripresi tenendo la fotocamera in posizione verticale! Questa modalità è sicuramente meno intuitiva ma in questo modo è possibile catturare immagini molto dense di pixel e, quindi, molto particolareggiate.

Schema di sovrapposizione per la corretta ripresa di un’immagine panoramica con scatti in verticale

L’immagine di copertina è stata ripresa in questo modo (con la fotocamera in verticale, appunto).

Le impostazioni del software da verificare

Le impostazioni predefinite vanno più che bene. In fin dei conti ciò che io voglio è che il software sia in grado di generare un panorama della migliore qualità possibile con il minor sforzo.

Assicurati soltanto quanto segue (vedi immagini)

Queste opzioni fanno sì che sia il software stesso ad allineare le immagini senza richiedere il tuo intervento diretto (che sarà comunque necessario nel caso in cui gli scatti abbiano poca area di sovrapposizione)

Nonostante Autopano-SIFT-C, almeno in teoria, sia il miglior programma per la ricerca dei punti di controllo, io ho avuto diversi problemi di qualità (strani allineamenti e sovrapposizioni poco precise).

Il motore CPFind di Hugin funziona alla grande. Ti consiglio di utilizzare questo.

Verifica che i percorsi degli eseguibili di enblend ed enfuse siano corretti.

Questi software aggiuntivi servono per allineare le immagini con precisione e si preoccupano di fondere correttamente le variazioni di fuoco e di esposizione.

Procedura per la cucitura delle immagini

Avvia Hugin e clicca su Carica Immagini. Per comodità ti suggerisco di rinominare i files consecutivamente in modo che il software li carichi già nella giusta sequenza.

Hugin - Carica Immagini

Seleziona i files da caricare e clicca su Apri

Hugin - Apri files

L’assistente di Hugin inizierà la ricerca dei punti di controllo automaticamente. Questa procedura - soprattutto su PC datati - potrebbe essere piuttosto lenta.

Hugin - Ricerca automatica dei punti di controllo

A questo punto Hugin ti proporrà il panorama finito con una griglia in sovrimpressione per aiutarti a verificare (ed eventualmente modificare) le linee verticali ed orizzontali. Se gli scatti sono stati fatti con cura non ci sarà bisogno di alcun intervento manuale. Il software propone, inoltre, un ritaglio che elimina le parti superflue delle varie immagini. I dati EXIV all’interno dei vari files forniranno i dati necessari per il riconoscimento dell’obiettivo al fine di avere una maggior precisione di fusione.

Hugin - Panorama assemblato

Clicca sul pulsante Crea Panorama e lascia che Hugin (in realtà enblend+enfuse) si occupi di regolare eventuali variazioni di esposizione. Clicca quindi su OK per iniziare con l’assemblaggio vero e proprio.

Hugin - Creazione Panorama

La procedura di generazione del file finale sarà ancora più lunga di quella dedicata alla ricerca dei punti di controllo.

Rilassati ed aspetta (il sistema ti aggiornerà attraverso una finestra di dialogo dettagliandoti tutte le operazioni in corso).

Goditi il risultato!

Il panorama finale

Devi fare brutte foto

2020-02-07T10:37:00+00:00

Tratto da “Gli S-Consigli”, la newsletter riservata alla community di Reflex-Mania

Attenzione - Questo non è uno (s)-consiglio per tutti.

Mi rendo conto che di certo qualcuno (anche più di qualcuno) leggendolo storcerà il naso. Ma anche se questo fosse proprio il tuo caso, credimi che a volte sono proprio le cose che ci infastidiscono un po’ a fornirci gli spunti di riflessione più utili.

Quindi, nessuna pretesa di convincerti, ma penso che possa essere utile condividere alcuni suggerimenti, perché ciascuno possa poi elaborare un proprio personale approccio al problema.

Uno degli errori che mi capita più spesso di vedere, soprattutto in chi scatta poco sostenendo di non riuscire a ottenere le immagini che ha in testa, è la convinzione (o meglio, l’aspettativa) di poter pianificare una fotografia, uscire a cercarla, per poi ottenere una buona immagine ogni volta.

La verità è che non è mai così.

Tanto meno se (come capita al 99% dei fotografi non professionisti) “usciamo a far fotografie” per strada cercando di “fermare l’attimo”.

La verità è che praticamente tutti i grandi fotografi hanno ammesso, in qualche momento della loro vita, che ottenere uno scatto davvero interessante è un evento raro per tutti: anche i migliori spesso non ottengono più di una buona fotografia al mese, e una davvero notevole magari solo una volta all’anno. E questo, scattando per mestiere.

Josef Koudelka una volta ha detto: “Le mie foto quasi mai mi piacciono davvero. E se non sono soddisfatto, è semplicemente perché le buone foto sono rare. Una buona foto è un miracolo”.

Chi spera di uscire e, ogni volta, tornare a casa con la scheda piena di immagini valide ha solo due possibilità: arrendersi all’idea di rimanere perennemente frustrato e deluso, oppure essere abbastanza superficiale da non rendersi conto della mediocrità delle proprie immagini.

Invece il segreto è imparare a convivere con l’insuccesso. O, meglio ancora, non viverlo come tale. Puoi vivere la fotografia come una ricerca. Hai in mente un traguardo, ma non sai dove, quando, e se lo raggiungerai.

I fallimenti sono le tappe del tuo percorso. Senza quelli, sei certo che non arriverai mai alla meta.

L’abbiamo già detto, il fotografo - soprattutto quello di strada - è prima di tutto un selezionatore, perché non può costruire la sua scena: seleziona - tra tutto il materiale disponibile - cosa includere nell’inquadratura e, ancora più importante, sceglie cosa escludere, cosa lasciare fuori.

La stessa cosa, lo stesso spirito, lo si deve applicare alle fotografie. Un bravo fotografo, forse ancora più che un bravo creatore di immagini, è un bravo selezionatore di immagini.

Sapersi staccare dagli scatti che non funzionano, ed essere in grado di distillare quelle poche immagini che sono davvero forti è una delle doti fondamentali (se non la più importante) di un bravo fotografo.

Eric Kim, in uno degli articoli del suo blog (che tra l’altro ti consiglio di seguire se ti interessi di street photography, è davvero interessante), riporta a questo proposito un aneddoto molto calzante, nel quale Trent Parke (un fotografo Magnum di fama indiscussa) racconta la nascita di una delle sue fotografie più famose: le ombre scure di una serie di soggetti che si stagliano sulla parete di un bus in movimento…

Trent Parke - Sidney, 2002

Ecco cosa dice:

I shot a hundred rolls of film, but once I’d got that image I just couldn’t get anywhere near it again. That’s always a good sign: you know you’ve got something special.

(Avrò scattato un centinaio di rulli, ma non sono mai più riuscito a ottenere nulla che si avvicinasse a quell’immagine. Quello è sempre un buon segno: sai che hai realizzato qualcosa di speciale.)

Capito?! Un centinaio di rulli…

Parke è tornato per mesi a fotografare la stessa fermata dell’autobus, prima di ottenere la sua immagine. E poi ancora, per verificare che davvero non si potesse ottenere ancora qualcosa di meglio.

Ecco l’essenza del grande fotografo: scattare migliaia di fotografie di un soggetto, per poi saper scegliere quell’unica che fa la differenza, e saper lasciar perdere tutte le altre centinaia di immagini non così buone.

Sempre Kim, racconta di aver imparato da David Alan Harvey la vera differenza tra un fotografo mediocre e un grande fotografo, ovvero quanto cocciutamente si è capaci di perseguire l’obiettivo:

Scelto il soggetto (l’altro ingrediente che fa la differenza), il fotografo “normale” si accontenta di scattare 2,3,5 fotografie - per poi scegliere la migliore; il grande fotografo invece è capace di spendere centinaia (o addirittura migliaia) di scatti, in cerca dell’immagine perfetta: la balena bianca…

In sostanza, non devi aver paura di scattare brutte foto, perché ogni brutta foto è un piccolo passo di avvicinamento alla foto buona. Anzi, dovresti liberarti del tutto dell’ansia di dover per forza scattare buone foto, arrivando finalmente a scattare e basta. Per poi (solo dopo) andare in cerca della foto “perfetta”!

Tutto questo però, solo a patto che tu sia disposto a fare tuoi altri due precetti del buon fotografo:

Mostrare al pubblico solo una piccolissima percentuale degli scatti che realizzi.

Imparare ad aspettare.

Aspettare prima di guardare e selezionare i tuoi scatti, in modo da lasciarli decantare e poterli analizzare con distacco e oggettività.

In pratica quasi tutto il contrario di quello che siamo spinti a fare normalmente (ovvero pubblicare centinaia di scatti sui social e selezionare le foto dal display della fotocamera appena dopo averle scattate).

Che dici, ti senti pronto a provare?

Venezia, una città magica

2020-01-05T12:30:00+00:00

Che cos’è il filtro passa basso?

É un filtro che viene solitamente applicato ai sensori fotografici affinchè provvedano a non far passare (quindi a filtrare) le frequenze superiori ad una certa soglia.

Il suo opposto è il filtro passa alto che - come puoi ben immaginare - taglia invece le frequenze al di sotto della soglia definita.

Al momento in cui scrivo utilizzo per fotografare una Nikon D7100 che - tra le macchine non professionali - è stata una delle prime a non montare il filtro passa basso sul sensore.

Questo - a detta del produttore - avrebbe garantito delle fotografie molto più nitide e dettagliate.

Una mossa pubblicitaria? Assolutamente no! I files prodotti dal sensore APS-C sono molto dettagliati e, almeno in certe situazioni, sono perfetti se vuoi conservare o esaltare i particolari più fini.

Se hai avuto occasione di leggere la mia riflessione riguardo la nitidezza sai già però che la nitidezza non è tutto. Anzi, a volte non serve proprio…

Qui di seguito ti spiegherò come trasformare una foto ultra nitida in una foto dall’atmosfera poetica e sognante.

L’esempio è classicissimo. Siamo a Venezia!

Durante la visita alla sommità del campanile di San Marco ho pensato di raccogliere una serie di fotografie dall’alto per realizzare - successivamente a casa - qualche panorama.

Partiamo da una di queste fotografie.

Lo scatto in raw senza alcuna elaborazione

L’immagine è stata ripresa in verticale con uno zoom Tamron 70-300 che non è nitidissimo (alla massima focale) ma ha uno stabilizzatore di immagine fenomenale e permette di ottenere comunque fotografie senza alcuna traccia di micromosso.

La prima cosa che ho fatto è stata quella di modificare il bilanciamento del bianco (darktable applica automaticamente quello impostato sulla fotocamera) impostandolo a ombra.

L’uso accorto del bilanciamento del bianco può trasformare in modo molto deciso l’aspetto dell’immagine.

Spesso ci arrovelliamo per cercare di dare un’atmosfera diversa alle nostre fotografie cercando di applicare filtri molto complessi. Il bilanciamento del bianco è invece un modo semplicissimo per modificare radicalmente i colori dell’immagine. In questo caso è bastato scaldare un po’ il tutto per trasformare la luce di un pomeriggio freddino in un caldo tramonto.

Ho fatto questo perché stiamo lavorando con una fotografia fatta a Venezia quindi volevo dare al tutto un’aria più romantica.

Ho quindi regolato l’esposizione con il nuovo modulo filmic rgb

Le luci della scena iniziano a prendere la giusta intensità

Non ho volutamente spinto sull’esposizione perché la scena finale dovrà avere l’aspetto di un panorama quasi onirico al tramonto.

Con velvia ho saturato leggermente i colori (solitamente le regolazioni predefinite di velvia funzionano più che bene). La luce calda del tramonto satura molto i colori della scena quindi - in questo modo - l’osservatore non potrà fare a meno di sentirsi affacciato alla terrazza del campanile di San Marco in quell’ora.

Una leggera saturazione rende la luce del tramonto molto più reale.

Ora viene la parte magica!

La fotografia di per sè potrebbe essere considerata completa e pronta ad essere assemblata alle altre per ottenere il nostro panorama.

Ma a me non piace.

Troppo precisa, troppo nitida.

Per darle l’atmosfera che stavo cercando ho quindi usato il modulo passa basso di darktable.

Anche in questo caso non dobbiamo fare niente di particolarmente complicato ma il risultato lascia senza parole!

L’atmosfera magica e sognante che una città come Venezia si merita!

Che cosa è successo di preciso?

Abbiamo separato meglio il primo piano dallo sfondo e aggiunto un alone di non-nitidezza che rende il tutto molto più etereo.

Nel caso in cui non fosse chiarissima la differenza dagli screenshot qui sopra trovate di seguito il prima (sinistra) e il dopo (destra) l’applicazione del modulo passa basso.

Prima (sinistra) e dopo (destra) l’applicazione del filtro passa basso

Che cosa è stato fatto precisamente?

Ho abilitato il modulo passa basso, ho impostato un raggio uguale a 20 e applicato una maschera di fusione sovrapponi ridotta all‘80%

Il raggio è un po’ la chiave di tutto e dovrai sperimentare in base all’immagine su cui stai lavorando. Io penso che un valore di 20 sia un buon punto di partenza per la maggior parte dei casi.

Ho impostato l’opacità della maschera di fusione all‘80% perché - comunque - volevo mantenere una buona nitidezza complessiva.

Quando avrai trovato il giusto compromesso torna in modalità Tavolo Luminoso e con il modulo Coda di sviluppo copia il lavoro fatto.

Seleziona le altre immagini e incolla la coda di sviluppo precedentemente copiata per svilupparle tutte alla stessa identica maniera.

Esporta le immagini finali e montale con GIMP o - ancora più facile - con l’ottimo Hugin.

Un panorama di Venezia fotografato dalla sommità del campanile di San Marco

darktable, gestire gli obiettivi

2019-10-30T10:22:00+00:00

La correzione di eventuali difetti causati dalle lenti è una funzione che non può mancare in un software per lo sviluppo fotografico, ma può diventare una spina nel fianco nel caso in cui il nostro obiettivo non fosse riconosciuto automaticamente da darktable.

Prima di tutto è opportuno ricordare che la correzione dei difetti dei vari obiettivi è effettuato grazie ad un sotware esterno, Lensfun e che lo stesso Lensfun identifica gli obiettivi grazie ad un terzo software, EXIV2.

Quindi - nel caso in cui ci fosse qualche malfunzionamento - occorre innanzitutto capire DOVE il problema ha origine!

Come mi capita spesso di dire: per poter risolvere un problema bisogna prima di tutto capire esattamente di che problema si tratta!

In caso di problemi, quindi, occorre prima capire se è Lensfun la causa dei nostri mal di testa…

Puoi trovare a questo link la lista degli obiettivi supportati. Verifica se il tuo obiettivo è già inserito sul database.

Lensfun è un progetto Open Source e non commerciale quindi non è inusuale non trovare obiettivi molto nuovi o lenti speciali quali fisheye spinti o obiettivi molto vecchi e quindi poco diffusi.

Sul sito di Lensfun trovi tutte le istruzioni necessarie per effettuare la calibrazione di un obiettivo non inserito ma questa operazione non è semplicissima (magari in futuro scriverò qualcosa).

Ora ti voglio dare una soluzione che non è neanche lontanamente perfetta ma che potrebbe risolvere il tuo problema in un minuto con estrema facilità!

Prima verifica: come viene rilevato il mio obiettivo?

darktable analizza i tag EXIF utilizzando exiv2

Prendi quindi un’immagine RAW da analizzare (ovviamente dovrà essere stata scattata con l’obiettivo che non viene riconosciuto) e lancia questo comando:

exiv2 -pt <file.raw> | grep LensID

Il prompt dei comandi ti restituirà il nome identificativo del tuo obiettivo.

Tamron SP AF 17-50mm F/2.8 XR Di II VC LD Aspherical (IF)

Perché ti faccio fare questo? Perché molto probabilmente il problema non è Lensfun ma exiv2 che non identifica correttamente l’obiettivo.

Oppure exiv2 identifica correttamente un obiettivo non incluso del database di Lensfun MA è sufficiente applicare la correzione calcolata per un altro obiettivo molto simile per ottenere un risultato accettabile (se non addirittura perfetto).

Nel mio caso - ad esempio - exiv2 riconosce perfettamente l’obiettivo ma Lensfun non lo annovera nel suo database.

La differenza è data unicamente dal sistema di riduzione delle vibrazioni (VC) quindi posso presupporre che applicando la correzione calcolata per l’obiettivo SENZA il controllo delle vibrazioni io possa ottenere comunque un buon risultato.

Anche nel caso in cui le differenze fossero molto più consistenti (ad esempio una marca di obiettivo sconosciuta) è sufficiente applicare in modo sequenziale la correzione degli obiettivi presenti sul modulo Correzione obiettivo di darktable per valutare visivamente la bontà della correzione apportata (e scegliere così quella che ci sembra funzionare meglio).

Fatto questo avrai a disposizione le due informazioni che ti servono ovvero:

Il nome del tuo obiettivo e
Il nome dell’obiettivo da utilizzare per applicare la correzione

Lo scopo del gioco è far credere a darktable che il tuo obiettivo (quello non riconosciuto) sia, in realtà, quello che lui riconosce perfettamente e per il quale è in grado di applicare le dovute correzioni.

Dovremo utilizzare un piccolo script Lua (per maggiori informazioni su Lua e il suo utilizzo in darktable ti rimando al sito ufficiale).

local dt = require "darktable"
dt.register_event("post-import-image",
  function (event, image)
    if image.exif_lens == "Tamron SP AF 17-50mm F/2.8 XR Di II VC LD Aspherical (IF)" then
      image.exif_lens = "Tamron SP AF 17-50mm F/2.8 XR Di II LD Aspherical (IF)"
    end
  end
)

Si tratta di una cosa molto semplice:

Al momento dell’importazione dell’immagine (“post-import-image”)
se trovi (if image.exif_lens) l’obiettivo XXX
allora identificalo (image.exif-lens) come se fosse l’obiettivo YYY

In questo modo - abilitando il modulo Correzione obiettivo - darktable applicherà le correzioni in modo automatico senza costringerti a selezionare manualmente un obiettivo simile!

Lo script (e l’idea in sè) non sono miei ma di Tobias Hellinghaus aka Houz, uno degli sviluppatori di darktable.

Puoi trovare l’articolo originale (in inglese) sul sito di Tobias.

I particolari, per carità

2019-10-12T14:49:00+00:00

La lettura (cioè l’interpretazione) di una fotografia è una cosa automatica per ognuno di noi.

L’automatismo deriva dal fatto che ognuno di noi è dotato di una macchina perfetta che elabora miliardi di informazioni diverse in pochi secondi: il cervello.

Purtroppo quando fotografiamo frapponiamo tra il nostro cervello e la realtà esterna uno strumento che intelligente proprio non è: la macchina fotografica.

Qual’è il problema?

Quante volte ti sei trovato tra le mani una fotografia che avevi immaginato diversa? Ecco il problema è questo!

Dietro la macchina fotografica il tuo cervello funziona con le solite modalità mentre dovrai iniziare ad abituarlo a ragionare differentemente.

Uno dei modi più semplici per iniziare subito a produrre fotografie non banali e piatte consiste nell’inserire un particolare che attiri interesse.

Mi sembra di sentire qualcuno che dice che sto parlando del punctum di Barthes…

Sì, si tratta anche di questo ma vorrei spiegarlo in modo assai semplice.

Guarda la fotografia che segue.

Passaggio sul ponte di Brooklyn (NYC).

Ponte di Brooklyn. Passerella pedonale. Si cammina tra l’intrico dei cavi che sostengono la sede stradale.

L’immagine è un po’ caotica anche se la composizione è molto semplice. Ho cercato una simmetria precisa per distogliere l’attenzione dall’intrico dei cavi che si aprono a raggera e portarla all’interno dei due grossi cavi centrali (quelli che sembrano due lunghe spine dorsali).

La post-produzione è stata curata per migliorare il cielo (saturazione) e per evidenziare ancora di più i dettagli delle spine dorsali (nitidezza).

Non posso dire che sia una foto sbagliata. Non posso dire che manchi di una certa creatività. Eppure non la ritengo una fotografia soddisfacente.

Guarda invece questa.

Passaggio sul ponte di Brooklyn (NYC).

Hai capito subito di cosa sto parlando, vero?

C’è un unico particolare differente (che è proprio quello che fa LA DIFFERENZA). La bandiera mossa dal vento.

Eppure il punto di interesse dell’immagine non è diventato la bandiera. Il punto d’interesse sono sempre i due cavi centrali: le due spine dorsali.

EPPURE la presenza della bandiera più visibile cambia totalmente l’equilibrio degli elementi!

Nella prima foto lo sguardo cade sull’immagine in generale e là si ferma. L’insieme dei cavi di sostegno crea addirittura una certa confusione.

Nella seconda lo sguardo segue i cavi verso la bandiera e dalla bandiera torna indietro sui cavi. C’è equilibrio, non confusione. Anche il groviglio dei cavi in basso diventa più ordinato. Tutto grazie alla bandiera.

Un piccolo particolare (che nel mirino della macchina fotografica può facilmente essere ignorato) ha fatto una differenza enorme.

Questo è un esempio lampante ma ci sono altre modalità per creare interesse con l’aggiunta di particolari apparentemente insignificanti.

Se la bandiera era molto visibile, in quest’altra foto ciò che da un senso al tutto è un po’ più celato…

Central Park (NYC) la foto a colori è caotica e non ha un vero punto di interesse.

Il musicista, che nelle mie intenzioni avrebbe dovuto essere il punto di interesse della fotografia, non risalta affatto.

In effetti ciò che ci colpisce all’inizio è la shilouette della donna che cammina sotto il ponte, poi vediamo la piccola folla variegata dall’altra parte. Il musicista si confonde nella cornice colorata dei mattoni del ponte.

Ora cambiamo strategia.

Central Park (NYC) la foto in BN toglie il più grosso elemento di disturbo (il colore) e rende giustizia al musicista in primo piano.

Eliminando il colore l’immagine acquista l’equilibrio che avevo intuito al momento dello scatto.

In questo caso il musicista si nota immediatamente. Il ponte è sempre molto illuminato ma il tono dei mattoni è più spento (non c’è più un bell’arancione vivo ad occupare tutta la scena). La folla sullo sfondo si nota solo all’ultimo momento.

Con questo non voglio dire che puoi tentare di recuperare un’immagine convertendola in bianco e nero! A volte può funzionare ma normalmente non è così.

Quando vuoi scattare per convertire in bianco e nero dovrai pensare e vedere la foto in bianco e nero.

Quindi, per concludere, presta attenzione ai particolari! Palesi o celati che siano.

Backup delle fotografie - samba

2019-08-02T17:39:00+00:00

In un precedente articolo ho trattato il problema del backup dei nostri preziosi files e ho usato come soluzione un sistema condiviso online e uno shell script che utilizza il comando lftp.

Oggigiorno ci sono sistemi di condivisione dei dati molto semplici che ognuno di noi può ritrovarsi in casa (magari senza neppure saperlo!).

Uno di questi è il classico disco esterno collegato al router ADSL via USB.

Tanti di voi potrebbero non avere un router di proprietà (che sicuramente permette di effettuare un collegamento FTP e, pertanto, rende possibile l’utilizzo di lftp) ma hanno semplicemente un router brandizzato fornito dal gestore della linea telefonica.

Siete passati alla fibra di TIM e vi ritrovate tra le mani questo orrendo scatolotto

Questi apparecchi sono solitamente piuttosto blindati (per non dire castrati) e non permettono tanti virtuosismi. Quasi nessuno, ad essere sincero, permette un accesso via ssh e tanti neppure via FTP.

Però - dal momento che sono progettati per condividere i contenuti con diversi dispositivi - facilmente tutti adottano il protocollo di condivisione in rete Samba.

Prima di tutto occorrerà avere un disco rigido collegato allo scatolotto e aver configurato quest’ultimo affinchè condivida una o più cartelle con il protocollo Samba (che potresti trovare abbreviato in SMB).

Io utilizzo sempre il mio storico Western Digital da 2 TB alimentato esternamente.

Iniziamo testando la connessione per capire se le condivisioni che abbiamo impostato dal ridicolo menu di configurazione dello scatolotto sono visibili in rete.

Non essendo praticamente configurabile, lo scatolotto dovrebbe permettervi di accedere con il vostro nome utente Linux e nessuna password, quindi:

smbclient -L <IP vostro router> --user <utente e password>

Mettiamo il caso che il nostro router abbia come indirizzo statico 192.168.1.1 e che il nostro nome utente Linux sia attila (e nessuna password), il comando diventa il seguente:

smbclient -L //192.168.1.1 --user="attila"%""

Premi Invio e dovresti vedere qualcosa di simile:

Unable to initialize messaging context
     Sharename       Type      Comment
     ---------       ----      -------
     <HD_Condiviso>
           IPC$            IPC       IPC Service (Modem TIM)
 Reconnecting with SMB1 for workgroup listing.
     Server               Comment
     ---------            -------
     MODEM TIM            Modem TIM
     Workgroup            Master
     ---------            -------
     WORKGROUP            MODEM TIM

Bene! La condivisione Samba funziona! Il disco rigido collegato via USB al router viene condiviso con il nome che qui abbiamo chiamato <HD_condiviso>

Il nome della condivisione puoi facilmente trovarlo anche sfogliando il disco esterno dal tuo file manager preferito.

Portati sulla cartella radice del tuo router e guarda la barra degli indirizzi del file manager. Troverai una stringa simile a questa:

smb://192.168.1.1/HD_Condiviso/

Ora abbiamo tutto ciò che ci serve per effettuare il collegamento vero e proprio.

Indirizzo di rete del server Samba (il brutto scatolotto): 192.168.1.1
La radice della condivisione: HD_condiviso
Il nome utente: attila
La password: <nessuna>
La/e cartella/e che vogliamo effettivamente montare: ad es. documenti

Decidiamo dove vogliamo montare la nostra condivisione (ad esempio: /home/attila/samba) e il gioco è fatto.

E invece no!

Ho sudato le leggendarie sette camicie per diverse serate cercando di montare la condivisione senza successo.

Perché?

Perché sebbene il router TIM dovrebbe avere un firmware che supporta Samba 2.0 qualcosa non funziona come dovrebbe…

Nei parametri del comando mount.cifs (che serve per agganciare una cartella condivisa con Samba) c’è un’opzione chiamata vers (versione) che obbliga il montaggio della condivisione utilizzando una particolare versione del protocollo Samba.

Dato che avevo letto che il router è aggiornato alla versione Samba 2.0 insistevo a passare al comando di montaggio il parametro vers=2.0 mentre - al contrario - la condivisione viene montata senza colpo ferire usando vers=1.0

La cosa è doppiamente ridicola se pensi che la versione 1.0 è quella utilizzata di default dal comando di montaggio ma… a volte sembra di aver a che fare con il paranormale…

In ogni caso componiamo il comando che ci permetterà di montare la nostra condivisione sul filesystem.

sudo mount.cifs //192.168.1.1/HD_Condiviso/documenti /home/attila/samba -o user=attila,pass=,vers=1.0

Premi Invio e troverai il contenuto di HD_Condiviso/documenti all’interno di /home/attila/samba

Puoi tirare un sospiro di sollievo

Ora dobbiamo sincronizzare i dati sul nostro disco rigido con quelli che si trovano sulla cartella condivisa e per fare questo useremo rsync.

rsync è un comando molto potente e veloce per copiare files da un supporto (anche remoto) ad un altro.

Purtroppo - grazie all’orrendo scatolotto - siamo costretti a montare localmente la cartella condivisa per poterci scrivere sopra… se lo scatolotto permettesse un accesso via ssh avremmo potuto usare rsync direttamente per copiare i files dal nostro PC al disco remoto senza bisogno di nient’altro!

Per un utilizzo elementare di rsync potremmo pensare di usare questo comando:

rsync -vaz <cartella_origine> <cartella_destinazione>

Spiego le opzioni:

-v - visualizza a schermo diverse informazioni. Utile se volete vedere che cosa sta facendo il vostro comando.
-a - utilizza la cosiddetta modalità archivio che è la somma delle opzioni -rlptgoD (digitate man rsync se siete curiosi di sapere che cosa esattamente fa ognuna delle opzioni qui sopra)
-z - indica al programma di comprimere i dati prima di inviarli a destinazione a tutto vantaggio dell’occupazione di banda.

Se la tua cartella di origine contiene files o cartelle da non trasferire puoi inserire nel comando un’opzione per escluderli dal trasferimento.

Per comodità crea un file di testo contenente una riga per ogni file o cartella che non vuoi trasferire e indicalo come argomento con l’opzione —exclude-from. Supponiamo di chiamare questo file rsync.exclude.list

Il comando diventerà quindi il seguente:

rsync -vaz --exclude-from rsync.exclude.list <cartella_origine> <cartella_destinazione>

rsync è un comando molto potente quindi è veramente possibile fare un po’ di tutto.

Alcune opzioni che potrebbero tornarti utili:

-u - non aggiorna i file che risultano essere più recenti nella cartella di destinazione
—delete - cancella i files nella cartella di destinazione che non esistono più nella cartella di origine
-S - se devi trasferire una grossa quantità di file di piccole dimensioni questa opzione gestirà l’operazione più efficacemente
-W - questa opzione trasferirà invece i files per intero (rsync trasferisce in modo predefinito solo i delta)
—dry-run - se non ti senti sicuro del comando da lanciare e non vuoi rischiare di distruggere l’intero filesytem - e non sto scherzando - puoi utilizzare questa opzione per simulare ciò che il tuo comando andrà a fare.

Dove va la fotografia?

2019-07-26T17:57:00+00:00

Scrivo due righe veloci perché ho un pensiero che mi gira nella testa.

Tutti innamorati di FaceApp, l’applicazione per smartphone che modifica i volti delle persone.

Io non sono molto convinto di tutta questa tecnologia che fa le cose al posto tuo… Se vuoi esprimere qualcosa allora fallo usando il tuo cervello e non un’intelligenza artificiale!

Perché mai dovrei aver bisogno di farmi aiutare da un algoritmo?

Infatti non ne hai minimamente bisogno, e ti spiego il perché.

Mi trovo una sera senza troppo da fare così la scarico per provarla.

Mi faccio una foto veloce con il telefono.

Proviamo ad applicare la funzione sorriso…

Non male, dai… Oltre ai denti l’applicazione tenta di aggiungere qualche ruga di espressione (non bellissima) e adegua anche gli occhi.

Ora provo ad invecchiare…

A parte il fatto che, una volta in pensione, potrò sostituire Babbo Natale anche questa non mi sembra male. Di fatto ha solo tolto un po’ di capelli e allungato la barba, sbiancando poi il tutto.

OK questa era fin troppo facile!

Proviamo invece a ringiovanire.

Qui non ci siamo proprio. Ma che barba mi ha fatto??!

Comunque niente male per un gadget da telefonino (anche se l’operazione di modifica non la fa il vostro telefono ma un potente server in cloud).

Comunque tutto questo non è niente paragonato a ciò che può fare un’intelligenza artificiale.

thispersondoesnotexist.com è un sito creato dai ricercatori nVIDIA che genera visi di persone inesistenti.

A parte alcuni particolari che rendono evidente l’innaturalità della fotografia (ma che potrebbero tranquillamente essere scambiati per una pessima post-produzione) le fotografie sono assolutamente reali.

L’angolazione dei visi, le espressioni, luci ed ombre, lo sfondo. Tutti particolari che un fotografo di ritratto considera con attenzione prima di scattare.

Particolari che servono per decidere se tenere o buttare la fotografia stessa!

Quindi oltre alla uniformazione delle fotografie portata dai social ora anche l’intelligenza artificiale è capace di fotografare?

I fotografi bravi non servono più?

O forse non esistono più?

Non credo…

Certo che la fotografia è tutt’altro che morta. Abbiamo ancora tantissimo da sperimentare!

Ed è possibile ancora scoprire fotografie nuove e nuovi modi di fotografare.

La fotografia HDR non contiene olio di palma!

2019-07-07T15:33:00+00:00

Le mode, si sa, vanno e vengono e la fotografia non ne è esente.

Leggevo poco tempo fa un articolo di uno dei tanti guru della rete che attaccava pesantemente la desaturazione selettiva (le immagini in bianco e nero con un solo particolare a colori). Sono immagini vecchie, imbarazzanti, evitatele come la peste, ecc.

I commenti dei diligenti discepoli erano tutti concordi: Bravo! Giusto! Mitico! Finalmente!

La verità è che domani potrebbe improvvisamente tornare di moda la desaturazione selettiva e il guru organizzerebbe immediatamente un bel workshop a tema con commenti entusiasti dei suoi diligenti discepoli.

Vabbè… la moda va così…

La facciata di un palazzo popolare a San Pietroburgo, moderno alveare

Un genere, invece, che non passa di moda ma viene regolarmente maltrattato è la fotografia HDR.

Le tecniche per ottenerla sono tante. I tutorial per il vostro software di grafica preferito altrettanti.

HDR sì o no?

Tanti sono contro questo genere di fotografia perché associano il termine HDR ai risultati mal riusciti di una mappatura dei toni troppo aggressiva.

Premesso che io non sono assolutamente contrario ad una mappatura tonale spinta (se questo va nella direzione della buona riuscita della fotografia), devo però ammettere che questo effetto stanca se applicato in modo indiscriminato ad una serie consecutive di fotografie.

La tecnica dell’HDR - tuttavia - è l’unica disponibile quando vi trovate in una situazione di luce talmente contrastata che il vostro sensore non è in grado di registrare completamente.

Esistono i filtri graduati: vero! Io sono il primo ad utilizzarli ma, purtroppo, funzionano solo in certe condizioni.

Il sole sorge dietro il villagio di Tellaro visto dalla scogliera di Fiascherino. Il cielo si specchia nel mare con colori incredibili!

Nel caso qui sopra, ad esempio, la linea dell’orizzonte assolutamente piatta crea la situazione ideale per l’uso di un bel filtro ND graduato. Io non uso filtri hard ma solo soft (ovvero con un confine molto morbido tra l’area trasparente e quella scura) e, in questo caso, è stato comunque necessario montarlo inclinandolo verso destra per non rendere troppo scura la collina già in controluce.

Il sole si spegne dietro il limite occidentale del golfo dei poeti. Si sente solo il leggero scrosciare delle onde sulle rocce mentre il cielo brucia.

In questo secondo caso invece l’operazione è ancora più semplice. Il filtro graduato può essere montato perfettamente orizzontale. L’unica difficoltà risiede nel fatto di capire a priori quanti stop di luce dovete tagliare. Quando si fotografa in una tale condizione di luce si hanno a disposizione pochi minuti per regolare la macchina fotografica e un’eventuale smontaggio e sostituzione di un filtro richiede un certo tempo.

Filtri e HDR servono, comunque, solo nel caso in cui non sia possibile fare rientrare l’intera gamma dinamica all’interno delle possibilità del vostro sensore. Diversamente non ha nessun senso utilizzare alcuna delle due!

La fotografia qui sotto non è un HDR e, per scattarla, non ho utilizzato alcun filtro.

La fortuna è arrivata e l’imbarcazione riesce a raggiungere la costa del continente. Le acque sono calme e, in lontananza, si intravede una costa montuosa permeata di nebbia. Il sole sta tramontando - condizione essenziale per poter trovare il Monte Analogo - ma questa notte il riposo sarà dolce.

Neppure per ottenere questa immagine ho utilizzato particolari manipolazioni.

Tramonto sul fiume Moscova (Mosca - Russia). A sinistra uno dei sette grattacieli staliniani che oggi ospita l’hotel Ukraina. Sullo sfondo i grattacieli di Moscow City.

La tecnica HDR, al contrario, viene necessariamente in aiuto nel momento in cui la gamma dinamica è talmente estesa che il vostro sensore non potrebbe registrarla tutta nemmeno con l’utilizzo dei filtri ND.

Si tratta tipicamente di immagini scattate in condizioni di luce critiche con zone molto buie e altre aree estremamente illuminate.

Un tipico esempio: scatto controluce durante il tramonto.

Oltre alle saline utilizzate per la produzione industriale a Trapani potete trovare le saline ‘storiche’ non più utilizzate ed ora visitate dai turisti. I mulini a vento non funzionano più ma impreziosiscono il colpo d’occhio generale. Aspettare il tramonto su questi specchi d’acqua è qualcosa di magico!

Per scattare questa fotografia ho fuso tre scatti diversi.

il primo esposto per il cielo e l’acqua
il secondo per le nuvole sullo sfondo
il terzo per l’edificio sulla destra

Direi che il risultato è molto naturale (sebbene su uno schermo non calibrato potreste vedere l’edificio sulla destra più scuro di quanto non sia in realtà). Non ho utilizzato, infatti, nessuna operazione aggressiva di mappatura tonale.

Il caso che segue, pur essendo un’immagine HDR, ha richiesto una diversa tecnica di ripresa.

Trapani al tramonto ripreso dalla collina di Erice. Sullo sfondo le isole Egadi

In questo caso la differenza di luminosità era talmente accentuata che ho preferito fotografare con il filtro ND montato. Ho poi realizzato un HDR quindi allineato gli scatti (3) per ottenere una panoramica.

La mappatura tonale è stata sempre regolata al fine di ottenere un risultato che fosse il più naturale possibile.

Ora che più volte ho spiegato che eventuali problemi possono arrivare dalla mappatura tonale che non deve essere mai spinta all’estremo, devo ammettere che è vero anche il contrario!

Guardate l’immagine qui sotto.

Il profilo famosissimo dell’isola di Manhattan visto dalla sponda di Brooklyn

Si tratta di una ripresa molto classica dello skyline di Manhattan ripreso da Brooklin. In primo piano l’East River e, sulla destra, il celeberrimo ponte sospeso.

Come spesso accade durante un viaggio potreste ritrovarvi al posto giusto nel momento sbagliato. In questo caso le facciate dei grattacieli erano già in ombra e la posizione del sole avrebbe reso lo scatto quasi un controluce.

Qui è possibile usare un filtro perché l’orizzonte non è lineare ma, soprattutto, perché avete tre zone di luce non gestibili con un accessorio fisico:

Cielo: molto luminoso (ridurre di 3/4 EV)
Edifici: in ombra (aprire 1/2 EV)
Acqua: luminosa ma non vogliamo rimuovere il luccicore (ridurre di 1/2 EV).

Questo è un tipico caso che richiede l’utilizzo dell’HDR.

Inoltre ho voluto spingere sull’acceleratore con la mappatura tonale per raggiungere due obiettivi:

Avere una bella saturazione dei colori
Aumentare la nitidezza dei particolari più piccoli (onde del fiume e finestre dei palazzi)

Ho utilizzato quindi la mappatura Mantiuk 06 (che mi sembrava la più idonea) aumentando i valori di saturazione e di dettaglio.

L’immagine diventa più artificiale ma l’effetto di dettaglio sulle onde del fiume rende molto l’idea del movimento e a me piace molto!

Per concludere, ancora una volta, non stancatevi mai di sperimentare e se qualcuno vi dice di evitare ad ogni costo una tecnica, un’inquadratura o altro voi - come prima cosa - provatela immediatamente e lasciate perdere solo se non vi piace. Al contrario…

Sfondo e primo piano in fotografia

2019-06-28T12:04:00+00:00

In questo breve articolo vorrei parlare di sfondo e di primo piano.

Come spesso mi capita me la prendo con i numerosi tutorial online, le raccomandazioni di sedicenti maestri o professionisti della fotocamera e le solite regoline trite e ritrite.

L’idea di scrivere arriva dopo un semplicissimo servizio fotografico nel quale mi è stato chiesto di fare un veloce ritratto ambientato ad una persona.

Mi raccomando apri bene il diaframma così sfochi lo sfondo!

E io che - pieno di buona volontà - mi ero portato il flash!

Perché il punto è questo: non è assolutamente vero che per separare il soggetto dallo sfondo serve aprire il diaframma per sfocare. Tra l’altro, a volte, la conformazione dell’ambiente ve lo impedisce proprio…

L’apertura del diaframma è solo UN modo per raggiungere il risultato ed è anche quello più fragile perché se lo sfondo è brutto e disordinato potete sfocare finchè volete: otterrete solo uno sfondo brutto e disordinato (ma sfocato).

Questa immagine è stata scattata in occasione di una fiera di paese.

Per staccare Nuit Blanche da uno sfondo insulso ed ingombro di materiale accatastato non è bastato sfocare! Ho dovuto applicare un ritaglio notevole e utilizzare un effetto di luce diffusa alquanto discutibile.

Ciò nonostante gran parte del materiale che ingombrava lo sfondo è sempre lì, ben visibile. E l’immagine in sè, pesantemente manipolata, presenta grossi difetti dovuti proprio alla post-produzione troppo spinta.

A mio parere, il metodo migliore per separare nettamente il soggetto dallo sfondo è la luce!

Luzzara (RE) 2015

Iniziamo con un esempio piuttosto banale dato che chiunque di voi ha sicuramente fotografato una situazione del genere. Il soggetto è in ombra e, se si espone per l’ambiente illuminato, si ottiene questo risultato.

Benchè l’esempio sia banale è fuori discussione che questa modalità è eccellente per far risaltare in modo molto marcato il soggetto rispetto allo sfondo!

Ovviamente si può fare anche il contrario.

In questo caso l’artista è illuminato dalle luci del palcoscenico mentre lo sfondo è naturalmente buio. Le foto di ritratto con sfondo nero sono abbastanza classiche e diffuse e la dominanza di toni scuri le rende anche molto eleganti.

Se vi trovate a dover fare un ritratto ambientato (ovvero un ritratto che deve comprendere anche uno sfondo leggibile) potete usare l’illuminazione a vostro vantaggio per ottenere qualcosa di veramente interessante.

Perché, dunque, io avevo portato con me il flash?

Scattando in manuale con il flash avete la possibilità di fare una doppia esposizione:

Una per il soggetto
Una per lo sfondo

Dal momento che il lampo del flash è rapidissimo questo tipo di illuminazione non viene influenzata dal tempo di scatto della macchina fotografica.

Quindi potete regolare l’esposizione della luce ambiente con la ghiera dei tempi e quella del flash con la ghiera del diaframma.

Il concetto è veramente semplice anche se occorre un po’ di tempo per sfruttarlo per bene.

Qui sotto un’immagine che dovrebbe chiarire maggiormente il concetto della doppia esposizione.

Un rametto di faggio congelato dalla luce del flash permette di muovere tutto il resto del bosco

Ho impostato una coppia tempo/diaframma sufficiente per avere la cima degli alberi correttamente esposta e per poter ruotare con il fine di ottenere un buon effetto di mosso. Il rametto in primo piano è stato invece illuminato dal lampo del flash sincronizzato sulla seconda tendina.

Se volete approfondire l’argomento vi consiglio il sito Strobist che è un po’ il punto di riferimento per chi vuole sperimentare questa tecnica.

Se avete difficoltà con l’inglese date un’occhiata invece al sito di Stefano Tealdi e, in particolare, al suo canale su YouTube ricco di esempi più o meno complessi.

E poi c’è un altro modo di usare la luce per staccare il vostro soggetto dallo sfondo.

Un gruppo di surfisti scruta l’orizzonte di un mattino grigio e umido

Utilizzando luce e colore avete la possibilità di focalizzare l’attenzione in modo deciso ma naturale, senza artifici.

Questo tipo di fotografia non è facilissima e non può essere realizzata in ogni occasione. Servono caratteristiche ambientali particolari e una buona padronanza della vostra fotocamera (non dovete avere dubbi nel regolare l’esposizione).

Credo che il maestro incontrastato di questa tipologia di immagine sia stato Luigi Ghirri. Ghirri amava particolarmente questo tipo di tecnica perché trovava banale (e alla portata di chiunque) l’uso dello sfocato mentre sollecitava i suoi allievi a cercare sempre nuove strade.

I risultati che potete ottenere con questa tecnica sono notevoli quindi, come sempre, non fermatevi al primo risultato che Google vi propone… sperimentate, sbagliate e sperimentate di nuovo!

Posso dire di essere un fotografo?

2019-06-03T10:00:00+00:00

L’altra mattina, mentre strappavo erbacce dall’aiuola davanti a casa, mi è venuto un dubbio amletico. Ma io posso dire a tutti gli effetti di essere un fotografo?

Mi sono arrovellato il cervello per un po’ di tempo poi ho deciso di affrontare la cosa in modo scientifico (pubblicando anche i risultati di questa mia ricerca, che trovate qui di seguito).

fotografo s. m. (f. -a) [comp. di foto-2 e -grafo]. Chi esegue fotografie sia professionalmente (per conto proprio o al servizio di giornali, periodici, attività varie): fare il f.; andare dal f.; il f. di un settimanale illustrato, di un rotocalco, di una casa di mode; f. pubblicitario; sia occasionalmente: sviluppo e stampa per f. dilettanti; e con riguardo alla capacità, all’abilità: essere un bravo o un mediocre f., una fotografa esperta.

—Dizionario Treccani

Ottimo! Il mio dubbio è stato quindi risolto molto rapidamente. Sono un fotografo!

Un moscovita stranamente solo nella sempre affollatissima metro di Mosca aspetta il suo treno.

Anni fa mi ero cimentato nella costruzione di un modello storico (mai terminato, peraltro) e per essere in grado di applicare alcune modifiche piuttosto rilevanti avevo contattato un esperto negli Stati Uniti giustificando le mie numerose domande con: mi scuso ma, in effetti, io non sono un modellista.

Lui, molto pacatamente, mi scrisse che se stavo costruendo un modello allora ero un modellista!

Sono contento perché, evidentemente, la stessa cosa vale per i fotografi, siano essi armati di reflex full-frame o mirorless all’ultima moda o smartphone multifunzione.

Bene… dunque, visto che siamo arrivati fin qui così facilmente, andiamo un po’ oltre. Ho verificato che sono un fotografo ma sarò anche creativo?

creativo agg. e s. m. [der. di creare]. 1. agg. Relativo al creare e alla creazione: l’atto c.; relativo alla realizzazione artistica, alla capacità di creare opere d’arte e d’ingegno: facoltà c.; potenza c.; la gioia c. dell’artista; un lavoro creativo. 2. s. m. (f. -a) Nella tecnica della pubblicità, chi ha il compito di ideare i testi e le immagini per la campagna pubblicitaria di un prodotto, suggerendo proposte che siano insieme inedite e persuasive, capaci di raggiungere con immediatezza i fini prefissati.

—Dizionario Treccani

Anche in questo caso cado in piedi. Se mettiamo da parte l’accezione che il termine assume per il settore pubblicitario posso dire di essere creativo in quanto creo.

Il castello di Rossena si staglia imponente dalla cime della rupe. A sinistra la sempre fedele torre di Rossenella. Il pulviscolo sospeso nell’aria calda della sera riflette la luce del sole che tramonta donando alla scena l’aspetto di un dipinto.

Allora procediamo oltre e vediamo se riesco a spingermi ancora più in là.

Su Internet, sui social, vedo tanti che si definiscono artisti.

Che invidia! Anche a me piacerebbe essere un artista quindi interrogo la mia personale palla di cristallo (un dizionario della lingua italiana) per scoprire che…

artista s. m. e f. [dal lat. mediev. artista maestro d’arte] (pl. m. -i). 1. Chi esercita una delle belle arti (spec. le arti figurative, o anche la musica e la poesia): gli a. del Rinascimento; gli a. della scuola romana. Come termine di classificazione professionale e dell’uso com., anche chi svolge attività nel campo dello spettacolo (teatro, cinema, ecc.): a. lirico; a. di varietà; gli a. della radio, della televisione; i camerini degli a.; ingresso riservato agli artisti. Il termine implica spesso un giudizio di valore ed è allora attribuito a chi nell’arte professata ha raggiunto l’eccellenza: è un vero a., un grande a., un a. di genio. Con riferimento alla poesia, è talora contrapposto a poeta, considerando come qualità proprie di questo la forza dell’ispirazione e del sentimento, l’altezza della fantasia, e attribuendo all’artista soprattutto virtuosismo e abilità tecnica. Per la facoltà degli a., o facoltà delle arti, nelle università medievali, v. arte, n. 1 a. 2. estens. Chi ha fine senso dell’arte ed è aperto al sentimento del bello: ha un’anima d’a.; parla, scrive, suona da a.; o chi eccelle nella propria professione, attività o mestiere: quel chirurgo è un a.; ho trovato un falegname che è un vero a.; questo giovane calciatore è un a. del pallone. 3. ant. Artigiano: la cittadinanza, ch’è or mista Di Campi, di Certaldo e di Fegghine, Pura vediesi ne l’ultimo artista (Dante). ? Spreg. artistucolo; rari l’accr. artistone e il pegg. artistaccio (tutti con il rispettivo femm. -a).

—Dizionario Treccani

Purtroppo qui la cosa si fa più complicata…

A quanto pare l’essere artista implica anche un giudizio di valore. Viene attribuito a chi - all’interno della propria arte - ha raggiunto un livello di eccellenza.

Insomma, a quanto pare, la parola artista ha un forte connotato qualitativo.

Questa cosa è interessante perché significa che chi fotografa con il cellulare è un fotografo mentre non è detto che tutti quelli che in rete si firmano come artisti lo siano veramente.

Come giustamente deve essere, l’auto-referenzialità non basta. Il giudizio di valore è ovviamente quello degli altri!

Non sono bravo perché lo dico io, ma sono bravo quando sono gli altri a dirlo!

Tra un modesto fotografo - quindi - ed un artista possiamo dunque categorizzare decine di sfumature (tutte rigorosamente auto-referenziali) che passano dal facilone al fanfarone, dal professore al pallone gonfiato, dal teorico puro al filosofo della foto mossa.

Il semaforo è rosso e il passaggio chiuso da un alto muro.

Quindi… diventa quantomai necessario scendere dal piedistallo!

Più vicino a terra, inoltre, si vedono meglio tante cose e da vicino si fanno fotografie migliori.

Non serve lucidare i galloni per apparire ciò che non siete: nessuno riesce ad apparire per ciò che non è per lungo tempo. Qualcosa prima o poi vi tradirà.

E non servono mai tante parole.

Ho sempre pensato che la fotografia sia come una barzelletta, se devi spiegarla vuol dire che non è venuta bene.

—Ansel Adams

Una foto epica!

2019-03-08T11:50:00+00:00

Vediamo come si può velocemente sviluppare una foto piatta e grigia con darktable e trasformarla in pochi minuti un’immagine epica!

Ci troviamo a San Pietroburgo e questa è la base di una delle due colonne rostrate sulla riva del fiume Neva. La scultura ritratta rappresenta la Neva stessa e la solennità della posa richiede uno sviluppo che esalti l’idea originale dei costruttori che eressero questo monumento.

Il raw originale è piatto e grigiastro. Il sole, benchè nascosto dalle nuvole, si trova di fronte a noi in corrispondenza della punta del bastone che la scultura sta impugnando.

Al posto della Curva di base ho voluto provare il nuovo modulo Filmic.

Filmic funziona molto bene e spesso non occorre, come in questo caso, modificare i parametri impostati automaticamente. In genere lo preferisco alla Curva di base perché il risultato è più naturale.

Subito dopo occorre verificare e aggiustare l’esposizione.

Come si vede bene in questo caso le zone sovraesposte sono ridottissime. É vero che in digitale si può intervenire anche pesantemente sulla miscgrafia ma è importantissimo ottenere un’immagine con un istogramma ben centrato e completo.

Dal momento che la foto era stata scattata con un grandangolo applico la Correzione obiettivo per restituire le giuste proporzioni alla scena. Se il modulo non rileva automaticamente il vostro obiettivo (può accadere) selezionatelo dell’elenco a tendina.

Solitamente cerco di scattare tenendo ben presente la scena che vorrò ottenere. Questo mi permette di non ritagliare quasi mai le mie fotografie o, perlomeno, di applicare dei ritagli minimi come ho fatto in questo caso.

Faccio notare che ho impostato il modulo Ritaglia e ruota con la griglia per la regola dei terzi ma che non l’ho rispettata canonicamente. Mi piace vedere il suggerimento tecnico della griglia ma raramente lo applico: solitamente ritaglio l’immagine liberamente.

Ora il cambiamento più radicale!

Con il modulo Correzione colore possiamo applicare un tono particolare alle alte luci (cursore bianco) e alle ombre (cursore nero).

Questo modulo dona alla foto una dominante colorata. Solitamente le dominanti vengono considerate un difetto e sono da evitare ma in questo caso ritengo che la foto ne guadagni parecchio!

Abbiamo applicato diversi cambiamenti all’immagine quindi verifichiamo di nuovo l’esposizione. In questo caso abbiamo una bella fetta di cielo sovraesposta ma dal momento che il nostro istogramma di origine era praticamente perfetto non abbiamo nessuna difficoltà nel riportare i valori dei pixel sovraesposti a quote accettabili.

Diamo più tridimensionalità e più contrasto all’immagine con il modulo Equalizzatore. In questo caso ho semplicemente richiamato il preset nitidezza (sharpen) e il gioco è fatto!

Le ombre vengono ben marcate e la nitidezza generale viene aumentata esaltando la superficie scabrosa dei blocchi di granito.

E ora il tocco epico!

Con il modulo Bloom andiamo ad esaltare le alte luci. Provate a giocare un po’ con i cursori perché, come spesso accade, quando si applica un modulo l’effetto tende ad essere sempre molto marcato.

La luce sopra il bastone della scultura diventa una fonte luminosa importante che restituisce un risultato degno di nota e adeguato alla situazione.

L’artista che aveva progettato il monumento sarebbe sicuramente orgoglioso di noi.

Ora, se volete, potete passare l’immagine a GIMP per rimuovere diversi punti di distrazione.

Macchie di umidità, sporco, elementi che disturbano.

Per le modifiche importanti e su vaste aree io utilizzo l’ottima suite di filtri G’MIC con la funzione Inpaint [patch-based] che è un ottimo sostituto del vecchio Resinthesizer.

Per i ritocchi fini su piccoli particolari lo strumento Cerotto di GIMP.

Il risultato finale!

Un’allegoria del fiume Neva alla base di una delle due colonne rostrate a San PIetroburgo, gioiello europeo (e italiano!) in terra russa.

darktable, mappatura dei colori

2019-02-22T12:10:00+00:00

Per un piccolo progetto che ho realizzato mi sono trovato ad aver bisogno di una fotografia ben particolare.

Volevo visualizzare - dal punto di vista di un navigante - l’arrivo ad un approdo.

L’immagine è pensata come l’illustrazione di un passo ben preciso di un libro quindi deve rispettare (per come l’ho visualizzata io nella mia immaginazione) dei canoni ben precisi:

il mare deve essere calmo,
la costa deve essere montuosa,
la scena deve svolgersi al tramonto.

Non potevo, chiaramente, permettermi di organizzare un viaggio al mare e pagare un pescatore per farmi portare al largo (al tramonto) e fotografare la scena ma… dal momento che la fotografia non è mai veritiera ho sfruttato questa cosa ai miei fini.

Tra le numerose fotografie che ho in archivio ho recuperato questa che fa esattamente al caso mio!

Una foto realizzata mesi prima

Non siamo al mare e (per dirla tutta) io non sono neppure in barca.

La foto è stata scattata al Lago di Como con un forte teleobiettivo per avvicinare la sponda opposta.

La superficie dell’acqua è tranquilla e i monti si perdono tra la foschia del mattino. Molto bene! Sembra proprio la scena vista da una barca che si sta dirigendo verso la costa.

Resta il problema del tramonto.

Non potevo assolutamente transigere su questo fatto perché il testo precisa ben chiaramente che la scena che io voglio rappresentare si svolge al tramonto.

Per fortuna, quando si parla di luce, la fotografia digitale permette quasi sempre un buon spazio di manovra. E qui entra in gioco il modulo mappatura dei colori di darktable.

Questo modulo da il meglio di sè quando si tratta di riprodurre una luce molto particolare, di atmosfera (tramonti o albe, temporali, ecc.) e su foto fatte in esterno. Nulla vieta - però - l’utilizzo più creativo con foto anche molto diverse tra di loro: i risultati potrebbero sorprendervi!

In pratica si tratta di trasferire uno schema di colori da una foto all’altra.

L’operazione in sè è molto semplice.

Apriamo una fotografia con la luce giusta, quella che vorremmo trasferire alla nostra foto di destinazione e portiamoci in modalità camera oscura.

Attiviamo il modulo mappatura dei colori.

Selezioniamo un’immagine con le giuste tonalità di colore

Nella parte alta del modulo troviamo dei rettangoli ciascuno diviso in nove rettangoli più piccoli. Ogni rettangolo viene definito cluster.

Possiamo scegliere di prelevare il colore con un minimo di UNO fino ad un massimo di CINQUE cluster. Se ne selezionate uno solo la foto di destinazione avrà una forte dominante cromatica mentre se aumentate il numero di cluser verranno trasferiti anche le tonalità più tenui.

Infatti - da sinistra a destra - il modulo registra le tonalità di colore dalla più forte alla più delicata. Nel mio caso i cluser sono praticamente tutti in tono arancione perché la foto contiene vaste aree di arancione. Notate però che gli ultimi due cluser sulla destra contengono la mappa dei toni del mare.

Per acquisire le tonalità della fotografia occorre usare il pulsante Acquire as Source (acquisisci sorgente): i cluster verranno colorati nel giro di qualche secondo.

Andate quindi sulla foto da manipolare e aprite il modulo mappatura dei colori.

I colori della foto di origine sono applicati su quella di destinazione

Noterete che i cluster in alto hanno memorizzato i valori registrati sull’immagine precedente.

Cliccate su Acquire as target (acquisisci come destinazione) per trasferire la mappa dei colori.

La vostra fotografia si colorerà nel giro di qualche istante!

Solitamente il modulo restituisce un risultato con colori molto vivaci. Potreste, a questo punto, scegliere di mitigare un po’ l’effetto.

Ad esempio, qui sotto ho applicato una maschera di fusione in modalità normale riducendo l’intensità della maschera stessa all‘85% per un effetto più naturale.

Il risultato finale!

AAA contenuto cercasi

2019-01-30T15:29:00+00:00

Più il mio cammino si fa lungo e più la meta mi sembra lontana.

Questo mi succede quotidianamente per qualsiasi cosa e, quindi, la fotografia non fa eccezione.

Sono passate da poco le 6 del mattino. Sto facendo una colazione che mi permetta di iniziare decentemente la solita giornata lavorativa e sfoglio distrattamente il telefono.

L’amministratore di un folto gruppo FB fotografico di paesaggisti posta una frase tipo: aiuto! fatemi capire il senso di fare foto di paesaggio con la palla di vetro davanti.

La risposta più ovvia che mi viene in mente è questa: lo fanno per cercare di fare una foto di paesaggio che non sia la solita foto di paesaggio.

La domanda è più che logica: ormai la foto di una scena con la palla di vetro davanti la fanno tutti. Una volta era una novità ma ora… è diventata una cosa scontata. Vista una, viste tutte!

Però non lascio un commento perché, subito dopo, mi sovviene che su quel gruppo vengono postate solo foto di paesaggio iper-sature, super-definite (i preset di Lightroom sono una panacea in questi casi, vi consiglio vivamente di acquistarne subito un paio per la modica somma di $89,99). La stessa foto dello stesso soggetto con lo stesso tramonto scattata da venti fotografi diversi. Ognuna che differisce dall’altra perché è stata fatta in un giorno diverso o ad un’ora diversa. L’inquadratura, questo devo ammetterlo, non è effettivamente la stessa: sicuramente i due fotografi hanno variato la posizione (si vede chiaramente!) di 15 forse anche 20 centimetri!

Un vecchio molo in cemento, rosicchiato dalla salsedine, si inoltra in mare. Sullo sfondo Favignana e Levanzo. Un modo diverso di vedere la Sicilia

Allora penso che, almeno, quello con la palla di vetro ha provato ad azzardare qualcosa di più (anche se trito e ritrito) e passo oltre. Come dice il grande McCurry: chi sono io per giudicare?

Il confine tra mare e cielo è sottile ed appena percettibile. La foschia autunnale pone un grigio velo sui colori sfavillanti di poche settimane prima

É il giorno della memoria (27 gennaio N.d.A.) e decido di condividere un post (chissà da dove arriva…) che mi piace molto. Mi piace ciò che c’è scritto ma mi piace ancora di più l’immagine che lo accompagna.

É un vagone merci: quelli che vengono usati per trasportare il materiale o il bestiame. É abbandonato su un binario. Le porte chiuse. Le aperture per la ventilazione sbarrate. La luce è quella del tramonto. Il fotografo ha il sole alle spalle quindi la sua ombra viene proiettata sul lato del vagone. É solo un’ombra; una soltanto a rappresentare le centinaia o migliaia di ombre che hanno visto in quel vagone una speranza, e invece vi hanno trovato la morte.

Chissà se lo sconosciuto fotografo è cosciente di ciò che ha fatto… Non credo proprio. Non ha neppure messo i dati di scatto!

Scatto effettuato alle 19:37. Temperatura esterna 16°C in lieve calo. Umidità 89,54%. Fotocamera con sensore FF (e che ca**o!) prodotta nel nord del Giappone. Peso 457 gr. Obiettivo a focale fissa (lo zoom è roba da plebeo, fattene una ragione!) con lenti in cristallo di Boemia soffiate artigianalmente. Trattamento superficiale al plutonio impoverito. Apertura max F0.5 o un po’ di più.

Non capisco mai se questi appassionati ambiscono a scrivere articoli per qualche rivista tecnica di nicchia o semplicemente cercano una ragione per giustificare la mazzetta di bigliettoni inceneriti per acquistare attrezzatura che non ha neppure la NASA!

O forse questo è veramente ciò che serve per fare una bella fotografia! Chi sono io per giudicare?

Chissà se Leonardo dietro ai suoi schizzi ha scritto: fatto con carboncino di betulla cotta nel braciere di mastro Pollini in Montepluciano. Sfumature create con l’indice sinistro dopo doppia applicazione di crema idratante alla mandorla sicula. ecc.

La folla si muoveva lenta e ordinata sollevando polvere

Forse stiamo perdendo di vista la meta.

Comunque puoi sempre esternare le tue doti artistiche facendo foto in bianco e nero.

Facci caso, in giro è ZEPPO di fotografie in bianco e nero. Oppure dovrei dire di fotografie in grigio.

Perché se lo hanno chiamato bianco e nero un motivo ci sarà (io penso). Se pubblichi una foto grigia forse non hai le idee troppo chiare (o forse non hai semplicemente acquistato il giusto preset a $89,99. Cerca meglio!)… anche se tu sei un artista e gli artisti hanno una spiegazione per tutto (che io, non facendo parte dell’èlite, non riesco sempre a capire) e se non c’è una spiegazione c’è sempre la licenza poetica.

Peccato che il bianco e nero sia un campo molto difficile!

Noi non vediamo in bianco e nero ma a colori. Le immagini in bianco e nero non rappresentano quindi la realtà ma un concetto, un’idea, una forma, una sfumatura.

Se con una foto a colori ce la possiamo anche cavare, con una foto in bianco e nero NO.

Maschera tragica tra le rovine di Pompei. La scultura è opera dell’artista Igor Mitoraj

Mi auguro dunque di trovare sempre meno scatole vuote e sempre più contenuti (anche senza scatola vanno benissimo!).

Qualcosa che vada oltre il puro esercizio tecnico di un macchina con obiettivo da 5.000 Euro.

Qualcosa che vada oltre la dimostrazione che si padroneggia perfettamente l’arte della post-produzione (oppure che si è acquistato il giusto preset a $89,99 tanto non se ne accorge nessuno…).

Qualcosa che vada oltre lo scontatissimo selfie (McCurry non si permette di giudicare perché semplicemente non se ne cura neppure).

Organizzare un archivio fotografico

2019-01-22T12:26:00+00:00

Una domanda che viene spesso posta da chi si avvicina al mondo della fotografia digitale riguarda le modalità di archiviazione dei files.

Effettivamente la possibilità di catturare immagini a costo zero ha causato una importante sovrabbondanza di immagini (nel nostro caso di files) che devono essere organizzate pena l’oblio…

Al netto delle operazioni che è utile fare per una buona conservazione dei files e che spiego più in dettaglio in questo articolo, in questo articolo vorrei parlare di organizzazione delle cartelle sul filesystem e delle possibilità che il software darktable mette a disposizione del fotografo.

Quella che segue è la MIA opinione! Il MIO metodo di lavoro.

Non esiste una regola universale: la cosa più importante è che il metodo che sceglierai di seguire sia comodo per le TUE necessità.

Il filesystem

La prima regola generale che mi sento di dare per l’organizzazione delle cartelle è questa:

Segui la filosofia KISS!

(Keep It Simple, Stupid!)

Se organizzate il filesystem con una moltitudine di cartelle e sotto-cartelle prima o poi ne rimarrete schiacciati! Non ricorderete più dove avete messo certe cose e inizierete ad avere dei dati ridondanti o archiviati con logiche diverse. Perderete molto tempo nel cercare quella foto e, nel caso peggiore, non la ritroverete più!

Io ho strutturato il mio archivio fotografico ad UN livello soltanto:

Cartella radice
   ->  Cartella 1
   ->  Cartella 2
   ->  Cartella 3
   ->  Cartella n

Ogni sotto-cartella è organizzata come se fosse un rullino. Questo perché per me è facile ricordare in quale occasione ho scattato una certa fotografia. Dopo ogni uscita fotografica, quindi, svuoto le mie schede di memoria in una cartella dedicata.

Non mi importa se la cartella contiene 3 immagini o 300, l’importante è che ogni cartella contenga le immagini relative ad una ben precisa uscita fotografica.

Le cartelle vengono poi rinominate in modo rigoroso:

<anno>-<mese> <breve titolo>

Ad esempio:

Archivio
   -> 2018-01 Roma
   -> 2018-02 Foreste Casentinesi
   -> 2018-02 Andrea
   -> 2018-03 Fiume Po

In questo modo avete una serie di vantaggi:

La struttura del filesystem rimane semplice da navigare e molto pulita.
Le cartelle vengono visualizzate in modo cronologico dal PC (e nello stesso tempo anche voi avete visivamente l’informazione anno/mese in evidenza).
C’è un titolo (breve, mi raccomando!) che vi aiuta a ricordare una particolare occasione.

Quanto sopra è più che sufficiente, ora passiamo al software, che farà tutto il resto.

Organizzare con darktable

darktable non è un DMS (Digital Management System) quindi non ha funzioni avanzate come il riconoscimento dei visi ma neppure funzioni più semplici come la possibilità di sfogliare l’albero delle cartelle così com’è organizzato sul filesystem.

Ciò nonostante sono presenti numerosi strumenti che vi permetteranno di lavorare con profitto.

I rullini

Innanzitutto quando darktable importa il contenuto di una cartella dal filesystem lo organizza in un rullino.

L’importazione non tocca mai i vostri files ma - semplicemente - ne riporta le informazioni sul database interno di darktable

Anche in questo caso è importante non fare confusione: la parola importa significa che darktable importerà sul proprio database le informazioni relative alle immagini contenute in una data cartella. Non verrà importato fisicamente niente e le vostre cartelle sul filesystem non verranno neppure sfiorate!

Nel mio caso ogni rullino corrisponde ad una sola cartella sul filesystem (questa cosa non è vincolante perché potete importare in un rullino anche due o più cartelle fisiche).

Questo è importante da capire: ogni rullino di darktable non è necessariamente legato ad una singola cartella fisica! Ciò che vedete all’interno del tavolo luminoso di darktable è una raccolta di immagini che può essere strutturata in vari modi e può non corrispondere assolutamente all’organizzazione dei files sul vostro harddisk!

É anche per questo motivo che non vi consiglio di impazzire con l’organizzazione dell’albero delle cartelle sul PC… i software come darktable hanno strumenti potenti e flessibili per permettervi di organizzare le foto come meglio credete.

Quando siete in modalità tavolo luminoso darktable visualizza - in maniera predefinita - tutte le foto contenute nel rullino che avete scelto di visualizzare.

Usare le stelle per scremare

É possibile attribuire un indice di gradimento per ogni singola immagine usando il sistema delle stelle (da zero a cinque).

Dalle opzioni globali è possibile scegliere quante stelle attribuire automaticamente alle fotografie al momento della loro importazione in darktable (predefinita UNA).

Per aggiudicare un certo giudizio ad ogni fotografia è possibile cliccare sull’icona della stella corrispondente (ad esempio sulla terza per attribuire alla foto tre stelle) quando queste vengono visualizzate sul tavolo luminoso al momento del passaggio del mouse su ogni singola immagine.

É anche possibile (e molto più comodo) attribuire le stelle con la tastiera premendo il numero corrispondente a quello delle stelle da assegnare.

Per scartare un’immagine (non cancellerete nulla dal vostro disco) avrete a disposizione un’apposita icona.

L’icona per scartare un’immagine (a sinistra) e le stelle per attribuire una valutazione: in questo caso 2

Utilizzate le stelle e l’icona X per fare una selezione delle immagini così come fareste con una serie di provini.

Impostando i corretti filtri sarà successivamente possibile visualizzare solamente le foto con una certa valutazione.

Visualizzare solo ciò che serve per il lavoro che stiamo svolgendo riduce le distrazioni e focalizza l’attenzione.

Un’eventuale filtro sulle stelle (vedi sopra) agisce solo all’interno del rullino attivo.

Segnalini colorati

Ad ogni immagine è inoltre possibile associare una o più etichette colorate (max 6).

A cosa servono le etichette colorate?

Potete utilizzare le etichette per effettuare dei raggruppamenti all’interno del medesimo rullino. Ad esempio, siete stati un fine settimana a Venezia e avete portato a casa trecento fotografie. Le avete scremate utilizzando le stelle e ora dovete individuare dei sotto-temi (ad esempio volete raggruppare tutte le foto fatte di notte, e poi tutte quelle da convertire in bianco e nero, e poi ancora tutte quelle fatte durante la gita a Burano). Le etichette colorate sono l’ideale!

Le etichette colorate vi aiutano a creare dei sotto-gruppi all’interno di ogni rullino.

Potete assegnare ad ogni fotografia un’etichetta soltanto o anche più di una (ad es. una foto fatta di notte potrebbe anche essere candidata alla conversione in bianco e nero).

Come per le stelle, è possibile attribuire un’etichetta colorata alla fotografia cliccando con il mouse sul colore desiderato oppure utilizzando la tastiera (tasti da F1 a F6 nell’ordine in cui i colori sono visualizzati qui sopra).

F1 per il rosso, F2 per il giallo… F6 per il grigio chiaro.

Ovviamente è possibile ordinare le fotografie anche per colore.

Utilizzando alternativamente diversi metodi di ordinamento è possibile valutare le immagini in tanti modi e con molta più comodità e rapidità rispetto a quando era necessario, invece, spostare le stampe su di un largo tavolo o sulla parete.

Ordinare per segnalini (oppure con le stelle) agisce solamente all’interno del rullino attivo.

Raggruppamento

Grazie al pulsante () è possibile raggruppare le immagini.

Selezionare le immagini desiderate (con Ctrl+click oppure Maiusc+click) quindi premere il pulsante (). Le immagini raggruppate verranno visualizzate - appunto - in un unico gruppo con un bordo colorato che le comprende tutte.

A cosa serve raggruppare le immagini? A vostra scelta!

Raggruppare le immagini potrebbe servire per creare dei sottogruppi omogenei all’interno di un certo progetto (ad esempio foto simili quando ancora non sapete quale tenere).

Il raggruppamento viene anche impostato automaticamente da darktable quando sviluppate un raw in diversi modi. Ad esempio volete vedere come risulta un file a colori e anche in bianco e nero, oppure lo volete sviluppare a colori secondo uno stile molto neutro e poi valutarlo sia in bianco e nero che con uno stile molto particolare.

darktable visualizzerà i tre risultati raggruppandoli.

Le etichette

Quanto sopra è molto utile per organizzare le vostre singole raccolte (i rullini) ma presto arriverà la necessità di organizzare le immagini in modo più articolato e - perché no - in modo trasversale su più rullini.

Per fare questo darktable mette a vostra disposizione uno strumento molto potente: le etichette (o tag).

Chiamatele come volete, ma le etichette sono degli attributi che potete assegnare alle immagini in modo assolutamente libero e arbitrario per identificarle.

Potreste voler assegnare l’etichetta mare ad ogni foto dove compare il mare, oppure l’etichetta alberi a foto di boschi o alberi singoli, oppure ancora l’etichetta tramonto a foto fatte nell’ora del tramonto.

In questo modo inizierete a catalogare le vostre immagini in maniera molto semplice.

Ad esempio un’immagine potrebbe aver associato sia l’etichetta mare che l’etichetta tramonto (sarebbe veramente dura fare una cosa del genere rinominando delle cartelle o dei files…).

Le etichette, inoltre possono essere singole o nidificate: e qui iniziamo ad entrare nel bello di questa funzione!

Altro esempio: per sviluppare i miei progetti posso utilizzare delle etichette singole come Etna, Roma, Matrimonio Giulia e Claudio, ecc. ma - meglio ancora - potrei categorizzarli così:

Progetti

  -> Etna

  -> Roma

  -> Matrimonio Giulia e Claudio

Per fare questo ? sufficiente indicare a darktable la struttura ad albero utilizzando il simbolo (|) pipe, quindi

Progetti | Etna
Progetti | Roma
Progetti | Matrimonio Giulia e Claudio

Selezionando l’etichetta Etna visualizzerò tutte le fotografie che ho scelto per costruire il progetto Etna ma, se seleziono l’etichetta Progetti, allora visualizzerò tutte le fotografie che ho selezionato perché voglio includerle in un qualche progetto.

Una stessa etichetta può essere assegnata a fotografie che si trovano su rullini differenti! Ciò significa che, assegnando una particolare etichetta a foto che si trovano su diversi rullini, è possibile visualizzarle tutte insieme richiamando l’etichetta stessa!

Non so se hai letto il mio articolo sui progetti posteriori ma pensate all’utilità di un sistema come questo per costruire un progetto in itinere!

darktable, inoltre, assegna delle etichette automaticamente per facilitarvi la catalogazione delle fotografie in base ad informazioni ‘standard’.

Ad esempio: i files vengono etichettati in base alla loro estensione così se volete selezionare tutti i JPG, oppure tutti i TIFF o tutti gli EXR potete farlo in un secondo.

Se applicate uno stile ad un’immagine questo viene categorizzato. Potete quindi trovare in un attimo tutte le immagini alle quali avete applicato lo stile predefinito Ilford Delta 3200 ecc.

Se siete appassionati di ritratto potreste etichettare le fotografie con i nomi dei vostri modelli:

Modelli | Anna
Modelli | Sofia
Modelli | Stefano

Cliccando su Modelli potrete visualizzare tutti i vostri ritratti, cliccando invece sul nome del modello (o della modella) potrete vedere tutte le foto fatte a quella persona anche nel corso di più sessioni.

darktable 2.6 ha portato anche diverse migliorie nella gestione e interrogazione delle etichette che potete trovare QUI.

Lo strumento che vi permette, in modo semplicissimo ma estremamente rapido, di raggruppare le fotografie in base alle etichette, ai colori o a diversi altri tipi di informazione lo trovate nella colonna di sinistra del tavolo luminoso e si chiama Raccolta immagini

Raccolta Immagini è un modulo semplicissimo ma molto potente.

Anche Raccolta Immagini, come tutti gli altri moduli di darktable ha la possibilità di memorizzare i criteri di ricerca (che potrebbero anche essere molto complessi) mediante il pulsante ().

Per entrare nel dettaglio di ogni singola funzione il manuale di darktable può essere consultato QUI.

Buon divertimento!

Mosso creativo

2018-11-18T11:20:00+00:00

Il discorso fatto precedentemente riguardo la nitidezza delle immagini vale anche per la messa a fuoco.

Non sempre una fotografia perfetta dal punto di vista tecnico risulta piacevole anzi, a volte, deturpando in modo opportuno l’immagine è possibile rendere interessante una scena diversamente banale!

Il buio della notte può aiutare ad esaltare i colori e nascondere uno sfondo poco interessante o troppo caotico.

Reggio Emilia, la fontana davanti al Teatro Valli ripresa con la tecnica dello sfocato creativo.

Macchina fotografica sul cavalletto, un tempo di posa sufficientemente lungo e una rotazione dall’alto al basso della macchina durante lo scatto. In questo caso ho anche sfocato molto e ho interrotto la rotazione poco prima che la tendina si chiudesse per catturare i bokeh dei lampioni sullo sfondo.

Tenendo la macchina in mano, invece, l’effetto è completamente diverso!

Reggio Emilia, la fontana davanti al Teatro Valli ripresa con la tecnica del mosso intenzionale.

In questo scatto, infatti, ho mosso la macchina un po’ a caso e - il fatto di non averla fissata ad un supporto stabile - ha causato un bel mosso irregolare nelle luci bianche.

Con la macchina in mano siete liberi di sperimentare i movimenti più disparati!

Sempre usando il cavalletto, invece, si può sperimentare la più famosa (e sfruttata) zoomata.

Reggio Emilia, zoomata notturna sulla fontana di fronte al Teatro Valli.

Chi vive a Reggio Emilia può riconoscere il luogo abbastanza facilmente…

Come si suol dire: poca spesa… tanta resa! Scatti minimali realizzati veramente con facilità ma piacevoli.

Mi sono anche permesso - in post-produzione - di calcare la mano caricando molto i colori. Questa operazione, che può rendere brutte e artificiali le foto, ha un significato completamente diverso nel caso di un’immagine astratta dove il colore assume una connotazione propria e che può servire a caratterizzare la foto stessa diventando, insieme alle forme, il soggetto principale.

La tecnica del mosso creativo funziona anche nel caso inverso, ovvero se la macchina fotografica è ferma ma è il soggetto a muoversi.

Lago di Como, il volo di un gabbiano ripreso con un lungo tempo di posa.

In questo caso un gabbiano che volava verso di me è stato fotografato con un tempo abbastanza lento da registrare il minimo possibile.

Si intuisce appena il contorno dell’animale. Si capisce che si tratta di un uccello in volo ma niente di più (sì, è un gabbiano solo, non sono due! Ve lo assicuro).

Il cielo nuvoloso ha creato un fondale uniforme che mi ha fatto decidere di convertire l’immagine in bianco e nero per ottenere una foto molto astratta ma che comunque parla di volo.

Borghetto (Mantova). Un gabbiano ripreso in volo con la tecnica del panning e un tempo di scatto lungo.

Qui sopra c’è un terzo caso. Ora iniziamo a fare un po’ di filosofia…

In questo caso si muovevano sia la macchina fotografica che il soggetto. Lo sfondo è reso uniforme con un panning (in questo caso l’uccello volava dalla mia destra verso la mia sinistra) risultato dall’inseguimento che ho dovuto fare con la macchina verso il soggetto.

L’animale è molto ben riconoscibile. Oltre alle ali si distinguono bene la testa con il becco giallo e gli occhi. Il movimento delle ali e dello sfondo rende bene l’idea di velocità. In questo caso non possiamo parlare di fotografia astratta ma siamo comunque piuttosto fuori dai classici schemi.

E poi… non ci rimane che l’ultimo esperimento di mosso creativo:il mosso non mosso!

Un rametto di faggio congelato dalla luce del flash permette di muovere tutto il resto del bosco

In questo caso nessuna stregoneria! Si tratta solo di fare una doppia esposizione (ma in uno scatto solo!).

Montate il flash sulla macchina - va bene anche il flash integrato - e regolatelo affinchè si azioni sulla seconda tendina.

Tenete in mano un oggetto, mettetelo davanti alla fotocamera e iniziate a muovervi o a ruotare, come in questo caso.

Con un tempo sufficientemente lungo lo sfondo verrà registrato mosso mentre il primo piano verrà congelato dallo scatto del flash.

Sperimentate! e buon divertimento.

Fotografia e verità

2018-10-28T12:40:00+00:00

L’accostamento delle parole fotografia e verità mi ha sempre intrigato molto e quando mi sono trovato davanti la Cattedrale di Cristo Salvatore a Mosca ho avuto modo di riflettere ulteriormente su questa cosa.

La costruzione della cattedrale risale alla metà del 1800 e la sua demolizione a suon di dinamite al 5 dicembre 1931. Le cronache russe raccontano che servì circa un anno di tempo per sgomberare l’area dalle macerie.

Al suo posto sarebbe dovuto sorgere un avveniristico palazzo. Peccato che la Moscova allagò i vasti scavi delle fondamenta e così Nikita Chruscev decise di realizzare un’immensa piscina.

Solo nei primi anni 90 (questa è storia dei nostri giorni) vennero iniziati i lavori per la sua ricostruzione che terminò con la consacrazione ufficiale dell’edificio sacro nel 2000

Tutto questo preambolo per dirvi che…

La cattedrale è una copia!

Una copia fedelissima all’originale, certo, ma comunque una copia.

Voi vedete una cattedrale uguale a quella cattedrale ma che non è quella cattedrale.

Non so se mi spiego… l’occhio del turista distratto è appagato ma la mente della persona un po’ più informata no! La fotografia qui sopra è il più grande fotomontaggio che io abbia mai toccato con mano!

Il confine tra verità e menzogna, in questo caso, è veramente sottile e pretestuoso (in fondo la Cattedrale di Cristo Salvatore oggi è quella) ma è bene ricordare che non è sempre così.

Non faccio riferimento solo ai fotomontaggi in senso stretto, alla digital art, agli strumenti che oggi abbiamo per creare realtà virtuali al 100% ma mi riferisco al fatto che la fotografia, spesso e volentieri, mente. E qualcuno ancora si ostina a dire che la post-produzione è un male perché le fotografie devono essere naturali, intonse così come il sensore (o la pellicola) le registra…

Ogni fotografia mente semplicemente per il fatto che vi mostra un piccolo riquadro di realtà così come la vede il fotografo.

Ma soprattutto mente perché non potete vedere ciò che non c’è, e ciò che il fotografo ha deciso di lasciare fuori dall’inquadratura non lo saprete mai.

Anche senza alcuna post-produzione, quindi, una fotografia mente sempre almeno un po’.

Il gabbiano in volo

Un gabbiano si libra leggero, ali spiegate al vento, nel cielo terso

Cosa c’è di più riconoscibile - nell’immaginario di ognuno di noi - di un bianco gabbiano che si libra nel cielo estivo colorato di un blu intenso?

La fotografia qui sopra è un classico archetipo.

Osservandola si sente il profumo della salsedine, le voci dei bambini che giocano sulla spiaggia, il vento sulla faccia e il calore del sole che brucia la pelle.

Praticamente tutti siamo in grado di fare una fotografia del genere dalla spiaggia e, per questo motivo, il pensiero di ognuno corre al mare.

Eppure, se vi devo svelare il segreto (!?) di questa fotografia, devo dirvi che il gabbiano l’ho fotografato vicino a casa mia.

E come hai fatto a trovare un gabbiano a Reggio Emilia??

L’ho cercato nello stesso posto in cui andrei a cercarlo in una qualunque città lontano dal mare… in una discarica di rifiuti.

E il cielo azzurro estivo??

Era un cielo grigio, lattiginoso di metà primavera che la conversione in bianco e nero ha reso irriconoscibile.

E la salsedine? E le risate dei bambini che giocano? E il sole che brucia la pelle?

Fetore di rifiuti, rumore di ruspe al lavoro e una bella giacca pesante per ripararsi dalla temperatura ancora troppo bassa per una maglietta con le maniche corte!

State in guardia dal fotografo!

Siete proprio sicuri che l’inganno sia celato dietro un po’ di post-produzione?

Lo smartphone e la fotografia

2018-10-09T13:13:00+00:00

Finalmente si è esposto un fotografo famoso

…e ora tantissimi saranno sicuramente d’accordo con lui, anzi, lo saranno sempre stati!

Salgado afferma che lo smartphone non c’entra niente con la fotografia.

Io condivido assolutamente il suo pensiero.

Non ho niente contro lo strumento, per carità. Uso anche io lo smartphone quando non ho la macchina fotografica con me e ho bisogno di riprendere qualcosa al volo, così come mi capita di usarlo per fare prove ed esercizi.

Quello che non mi piace dello smartphone è che oggi tutti pensano di essere diventati fotografi… niente di più falso!

Di fotografie - oggi - se ne vedono ben poche! Intendo fotografie vere, quelle che ti riempiono la testa ed il cuore. Quelle che ti fanno pensare, che ci ragioni anche il giorno dopo per capire perché quella e non un’altra.

Quelle che testimoniano qualcosa, che lasciano il segno, che parlano di cose che non ci sono più o che sono così diverse da essere irriconoscibili, che diventano memoria (per usare le parole del grande fotografo)

E oggi?

Oggi ci si vuole uniformare a più non posso.

Scatto una foto insignificante e giù con effetti vintage, filtro bellezza, preset di software per l’elaborazione grafica che non so neppure da che parte si inizia…

Almeno la mia foto insignificante sarà una foto insignificante ma con i colori alla moda (perché in fondo è la moda che ci interessa), tanto insignificante che dopo dieci minuti non esisterà più neppure per me!

Se qualcosa non vale niente per te non vale niente per nessuno.

Mi dicono che oggi circa 800.000.000 (ottocentomilioni) di fotografie vengono caricate su Internet ogni giorno. Quanta fatica sprecata! Quanto spazio su disco inutilmente occupato!

C’è una soluzione?

Non saprei neppure se a tutto questo serve una soluzione…

Di sicuro so che ci sono persone che la fotografia ancora la amano. Che fanno fotografie (o che, almeno, ci provano). Che mettono nelle loro fotografie l’impegno che serve a raccogliere un’immagine degna di nota.

Lasciate perdere tutto questo caos!

I vostri selfie non interessano a nessuno, ve lo assicuro.

Aprite gli occhi (e il cuore).

Ignorate le mode e cercate un sentiero non battuto.

Imparate, provate, cadete e riprovate.

Non si può mai attraversare l’oceano se non si ha il coraggio di perdere di vista la riva.

—Cristoforo Colombo

darktable e la riduzione del rumore

2018-08-23T15:01:00+00:00

Il rumore negli scatti ad alti ISO

Uno dei problemi che vi troverete a dover risolvere scattando immagini con poca o pochissima luce è la presenza del rumore ovvero la presenza di pixel che non hanno registrato con esattezza il colore della scena e che compaiono pertanto completamente verdi, rossi o blu.

Se scattate usando dei tempi di esposizione lunghi il rumore inizierà a vedersi (perché il sensore della macchina si scalda maggiormente rispetto ad uno scatto breve) ma i peggiori risultati li otterrete scattando ad alti valori ISO.

Il rumore si può rimuovere in post-produzione anche se questa operazione comporta la perdita di dettaglio: anche in questo caso, quindi, l’operazione di riduzione del rumore sarà un compromesso tra la quantità di rumore stesso e la qualità dell’immagine finale.

darktable non ha un’interfaccia a cursore singolo come RawTherapee o il più noto Lightroom. Benchè diversi utenti lamentino questa cosa come una inutile complicazione del processo di sviluppo del file raw, io la ritengo un grosso punto di vantaggio perché ogni singola fase del processo stesso è nelle nostre mani.

Per dimostrare come darktable può ridurre il rumore digitale ho scelto una foto della via lattea (perciò fatta in ambiente estremamente buio) a 6400 ISO con un sensore APS-C. L’obiettivo è quello di ridurre sì il rumore ma conservando sufficienti dettagli nella parte molto buia del bosco e, soprattutto, nel cielo stellato.

Quando devo eseguire operazioni particolarmente complesse o ripetitive preferisco iniziare da un punto di partenza già pronto per poi aggiustare il tiro.

datktable e gli stili

Uno stile in darktable è una configurazione per un insieme di moduli.

La più grossa raccolta di stili per darktable su internet si trova su dtstyle.net.

Perché uno stile e non un semplice preset per un modulo? Perché non solo darktable non ha moduli con un singolo cursore ma, a volte, ha più moduli per fare la stessa cosa :-)

Difficile? No, semplicemente in questo modo si hanno moduli molto specializzati per fare una cosa soltanto che può essere fatta estremamente bene.

Nel mio caso utilizziamo unicamente il modulo Riduzione rumore profilato applicato in più istanze (per la precisione TRE): ognuna di queste risolverà un problema specifico.

Schermata di darktable con la riduzione del rumore ad alti ISO

La prima applicazione del modulo non cambia di molto l’immagine (a sinistra quella originale, molto rumorosa).

La correzione viene applicata in modalità ‘non local means‘ usando una maschera di fusione ‘media‘ con intensità al 50%

Non local means agisce soprattutto sulla luminosità ed è per questo motivo che gli effetti non sono molto visibili (l’immagine è tutto fuorchè luminosa)

Schermata di darktable con la riduzione del rumore ad alti ISO

La seconda applicazione del modulo migliora l’immagine di parecchio!

La modalitè ‘Wavelets‘, infatti, agisce soprattutto sul colore. Anche in questo caso viene usata una maschera di fusione (Luminositè HSV) con intensitè ridotta al 50%

Andiamo quindi a rimuovere il rumore di crominanza (colore) ma filtrandolo per luminositè.

Questa singola applicazione del filtro è decisamente buona e potrebbe rendere inutile la prima.

Schermata di darktable con la riduzione del rumore ad alti ISO

L’ultimo passaggio è di nuovo ottimo!

In questo caso il modulo viene sempre applicato in modalitè ‘Wavelets‘ ma con una maschera di fusione ‘Colore HSV‘.

Andiamo quindi ad agire sul rumore di crominanza vero e proprio (tra l’altro senza mitigare l’effetto della maschera che viene lasciata al 100%).

Per concludere

Con un buon punto di partenza si possono ottenere migliori risultati in meno tempo.

Un punto di partenza, inoltre, vi aiuterà a capire come effettuare certe operazioni.

Iniziate quindi applicando uno stile per poi provare a disattivare/riattivare i singoli moduli per osservarne il risultato. Cambiate anche i parametri dei vari moduli, l’intensità degli effetti, le maschere di fusione per cercare il massimo del risultato. Se trovate una configurazione che funziona particolarmente bene salvatela come stile (se necessita l’utilizzo di più moduli insieme) o come preset (se riguarda un modulo solo) così da non dover procedere per tentativi anche la volta successiva.

Backup delle fotografie - lftp

2018-08-11T17:37:00+00:00

Hai la passione delle fotografie

e ne hai salvate a centinaia (se non a migliaia) sul tuo disco rigido.

Fai dei backup regolari?

Sei sicuro di essere al riparo da eventuali problemi del disco o, molto banalmente, da una cancellazione involontaria?

Dovresti salvare con una certa regolarità tutti i tuoi files più o meno importanti (non solo le tue fotografie) ma mi accorgo sempre più che sono veramente poche le persone che lo fanno.

Perché?

Devo ammettere che anche a me non è mai successo nulla… non mi si è mai rotto un disco rigido… non ho mai preso un virus distruttivo… qualche volta ho cancellato un file per errore ma quasi sempre sono riuscito a recuperarlo.

Il backup e gli estintori

All’inizio della mia carriera lavorativa vendevo valvole per estintori.

Per questo motivo ero (ovviamente) in contatto con decine e decine di costruttori di estintori.

Quelli seri producevano degli apparati piuttosto cari, quelli meno seri degli apparati più economici e gli altri… sì, c’erano anche gli altri…

Se ci pensate bene, però, l’estintore può rimanere appeso al muro per una vita (fate i controlli regolarmente!) e quindi potrebbe sembrare uno spreco di denaro ma - in caso di bisogno - potrebbe essere la linea di demarcazione tra un problema e una tragedia.

Quindi, avere un estintore carico e controllato a portata di mano è una bella sicurezza!

Il nostro estintore

Noi non andremo ad indagare quale software di backup utilizzare e quale metodo seguire. Ognuno di noi è libero.

Voglio darvi uno spunto diverso. Andremo a creare un archivio di immagini parallelo a quello che utilizziamo tutti i giorni.

Perché questo?

Perché potete crearlo su un disco esterno e rendere fruibile le immagini ad altri in casa vostra anche quando il vostro PC è spento oppure perché potreste voler condividere questo disco esterno via ftp o attraverso un media server.

Inoltre la clonazione del vostro archivio di immagini può essere tranquillamente sfogliata in caso di necessità (ad es. file cancellato o corrotto) in modo molto semplice senza dover passare attraverso l’interfaccia del programma di backup. L’unico neo sarà i fatto che i vostri files occuperanno molto più spazio perché non saranno compressi come in un file di backup tradizionale.

Iniziamo!

Nel momento in cui scrivo sto utilizzando un disco rigido Western Digital con alimentazione esterna da 2 TB collegato via USB ad un vecchio Router ASUS DSL-N55U

Prima di tutto dobbiamo installare un piccolo software che useremo a questo scopo. Si chiama lftp ed è un sistema a linea di comando molto sofisticato per trasferire dei files attraverso la rete.

Per installarlo utilizzate il tool della vostra distribuzione oppure la linea di comando. Come preferite.

Ora andiamo a comporre il comando vero e proprio che, per comodità, suddivideremo in due files separati.

Creiamo un nuovo file di testo che conterrà i comandi veri e propri.

lftp funziona in modo interattivo ma noi lo vogliamo inserire in uno script per la shell da lanciare a nostro piacimento. Quindi istruiremo lo script affinchè vada a leggere sequenzialmente i comandi all’interno di un file. In questo modo sarà anche più semplice fare manutenzione (ad es. aggiungere o togliere una cartella) perché non dovremo andare a toccare il nostro programma.

Si presume che abbiate un disco condiviso via ftp con un utente e password già creati e funzionanti!

Lo script

All’interno del file appena generato (chiamiamolo <comandi_lftp>) andiamo ad inserire questa sequenza:

open -u nome_utente,password indirizzo_ip_disco

Quindi se l’utente si chiama Pippo e la password è Pluto e il nostro disco è stato condiviso sulla rete con l’indirizzo IP 192.168.12.54 il comando sarà

open -u Pippo,Pluto 192.168.12.54

Dal momento che il file comandi_lftp contiene in chiaro il nome dell’utente e la sua password non vi devo ricordare che dovrà risiedere nella vostra cartella personale ed avere adeguati diritti di lettura e di scrittura che lo mettano al riparo dagli estranei, vero?!

Con questo comando indichiamo a lftp di aprire una connessione con il nostro disco rigido condiviso utilizzando un particolare utente.

Fatto questo dovremo solo indicare, in sequenza, i comandi per replicare l’archivio di files in questo modo:

mirror -Rnev cartella_origine cartella destinazione

Anche in questo caso è tutto abbastanza semplice ma analizziamo il comando un pezzo alla volta:

mirror - indica a lftp di fare un mirror ovvero una copia tale-quale della cartella di origine
-R - indica a lftp di analizzare la cartella di origine includendo le sotto-cartelle
-n - trasferisci solamente i files modificati DOPO quelli in archivio [1]
-e - obbliga lftp a CANCELLARE nella cartella di destinazione i files che non trova nella cartella di origine. Io la utilizzo perché voglio che le mie cartelle siano esattamente uguali: se decido di eliminare un file voglio che lo stesso file venga cancellato anche dall’archivio.
-v - stampa sullo schermo l’output del comando perciò vi dirà esattamente che cosa sta facendo. Utile sia se si vuole lanciare il comando interattivamente dalla shell oppure se si vuole reindirizzare l’output su di un file di log

Il vostro file comandi_lftp potrebbe contenere diverse linee come quella qui sopra se avete diverse cartelle da sincronizzare. Ad esempio:

mirror -Rnev /immagini/vacanze /disco1/vacanze
mirror -Rnev /documenti/casa /disco1/documenti
mirror -Rnev /video /disco1/video

al termine di tutte le istruzioni di sincronizzazione dovrete indicare a lftp che l’operazione è terminata e che si deve disconnettere dal disco remoto con un semplice comando

exit

Questo è tutto!

Il comando da lanciare quindi sarà

lftp -f comandi_lftp

Infatti l’opzione -f indica a lftp di leggere i comandi da un file (f = file) e non di aspettarli interattivamente da un input della tastiera.

Attenzione

Ancora una volta vi invito a prestare attenzione all’opzione -e ovvero quella che CANCELLA i files non presenti nella cartella di origine in quella di destinazione.

Fate delle prove prima di usare il comando per sincronizzare i vostri archivi perché potreste pagare molto caro un eventuale errore!

Pensate, ad esempio, se doveste confondere la cartella di origine con quella di destinazione e invertirle. Perdereste tutto!!

NOTE

[1]

Potreste avere problemi con l’aggiornamento dei soli nuovi files nel caso in cui il server FTP avesse difficoltà a fornirvi la giusta data (diversi router casalinghi potrebbero avere questo problema). In questo caso aggiungete l’opzione —ignore-time così da considerare solamente la data del file e non l’orario.

Riflessioni sui progetti fotografici

2018-07-08T23:11:00+00:00

Ma in fotografia serve o non serve progettare?

Leggo spesso che un esercizio utile sarebbe quello di imporsi un progetto e fotografare per un certo periodo di tempo solo soggetti inerenti a quel progetto.

Questa cosa non mi convince affatto. Perché dovrei impormi una fatica del genere se fotografo per divertimento? Con quale obiettivo?

Se l’obiettivo è quello di valutare la possibilità di fare il salto e diventare un fotografo professionista allora posso condividere. In fondo il professionista fotografa ciò che altri gli chiedono di fotografare. Ma se siete dei fotografi a tempo perso e fotografate per divertimento chi ve lo fa fare?

Allora posso non progettare nulla?

Io faccio una netta distinzione tra progettare e pianificare.

La pianificazione in fotografia non può mancare!

Dovete sempre pianificare un’uscita o una sessione in studio, pensare che materiale vi serve, che luce volete, ecc.

Prima di una passeggiata con la macchina fotografica pensate almeno a cosa volete fotografare (il centro città, le bancarelle di un mercato, la gente al parco) perché rischiate di tornare a casa con decine di foto inutili…

La pianificazione in fotografia, quindi, è necessaria.

Il progetto posteriore

Se siete agli inizi la cosa può risultare più difficile, ma se fotografate da un po’ di tempo ritengo invece molto più divertente e creativo realizzare dei progetti posteriori, ovvero cercare di catalogare le vostre fotografie per macro argomenti.

Una volta trovato un filo conduttore battezzatelo con un nome caratteristico (io ho scelto di usare il latino) quindi divertitevi a raggruppare le vostre vecchie foto e ad aggiungere quelle nuove. Sarà come comporre un album. Vi divertirete!

Dal momento che vi troverete a raccogliere immagini scattate anche a grande distanza di tempo l’una dall’altra, questo metodo vi permetterà inoltre di osservare e valutare la vostra evoluzione come fotografi e vi aiuterà moltissimo a capire come fotografate!

Quindi il mio personale suggerimento per chi è agli inizi è quello di non fotografare facendosi guidare da un progetto preciso. Pianificate l’uscita che volete fare ma non pianificate di fotografare una cosa soltanto!

Potreste perdere molti scatti

Se non siete professionisti e decidete di fare un viaggio importante (e costoso) perché volete limitarvi concentrandovi solo un progetto ben definito?

In viaggio siate dei fotografi poliedrici! Fotografate tutto ciò che vi interessa e portate a casa tutti i files che le vostre schede di memoria sono in grado di contenere! Una volta a casa sarete in grado di selezionare, eliminare e quindi sviluppare solo gli scatti più belli. Da un viaggio solo potranno nascere più progetti posteriori e alcune immagini potrebbero entrare a far parte di un progetto già esistente.

Quando ho avuto l’occasione di fare una settimana in Russia non mi sono neppure sognato di preparare un progetto su Lenin, o sul post-socialismo o sull’architettura delle cattedrali ortodosse! Ho fotografato tutto ciò che mi interessava e quindi paesaggi, tramonti, chiese, palazzi, strade… ho fatto scatti multipli per realizzare delle foto panoramiche (questo è un po’ il mio chiodo fisso) e scatti con l’idea di trasformarli in immagini in bianco e nero.

Non fingetevi professionisti!

Andate con la mente libera e gli occhi aperti e godetevi il vostro viaggio anche se si tratta di una giornata soltanto. Siate voi stessi e divertitevi! Scattate in più occasioni: non porterete a casa la foto del secolo (anche se questo non si sa mai…) ma sicuramente avrete dei bellissimi ricordi.

Se andate da soli non ci saranno molte difficoltà per gestire il vostro tempo. Se viaggiate in compagnia di amici o con la famiglia non abbiate il timore di riservare un po’ di tempo alla fotografia. Magari se decidete di fotografare un’alba non sarà un problema per nessuno mentre per un tramonto o un altro momento particolare della giornata potrebbero esserci un po’ più ostacoli.

Dichiarate le vostre intenzioni in anticipo e prendetevi dei momenti per qualche foto impegnata.

Vi assicuro che tornerete a casa con il massimo risultato!

Software open source e collaborazione

2018-04-09T18:12:00+00:00

Che bello poter utilizzare un software gratuito, valido, che funziona molto bene e che si aggiorna ad ogni nuovo rilascio!

Dietro questi programmi c’è però il lavoro di persone che, spesso nel tempo libero, dedicano ore ad un progetto che li appassiona.

É vero che siamo tutti molto impegnati ma sarebbe veramente grandioso (e motivante per chi lo fa!) se ognuno di noi potesse contribuire in qualche modo alla buona riuscita di un progetto simile.

Quasi tutti noi usiamo Wikipedia perciò quasi tutti noi veniamo invitati, ogni anno, a dare un piccolo contributo alla causa.

Come recita l’avviso? Se ogni utilizzatore versasse 2 Euro all’anno Wikipedia potrebbe pagare i contributori più talentuosi e investire in nuovo hardware.

La mia non vuole essere una marchetta a Wikipedia (anzi io sono uno di quelli che contribuisce con più di 2 Euro/anno) ma mi piacerebbe sensibilizzarvi ad una maggiore partecipazione. Spesso la cosa si fa anche molto divertente!

Come è possibile partecipare ad un progetto Open Source per chi non fa il programmatore?

Vi svelo un segreto: i programmatori sono solo la minima parte delle persone che servono ad un progetto di questo tipo per crescere… la tipica punta dell’iceberg… servono traduttori, persone che scrivono documentazione (non necessariamente documentazione ufficiale ma anche un articolo su un blog), persone che promuovono il software stesso.

Così da un paio di anni ho deciso di partecipare attivamente ad un progetto Open Source che si chiama darktable!

In che modo?

Con quello che so fare!

Da due anni darktable ha finalmente un manuale utente in italiano grazie al sottoscritto che ha ripreso in mano una vecchia bozza abbandonata e l’ha terminata (ed ora la tiene aggiornata!).

Oggi, quindi, potete scaricare il manuale in italiano oppure sfogliarlo online.

In una prossima versione di darktable dovrebbe arrivare anche l’aiuto contestuale che il team sta realizzando anche grazie alla mia [molto piccola] collaborazione.

Pensate che non servono forze ingenti come qualcuno potrebbe pensare: la localizzazione di darktable in italiano è affidata a due persone. Una segue il manuale utente e l’altra traduce l’interfaccia.

Lo zoccolo duro di un progetto vasto e complesso come GIMP non arriva a dieci sviluppatori!

Provate e non ve ne pentirete!

darktable e lo sviluppo dei files RAW

2018-04-04T13:30:00+00:00

Nel momento in cui si cerca qualcosa di più dalla fotografia digitale si inizia a scattare in raw e si deve scegliere un software per lo sviluppo dei files.

Tanti neofiti magari ignorano del tutto il fatto che la propria macchina fotografica possa scattare anche in raw. In realtà sono veramente tanti gli apparati che possono salvare l’immagine in questo formato!

Per essere precisi non si dovrebbe parlare di immagine perché in realtà il file raw non è un’immagine vera e propria quanto un archivio con tutte le informazioni necessarie a ricostruirla.

Nel mondo Linux i programmi per l’elaborazione di files raw sono diversi inclusi alcuni che servono come plugin per i software di fotoritocco. Ad esempio per GIMP esiste l’ottimo ufraw che serve come plugin per caricare un file raw in GIMP stesso.

Io sconsiglio questo approccio mentre caldeggio l’utilizzo di un software apposito per lo sviluppo dei files raw (conosciuti anche come negativi digitali) al fine di ottenere un file immagine classico (solitamente JPG o TIFF) da passare, eventualmente, al software per il fotoritocco.

Quindi che cosa posso consigliarvi?

Al momento in cui scrivo ci sono due programmi che si contendono il titolo di migliore: RawTherapee e darktable.

Entrambi sono molto validi ma è importante orientarsi verso uno dei due perché lavorano con logiche molto diverse:

RawTherapee utilizza un’interfaccia e una logica tipo Lightroom quindi con poche opzioni e operazioni molto automatizzate.
- PRO: facilità d’uso e curva di apprendimento più dolce
- CONTRO: bisogna accontentarsi di quello che si può fare con una singola opzione…
darktable, invece, utilizza una logica completamente differente mettendo a disposizione dell’utente una miriade di controlli per singola operazione.
- PRO: maggiore controllo sulle operazioni di sviluppo
- CONTRO: richiede studio e la curva di apprendimento può essere molto ripida!

Un altro motivo che mi ha fatto scegliere darktable è la possibilità di utilizzare una funzione di generazione di maschere veramente potentissima! Potete scegliere tra l’uso di maschere disegnate (gradienti, ellissi, pennelli) e le cosiddette maschere parametriche.

Queste ultime sono maschere che possono essere create partendo da una caratteristica dell’immagine stessa come, ad esempio un colore o la luminosità.

Se vi aggiungo che è possibile creare più di una maschera, che ogni maschera può essere invertita (ovvero agire sulla porzione di immagine non selezionata) e che le maschere possono essere combinate in modi diversi tra di loro capite subito che lo strumento che vi ritrovate tra le mani è veramente versatile.

Credo che dovrò dedicare qualche articolo specifico a questo argomento…

Per il momento vi saluto e vi rimando al prossimo post.